Carnets sur sol

mardi 18 février 2020

Opéra et concert classique : audace, fréquentation et zombies – (1/2)

Trois événements simultanés, la création des Bains macabres de Guillaume Connesson et l'abandon des récitals de piano des Nuits Oxygène ainsi que ceux des Concerts de Monsieur Croche, me font poser des questions sur ce qui permet, aujourd'hui, de remplir une salle.

La salle Gaveau, le prestige qui ne remplit pas (sauf pour Savall).

1. Survivre parmi les récitals de piano parisiens

Je commence par la part la plus triste. (Vous verrez, le volet « opéra » est beaucoup plus amusant.)

Les Nuits Oxygène ont cessé prématurément leur activité à Paris : concerts dans des lieux intimes choisis, avec des pianistes moins célèbres triés sur le volet, dans les répertoires qu'ils ont creusé parfois hors des sillons ordinaires (Lettberg dans Sibelius, Eckardstein dans Dupont…). Le festival se poursuivra peut-être dans d'autres villes européennes, mais le prix des salles parisiennes (qui menace aussi les activités de la Compagnie de L'Oiseleur) et l'absence de subvention rend, sans même parler d'équilibre financier, l'entreprise très difficilement soutenable.
    Pour l'heure, on peut profiter de certains de ces artistes sur le label associé, Artalinna (le site est aussi un véritable magazine, plus de 1800 chroniques discographiques de Jean-Charles Hoffelé !). En attendant un retour éventuel sous une autre forme.

La presse (musicale) a fait plus grand des Concerts de Monsieur Croche, sans doute en raison de la notoriété de son créateur (Yves Riesel, fondateur d'Abeille Musique, puis de Qobuz, qui ont marqué leur époque et saisi des inflexions majeures de la consommation musicale) et du prestige du lieu choisi, la Salle Gaveau.
    Moyens un peu plus étendus sans doute, et artistes plus célèbres : Peter Rösel, Billy Eidi, Evgeny Sudbin… Mais pas au point de remplir suffisamment pour équilibrer les coûts. Le récital de Sudbin, pianiste formidable qui a fait peu de disques récemment (hors le Trio de Tchaïkovski avec Gluzman, gravure splendide par ailleurs), et n'a pas forcément eu beaucoup de visibilité en France hors de son passage tout jeune à La Roque d'Anthéron, avait même dû être annulé faute de réservations.

Pourquoi cet échec, ou du moins ce nécessaire renoncement ? Le communiqué de presse pointe la Philharmonie, qui siphonnerait toutes les subventions et toute l'attention des médias. Évidemment, accuser le succès des autres n'est pas une bonne explication, mais ce n'est pas complètement fantaisiste non plus. J'ose (sans les chiffres, donc vraiment au doigt mouillé) quelques pistes.

1) Le concerts classiques non subventionnés sont quasiment impossibles à équilibrer. Par rapport au coût d'un cachet, de la location d'un Steinway (+ transport, accord, assurance), de la salle (+ le personnel d'accueil, l'éclairage…), il faut ou remplir complètement, ou faire payer vraiment très cher.

2) Même pour moi qui suis en principe un garçon informé en matière de concerts parisiens, je n'en ai eu vent que par des mélomanes qui connaissaient personnellement Yves Riesel ou d'autres qui le connaissaient… Il y avait un problème de communication, alors que je reçois très bien les informations de concerts dans des églises. Sans doute lié au modèle même de Gaveau, une coquille à louer pour des organisateurs de concerts : pas de brochure de saison, tout se remplit au fil du temps, il faudrait donc chaque mois se connecter pour vérifier, sachant que le programme y est très disparate, de Jordi Savall à des tubes par des orchestres de cacheton, ne s'adressant pas forcément à un public bien identifié. Malgré la notoriété du lieu, l'organisateur ne peut pas compter sur la salle pour informer son public – et malgré des publicités payées dans les médias spécialisées, la plupart des amateurs de piano autour de moi n'ont rien vu passer.

3) Le principe de Monsieur Croche était de faire du vrai récital traditionnel sans concession. Le programme n'était le plus souvent pas original (les Chopin / Rachmaninov / Ravel qu'on entend ailleurs), par des interprètes reconnus (Billy Eidi est une sommité du répertoire français XIXe, et qui a beaucoup enregistré !), mais peu célèbres.
    Or, pour moins cher, on peut avoir un autre pianiste qu'on ne connaît pas (à la carrière moins glorieuse peut-être, mais une très large partie du public, même mélomane, n'en saura rien), dans une jolie église chauffée ; ou alors voir Argerich / Zimerman / Barenboim pour 10€ à la Philharmonie, qui est ultrasubventionnée et peut se permettre des prix très en-dessous de la réalité des coûts.
    À cela s'ajoute l'expérience de spectateur à Gaveau qui n'est pas extraordinaire : beaucoup de places à visibilité réduite, une salle qui ouvre au dernier moment avec des queues sur des paliers décatis et jusque dans les escaliers, un programme (rien que pour avoir les pièces jouées) systématiquement payant, une absence de communication avec la régie qui fait parfois commencer le spectacle alors que tout le monde n'est pas placé, et pour couronner le tout le petit panneau indiquant qu'il faut financer nous-mêmes le personnel destiné à surveiller que nous ne prenions pas de meilleures places… On n'a pas forcément le sentiment de participer à une expérience singulière, contrairement à la Philharmonie neuve, spectaculaire, au personnel jeune, mélomane et avenant, à la notoriété considérable, aux prix bas.

4) À mon sens, vouloir exercer une compétition dans un répertoire déjà couvert par la Philharmonie et le TCE, qui disposent de lieux plus prestigieux et de subventions permettant une entrée de gamme moins chère, qui proposeront des pianistes plus célèbres et ont suffisamment de places pour accueillir du monde pour un récital de piano… est quasiment sans espoir si l'on ne propose pas un format différent.
    Pour se différencier dans cette tranche, il faut proposer des lieux originaux (dans un musée par exemple) ou des dispositifs plus attirants – en ce moment, des concerts aux bougies sont vendus comme des croisières, « une expérience inoubliable », tout en invitant les meilleurs jeunes ensembles de chambre… Les prix sont assez hauts mais le remplissage semble assez bon. Et on les voit très bien sur les réseaux sociaux où ils ont acheté beaucoup d'espace. Ils proposent quelque chose où le néophyte se sent prêt à aller (ou bien où soi-même on se sent prêt à l'emmener), pour aller entendre les mêmes trios de Schubert et Mendelssohn qu'on entend partout ailleurs, mais présenté sous un angle qui n'est pas celui de la musique pure. Je sais que ça indigne bon nombre de mélomanes, et cependant je ne suis pas sûr que pour remplir, ou même pour faire franchir la porte des salles, il ne soit pas nécessaire d'attraper dans un premier temps le public par des arguments extra-musicaux. Il ne s'agit pas de faire du concert une grande foire avec des ballons et des sketches, où plus personne n'écouterait la musique, mais de ménager une atmosphère, un événement qui réussisse sa captatio benevolentiæ.
    Je ne le dis pas non plus pour plaider pour les raretés, je crois que les concerts auraient été encore moins remplis si les programmes avaient été de type Ropartz-Cras-Ladmirault ou Roslavets-Liatochynsky-Mossolov, évidemment. Ou alors il aurait fallu le présenter comme une sorte de festival patrimonial, avec un acteur qui vienne lire des poèmes poèmes, de belles photos de mer d'un photographe breton projetées pendant le spectacle… Je ne peux pas promettre que ça marche, mais je dirais que ça peut fonctionner potentiellement, alors que dernière Sonate de Beethoven par quelqu'un que personne ne connaît alors qu'on a toutes les vedettes qui la jouent pour moins cher à la Philharmonie…

Dans mon expérience (extérieure) de spectateur qui fait beaucoup de salles différentes, et beaucoup de soirs successifs dans les mêmes salles, je vois trois paramètres majeurs pour le remplissage, assez (tristement) immuables :

¶ Proximité. Une portion du public va voir ce qu'il y a près de chez lui. Les personnes âgées qui vont salle Wagram (alors qu'on joue de meilleures symphonies de Beethoven à la Philharmonie pour moins cher), les banlieusards qui ne peuvent pas faire du transilien jusqu'à 1h du matin et vont dans le théâtre local voir successivement la pièce de théâtre grand public, le stand up à la mode, le concert de symphonique de la saison.
Certaines salles ont aussi une relation de confiance avec leurs habitués : j'en connais qui vont « à l'Opéra-Comique » ou « à Cortot », parce qu'ils savent que la qualité sera au rendez-vous. [Pour ma part, je le fais aussi, à l'Athénée… lorsqu'ils jouent un opéra dont je ne connais même pas le compositeur, j'y vais, même si le sujet ou l'esthétique ne me font pas envie en principe, parce qu'ils ont démontré qu'ils choisissaient bien leurs titres, réalisaient les choses très consciencieusement, et qu'on est bien (re)placé et bien accueilli…]

¶ Vedettes. Placez quelqu'un de suffisamment célèbre, dans n'importe quel programme, c'est rempli. Quel que soit le programme, l'heure, le format, jetez Argerich ou Kaufmann sur l'affiche, vendez 100% des billets. (Pas sûr que la soirée soit amortie pour autant avec les cachets, puisqu'ils ne sont pas accompagnés par l'Orphéon municipal, mais en termes de prestige et de remplissage, c'est réussi.) D'où ma tendance à me plaindre lorsque ces illustres personnes imposent des programmes rebattus (parfois par eux-mêmes, n'est-ce pas Dame A*** ?), alors qu'elles pourraient choisir des œuvres négligées qui leur tiennent à cœur, et permettre à un vaste public d'y accéder. Changer peut-être l'histoire de la musique, d'une certaine façon, comme le fit Bartoli en imposant Vivaldi (dont les mélomanes mêmes ignoraient à peu près l'importance du legs lyrique profane) sur toutes les scènes du monde.

¶ Titres célèbres. Incluez la Cinquième de Beethoven, le Requiem de Mozart ou la Danse du sabre ; n'importe quel orchestre d'amateurs peut faire salle comble.

Dans le cas où vous ne pouvez pas vous appuyer au moins sur l'un de ces paramètres, et programmez des gens moyennement célèbres qui jouent des titres un peu moins courus dans un lieu qui ne soit pas le Champ de Mars ou la Pyramide du Louvre… il faut ruser et bien communiquer – faire appel à un sujet d'actualité, une occasion généreuse, un format inhabituel, un aspect festif… En tout cas créer une différence qui justifie vos prix plus élevés que lorsque la Philharmonie opère un home run en cumulant Kaufmann + Verdi + prix cassés.

Je me suis déjà fait la remarque, en observant les spectateurs fascinés durant les ciné-concerts, et parfaitement silencieux, qu'on aurait tout intérêt à diffuser de jolies photos ou des documentaires animaliers en fond pendant qu'on joue le grand répertoire : voilà qui occuperait l'attention des enfants, des impatients, des tousseurs, des déballeurs de bonbons, et laisserait les passionnés profiter en toute quiétude de leur concert – certes, au prix d'une petite nuisance visuelle. Même pour le plus chevronné, de petites images de hérissons gambadant dans le Vercors ne seraient-elles pas très bienvenues pour occuper l'esprit pendant la huitième itération du cor de postillon de la Troisième de Mahler ? Manière de reprendre des forces avant les mouvements plus substantiels.

Les concerts où le public peut être debout ou circuler sont en général peu convaincants (on a mal au dos, on peine à suivre, il y a de l'agitation), mais on pourrait tout à fait tester (cela s'est fait) des concerts dans le noir (sans doute très dépaysant et vraiment intéressant), ou allongés – sur des matelas gonflables ou je ne sais quelle fantaisie… Ou, comme le fait Grégoire Ichou, des déambulations dans des monuments, où chaque pièce illustre un aspect de l'architecture, du mobilier, des collections… et se coule dans l'acoustique spécifique de chacune des salles.

On peut aussi tenter, dans la programmation, de rapprocher des œuvres selon des thématiques (sur l'imitation de la nature ou des automobiles, par exemple), de façon très concrète. Ou bien des concerts-ateliers (un peu sur le mode Zygel) avec des démonstrations d'effets (qu'est-ce que ça change si on ajoute du vibrato, double le tempo, remplace la clarinette par un cor…) qui pourraient carrément devenir des concerts en eux-mêmes – une symphonie de Mozart dont on écrirait un arrangement où les hautbois jouent les parties de cordes et inversement… ! En tout cas quelque chose qui change des formats parfaitement arbitraires Ouverture-Concerto-Symphonie – qui a le désavantage de forcer à trouver une intro souvent mineure et moins bien travaillée en répétition, de frustrer les amateurs d'instrument et de forcer les mélomanes à attendre la seconde partie pour entendre de la musique intéressante…

Je sais que toute une partie des mélomanes sérieux considèrent que ce type de démarche ludique, qui ne respecte pas l'intégrité des œuvres, est indigne du concert ; pourtant, c'est aussi faire de la musique, et permettre de l'entendre autrement. Je ne dis pas que cela doit devenir la norme, mais en faisant du concert autre chose que la répétition comparée des mêmes œuvres abstraites par des interprètes différents, on peut peut-être se faire une place auprès des grandes institutions. Si c'est donner un programme Beethoven-Brahms-Ravel dans une salle moins cotée et par un pianiste peu connu, on a perdu d'avance. La différenciation est indispensable à mon sens, fût-ce de façon moins radicale – répertoire alternatif, adjonction de récitant, glisser une Fantaisie écrite par le pianiste sur des thèmes célèbres, prévoir une séquence improvisation…

Si vous voulez risquer votre argent, j'ai des idées pour vous.

2. L'opéra de l'avenir

Seconde étape, plus festive, autour des possibilités de nouveaux sujets et formats ouvertes par l'opéra contemporain…

Pour le second épisode, à venir bientôt.

(Je ne serai pas en mesure, pour des raisons techniques, de répondre aux commentaires avant la semaine prochaine, d'avance mes excuses.)

Pour vous occuper, vous pouvez continuer de suivre les nouveautés discographiques qui continuent d'être commentées, ou la série Un jour, un opéra qui a été alimentée chaque jour depuis le 15 janvier (je ne promets pas pour cette semaine).

À bientôt, estimés lecteurs !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Discourir a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 90 indiscrets

lundi 10 février 2020

Le défi 2020 des nouveautés – épisode 3

Nouveautés écoutées et commentées de ces dernières semaines (mises à jour au fur et à mesure dans ce tableau).

Du vert au violet, mes recommandations.

écouté œuvres

Moniuszko: Cantates Milda & Nijoła ; Poznan PO, (DUX)
→ Superbe déclamation polonaise très bien mise en valeur, chantée et accompagnée, la qualité mélodique de Moniuszko en sus. À découvrir, peut-être même supérieur aux opéras !

Ninna nanna: Lullabies from Baroque Italy ; Pino de Vittorio
→ Très beau programme original. Étrange captation très proche et très sèche, un peu déstabilisante (voulue par l'artiste pour faire plus 'folk'?)

Clairières: Songs by Lili & Nadia Boulanger ; Nicholas Phan, Myra Huang
→ La documentation du (court) legs de Nadia Boulanger arrive enfin ! Ses mélodies, particulièrement abouties dans leur rapport au texte, et nourrissantes musicalement, commencent à être enregistrées. Jolie voix de ténor ici, mais la diction reste légèrement inexacte et pas toujours assez claire pour ce répertoire, à mon gré.

Bonis, Chaminade, L. Boulanger ; Compositrices : À l'aube du XXe siècle ; Juliette Hurel (Alpha)
→ Œuvres assez légères, délicieuses (en particulier les Bonis, comme toujours), très bien exécutées.

Tishchenko: Complete Works for Harp ; Mikhail Lermontov (Naxos)
→ Le concerto est très surprenant, vraiment des alliages minimaux (harpe solo, et puis un hautbois et une clarinette, ou bien un piano…) : chambriste à l'extrême, à côté le concerto pour violon de Berg (ou le second de Szymanowski), c'est Also sprach Zarathustra…
Surtout, les deux mélodies vocales sont in-cro-yables. Très accessibles et gentiment mélodiques en apparence, mais remarquablement subtiles. Avenant pour tous, nourrissant pour les oreilles affûtées.

Arianna (Scarlatti, Haendel, Haydn) ; Kate Lindsey, Arcangelo, jonathan Cohen (Alpha)
→ Trois cantates autour d'Ariane, et sans Monteverdi ! Kate Lindsey, électrique dans Mozart, a une émission plutôt calibrée pour les répertoires plus tardifs (beaucoup de fondu), ce qui lui donne un côté inutilement épais (et affecte la clarté de l'élocution, même du phrasé) dans les pièces du premier XVIIIe siècle.

Decades: A Century of Song, Vol. 4 (1840-1850) : Liederkreis Op.24, Dargomizhsky, Franck ; Florian Boesch, Hovhannisyan, Nick Pritchard
→ Très beau concept : faire dialoguer l'écriture de mélodies en différentes langues, au sein de la même décennie. Belle sélection (toutes les mélodies de Franck ne sont pas immenses, parfois assez peu aventureuses ; celles-ci sont assez remarquables), et chanteurs remarquablement éloquents (les hommes en particulier). Très belle version de l'opus 24, des Franck très savoureux, et des Dargomijski amples.

Anton Rubinstein: Sonates pour piano 1 & 2 ; Han Chen (Naxos)
→ Des traces de la Sonate en si (accords du Grandioso) et de l'Arpeggione (mélodie initiale qu'on retrouve ici dans le II de la 2) !

Haydn, A. Stamitz & C. Stamitz: Concertos ; Ana de la Vega, Ortego Quero (Pentatone)
→ Délicieux doubles concertos pour flûte et hautbois, servis avec aisance et lumière, dans une prise de son très flatteuse. Absolument revigorant.

Greif : Les Chants de l'âme (Live in Deauville) ; Marie-Laure Garnier, Philippe Hattat (Naxos)
→ Greif tel qu'en lui-même : sobre, sombre, très accessible. Pas tout à fait bouleversé par la force poétique du cycle, ni par la voix et la diction vraiment pâteuses de M.-L. Garnier (pour du lied, sinon j'aime beaucoup ce qu'elle fait). En revanche l'épure, le son et l'audible hauteur de vue de Ph. Hattat au piano me ravissent.

Motets Napolitains (Leo, Scarlatti) ; Anthea Pichanick
→ Œuvres typiques du genre, du seria organisé en courtes pièces sacrées, servies par cette voix extraordinaire (un mixé de poitriné et une pointe de nasalité, pour un effet qui évoque parfois Marilyn Horne… Charisme, aplomb et même qualité de déclamation assez hors du commun. Une très grande qui magnifie ce répertoire.

Destouches, Royer, Rameau ; Brillez, astres nouveaux ! ; Chantal Santon Jeffery, Vashegyi (Aparté)
→ Quelle très belle surprise ! Santon a complètement redomestiqué ses moyens, et les pièces retenues disposent d'un réel caractère, récital passionnant et exaltant, servi avec beaucoup de chaleur et de style.

Kalkbrenner: 25 Grandes Etudes de Style et de Perfectionnement, Op. 143 Tyler Hay (Piano Classics)
→ La grande figure jouée par Chopin et Clara Wieck à leurs débuts… Les Études sont-elles le plus intéressant, probablement pas, mais un document !
Verdict : effectivement, des exercices de traits typiques du temps, impressionnants et virtuoses, joués de façon un peu raide (et avec de la pédale), enregistrés dans un placard. Amusant de voir d'où procèdent certaines tournures du jeune Chopin, mais pas essentiel.

Poul Ruders Edition, Vol. 15 (Concerto pour piano n°3 Variations Paganini), Anne-Marie McDermott
→ Je découvre l'existence de cette appétissante série ! Etrangement tonal et conservateur par rapport au langage habituel de Ruders : on croirait une suite de variations du début du XXe siècle. Mais très réussi.

Jean-Baptiste Loeillet of London: Trio Sonatas ; Epoca Barocca (CPO)
→ Musique de chambre baroque vivifiante, œuvre comme interprétation !

Draeseke: String Quartets, Vol. 1 ; Constanze Quartet (CPO)
→ La sobriété de Draeseke n'empêche pas une certaine densité de contenu et une grande qualité de finition musicale, par un quatuor aux contours très fins. Un disque qui peut se goûter en aplat de fond apaisant comme s'écouter avec grand intérêt pour toutes ses nuances successives, sans grands accès tempêtueux. (J'aime décidément beaucoup.)

R. Strauss: Symphony No. 2 Op. 12 & Concert Overture ; Saarbrücken (CPO)
→ Œuvres de jeunesse, assez peu typées comme sa musique de chambre (du bon romantisme du rang), bien faites et très bien servies ici.

Pēteris Vasks: Works for Piano Trio ; Trio Palladio (Ondine)
→ Beau romantisme passé à l'épure du minimalisme, très pudique – à l'exception des ressassements de l'arrangement de Plainscapes, le tube de Vasks, sorte de Fratres de Pärt qui, de même, ne résume pas l'intérêt du compositeur.
Très beaux équilibres du Trio Palladio.

Schubert, Winterreise, (Arr. A. Höricht) ; Voyager Quartet (Solo Musica)
→ Arrangement qui est partiellement composition, pour quatuor seul, sans voix. Les transitions sont écrites pour l'occasion, et même les reprises sont sous forme de variations typées XXe – tous les lieder ne sont pas inclus. Il fait ainsi goûter tous les petits contrechants de l'accompagnement de Schubert – ils font fondre l'âme. Contre toute attention, fonctionne merveilleusement. Jubilatoire, si l'on accepte qu'il s'agit de bidouille et pas du Winterreise de Schubert – 25% de corps étrangers d'esthétique assez différente.

écouté versions

Duparc, R. Strauss (Vier Letzte Lieder), mélodies russes : « Morgen » Elsa Dreisig, Jonathan Ware (Erato)
→ Dreisig dans son meilleur répertoire, où la couverture s'est cependant accentuée (en chantant des rôles plus lourds), et où l'abattage visuel manque pour compenser un petit flou de diction dans le haut de tessiture. Mais elle demeure une grande naturelle de l'exercice ! Piano pas particulièrement charismatique dans ces pages luxuriantes.

Granados, Goyescas ; J.Ph. Collard (La Dolce Volta)
→ Beaucoup de douceur, sans le relief habituel de Collard – sans doute l'effet d'avoir écouté juste avant l'excellent disque de Barbaux-Cohen.
(Je trouve aussi Goyescas moins intéressant que les autres cycles.)

A Schubertiade with Arpeggione ; L'Amoroso : Pelon, Moscardo, Balestracci (Ricercar)
→ Album schubertien de pièces et arrangements pour guitare & arpeggione (outre la Sonate, avec piano d'époque). Délicieux !

Brahms: Fantasien, Op. 116, Intermezzi, Op. 117 & Klavierstücke, Op. 118 ; Hortense Cartier-Bresson (Aparté)
→ Après avoir été ravi par HCB en concert pour le Premier Trio, ces Brahms solos me frustrent un peu – un brin ternes, notamment du fait de la prise de son étrangement en retrait des habitudes d'Aparté. À réécouter pour lever le mystère.

Haydn 2032, Vol. 8: La Roxolana ; Giovanni Antonini
→ Très beau et convaincant, mais impression que les propositions d'Antonini, comme celles de bien autres chefs échappés du baroques, perdent en radicalité au fil des ans !

Händel: 12 Concerti grossi, Op. 6 Nos. 7-12 ; Akademie für Alte Musik Berlin, Bernhard Forck (Pentatone)
→ Belle seconde partie de ces concertos très marqués par le modèle corellien (meilleurs que la première moitié d'opus, m'a-t-il semblé). Difficile en revanche, lorsqu'on est habitué au renouvellement intense des interprétations instrumentales baroques, d'être totalement étourdi par cette belle version engagée qui n'apporte pas vraiment de surpris en textures, coloris ou discours, je l'avoue. (Peut-être est-ce que je n'aime pas assez la musique instrumentale baroque hors des pièces solo…)

Vivaldi: Violin Sonatas & Concerto Isabella Bison, Francesco Corti (Passacaille)
→ Très bien !

Magnard: Symphonies Nos. 1 & 2 ; Philharmonisches Orchester Freiburg, Fabrice Bollon (Naxos)
→ Davantage de clarté et de mobilité, mais pas la révélation foudroyante des 3 & 4 du précédent volume. Peut-être même un peu moins réussi que Thomas Sanderling avec Malmö. À réécouter.

I vespri verdiani: Verdi Arias Olga Mykytenko (Chandos)
→ Beaux airs peu joués (plutôt du Verdi de jeunesse), par une grande voix émise à la slave (résonance dans le pharynx plutôt que dans la face), avec les petites stridences de gorge que cela suppose, mais globalement enthousiaste et de belle tenue ! Étonnamment, sa Violetta ample aux moirures diverses est prodigue en frémissements inattendus !

Gaubert, Fauré, Debussy, Franck ; The Lyrical Clarinet, Vol. 3 ; Michael Collins (Chandos)
→ Hors le Gaubert, point de nouveautés (transcriptions avec piano, on a même la millième version arrangée de la Sonate de Franck pour un autre instrument que le violon). Beau son de clarinette, interprétation élégante de ces pièces, mais rien de particulièrement neuf.

Death and the Maiden ; 12 Ensemble (Sancho Panza Records)
→ Je ne comprends toujours pas l'intérêt de jouer des quatuors en effectif orchestre à cordes. On peut toute la netteté d'articulation, l'émotion des voix individuelles qui forment un tout… Le trait devient plus gros, a fortiori lorsque le vibrato gomme les effets de textures voulus par le compositeur. Exécution de plus assez tradi, vraiment rien à signaler.

Escales (Ibert, Ravel, Duruflé, Chabrier, Saint-Saëns) ; Sinfonia Of London, John Wilson (Chandos)
→ Belle version ronde et colorée de ces fleurons du répertoire français (Escales, Rhapsodie, Danses, Rouet…), qui existent dans d'autres versions plus fouillées mais qui séduisent grandement ainsi réunies et luxueusement exécutées.

Beethoven: Piano Concertos Nos. 2 & 5 "Emperor" ; Kristian Bezuidenhout, Freiburger Barockorchester, Heras-Casado (HM)
→ Mis à part quelques tutti aux distorsions savoureuses, je n'ai pas trop perçu la plus-value : version très tradi, même le pianoforte paraît un piano moderne un peu clair (à croire qu'on entend au mieux un Erard de 1890). Et pour ce qui est de la fougue incoercible de Beethoven, on repassera, tout est bien gentiment à sa place. Belle version que je serais ravi d'entendre en concert, mais je ne comprends pas la nécessité de publier ça dans l'immensité des versions discographiques gigantesques.

R. Schumann, C. Schumann & Brahms: Sonatas & Songs Poltéra, Stott (BIS)
→ L'idée est d'arranger les sonates pour violon de Schumann et Brahms pour violoncelle. Les deux lieder à la fin sont de Brahms et Wieck-Schumann. Très bien joués (mais il manque le texte). Timbre toujours très beau de Poltéra.

Schumann: Symphonies Nos. 1 & 3 ; Gardiner (LSO Live)
→ Spectre aéré, mais pas follement ardent (très très bien, mais eu égard à la concurrence, il existe plus étourdissant dans les veines allégée ou cinglante).

Bruckner: Symphony No. 6 (1881) ; Bergen PO, Dausgaard (BIS)
→ Vif, net, tendu ; très belle lecture claire et intense de Dausgaard, avec les plus belles couleurs orchestrales qui soient (Bergen !).

Sibelius: Symphony No. 2, King Christian II ; Göterborg, Rouvali (Alpha)
→ Le grand point fort de Rouvali est de traiter les longues transitions de Sibelius comme des thèmes à part entière… Sa Première fut une grande claque, une redécouverte, une illumination. Sa Cinquième était étrangement inégale, en particulier sur les points forts habituels de la symphonie, ou même dans la réalisation technique.
En bonne logique, cette Deuxième, très thématique, moins totalement organique que les plus tardives, se prête moins bien à cette lecture, malgré les timbres splendides et les originalités essayées – c'est beau, il tente des choses, mais il y a plus subtil ailleurs.
(Les transitions restent incroyables, en particulier vers et dans le dernier mouvement.)

Sibelius Symphonies No 4 & 6 ; Hallé, Elder (Hallé)
→ Toujours cette prise de son incroyable, proximité et réalisme des timbres, ampleur très détaillée… La conduite en est belle aussi, mais c'est avant tout une aventure sonore, comme le reste de cette formidable intégrale, désormais achevée !

écouté rééditions

Beethoven: The Complete Piano Sonatas Played on Period Instruments ; Paul Badura-Skoda (Naïve)
→ Badura-Skoda avait la réputation de choisir les pires exemplaires de pianos au son moche et inégal… et de ne pas forcer les jouer avec beaucoup de profondeur. (C'est un peu mon avis aussi : ni de beaux instruments, ni une hauteur de vue particulière.) Écoutez Peter Serkin sur Graf pour les 5 dernières !

Bruckner: Symphony No. 1 (1877 Linz Version) ; Staatskapelle Dresden, Jochum (Warner)
→ Il faut ne pas être trop effrayé par les cuivres extrêmement acides, mais lecture extraordinairement organique ; dans le genre tradi, les 4 premières de l'intégrale dresdoise poussent au plus haut degré la clarté et l'éloquence de la construction.

Bruckner: Symphony No. 2 (1877 Version) ; Dresde, Jochum (Warner)

Bonne pêche !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Disques et représentations a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 141 indiscrets

samedi 25 janvier 2020

[Défi 2020] – Un jour, un opéra

Durant la saison 2017-2018, je m'étais lancé le défi d'éplucher la programmation lyrique mondiale et d'en proposer un catalogue (organisé par langues), en présentant les opéras rares qui, au milieu des milliers de soirs de Carmen(s) et Traviate, permettaient en réalité d'élargir réellement notre vision du genre, dans des styles extraordinairement divers. Les sujets des opéras contemporains (il y en a tant d'étonnants… que je ne pus finir) étaient particulièrement éclairants sur l'époque… et tout à fait intrigants, quand ce n'était pas résolument appétissants ! Le résultat est lisible ici.

Exploration passionnante mais extrêmement gourmande en temps (lecture de chaque saison, relevé, écoute, documentation, écriture, recherche d'illustrations, mise en forme, chaque notule représentait quelques dizaines d'heures), à laquelle je ne me suis pas prêté pendant la saison 2018-2019 – 2019 étant l'année du défi de l'écoute des nouveautés discographiques, comme vous avez vu.

Pour débuter 2020, la fantaisie m'a pris de reprendre l'exploration (quel fascinant biais de découverte de lieux, de compositeurs, de langues, d'histoire locale !), mais cette fois sans accumuler ni hiérarchiser : sous forme d'éphéméride, chaque jour un opéra (rare / révélateur / insolite si c'est possible) dans une ville du monde. Avec des liens vers des extraits. L'occasion de découvrir des maisons d'opéra, l'état réel du répertoire dans des pays dont nous connaissons mal la programmation, des figures musicales locales, des langages sonores sinon nouveaux, du moins différents. Un panorama de l'état du répertoire mondial par la bande des particularismes patrimoniaux et de la création contemporaine…

À suivre là.

Comme l'ensemble du parcours peut finir par intéresser les lecteurs de CSS, je reproduis ici le début de l'aventure.

🔵 Aujourd'hui, 15 janvier, à Kaunas, au centre de la Lithuanie, on donne *Mr X.*, adaptation (en lithuanien ?) de *Die Zirkusprinzessin* de Kálmán, une pièce légère d'un compositeur dans le top 10 des plus joués au monde. (Car Csardás et Mariza sont présentes partout en Allemagne et à l'Est.)
La preuve, on joue l'œuvre aussi en Allemagne ce soir, à Hof.

·
🔵 Aujourd'hui, 16 janvier, à Plzeň, à l'Ouest de la République Tchèque, on donne *Broučci* (« Les Coléoptères ») de Jan Jirásek, d'après un standard de la littérature tchèque pour enfants (publié en 1876, de Jan Karafiát), déjà l'objet de nombreuses adaptations !·
Jirásek a écrit beaucoup de jolie musique d'accompagnement pour des documentaires, dessins animés… de même pour sa musique sacrée, puisant à la tradition avec une petite pointe de vivacité supplémentaire. S'il écrit bien pour la voix, ce doit être très efficace et ravissant !

🔵 Aujourd'hui 17 janvier, la « scène alternative » de l'Opéra d'Athènes propose Λεπορέλλα de Γιώργος Κουρουπός (Leporella ou Derrière le mur de Giorgos Kouroupos), d'après la nouvelle de Zweig. Opéra de chambre accompagné par 11 musiciens, en grec. (20€ maximum !)
L'intrigue : Leporella, rude femme du Tyrol, vient servir un baron viennois (forcément décadent), favoriser ses amourettes… jusqu'à ce que l'amour mutuel devienne incontrôlable. (Fin toute en catastrophes.)
Dans la langue musicale naïve, consonante et planante de Kouroupos.

🔵 Aujourd'hui 18 janvier, on joue à Erevan, capitale de l'Arménie, *Anoush* d'Armen Tigranian, grand opéra du patrimoine d'après le poète national Tumanian, composé à peine avant le génocide (1912). Dans un genre évidemment tout à fait romantique, façon Danses Slaves de Dvořák.
Intrigue rurale : Anush se marie au berger Saro. Lors de la noce, celui-ci se prête au combat traditionnel avec le beau-frère – qu'il est supposé perdre. Mais il gagne, et le frère outragé le tue. Anouch se jette, selon une tradition éprouvée, du haut de la falaise. #SentaAttitude #HalkaStyle
Comme bien des opéras-emblèmes nationaux, existe en audio et même en vidéo.

🔵 Aujourd'hui 19 janvier, l'Opéra de Budapest donne *János Vitéz* ('Jean le brave') de Pongrác Kacsóh, une adaptation musicale de 1904 d'un des grands poèmes épiques du XIXe – il y en a beaucoup de très beaux, comme La mort de Buda d'Aranyi (qui raconte l'ascension d'Attila).
János, enfant trouvé dans un champ, devient hussard et parcourt le monde. Il soumet le royaume des Géants, extermine les Sorcières, occit un dragon, parvient en bateau aux confins du monde, où les Fées l'unissent à sa défunte bien-aimée pour une vie éternelle. (si !)
Musique limpide et 'positive', très appréciée en Hongrie, pas du tout jouée ailleurs. [version historique miraculeusement chantée]

🔵 Aujourd'hui, 20 janvier, on donne au Staatsopera unter den Linden, à Berlin, *Usher* d'Annelies Van Parys, compositrice flamande (1975-), qui écrit (d'après Poe, ici) dans une langue atonale aux impressionnantes bigarrures. [extrait]

🔵 Aujourd'hui, 21 janvier, à Split (seconde scène de Croatie), on donne le grand standard de l'opéra croate (1935) *Ero s onoga svijeta* (« Ero de l'Autre Monde » traduit en anglais par « Ero le farceur ») de Jakov Gotovac, compositeur romantique très tardif (1895-1982).
L'intrigue rurale est fondée sur un plot twist : on ne découvre qu'à la fin que Mića (qui se fait passer pour 'Ero de l'Autre Monde') est un riche héritier du village voisin, venu trouver une fille qui l'aimera pour lui-même. Il trouve son bonheur avec Djula, et tous deux s'enfuient à la fin de l'acte II, avant la réconciliation générale de l'acte III, occasion de belles danses dalmates.
Un lyrisme simple, sans raffinement particulier, enrichi de quelques modes orientalisants. Vraiment pas du niveau des chefs-d'œuvre de Zajc ou surtout Hatze – les chœurs de paysans finissent, dans leur répétition et leur dépouillement sommaire, par ressembler à du Orff. Pour autant, c'est agréable (il faut penser à Mascagni ou Sorozábal pour situer).
Operavision avait capté la production, moins 'provinciale' mais tout aussi 'couleur locale', de Zagreb.

🔵 Aujourd'hui 22 janvier, l'Opéra de Kiev donne *Les Zaporogues au delà du Danube* de Semen Gulak-Artemovskiy, opéra en ukrainien sur un sujet spécifiquement ukrainien – la libération des Cosaques de Zaporijia prisonniers des Turcs, à travers une petite histoire de fuite amoureuse manquée. (Finalement tous obtiennent leur pardon et peuvent retourner sur leurs terres.)
Gai et folklorisant, on peut y voir une collection de chansons autant qu'un opéra ! [extrait]

Depuis la guerre civile en Ukraine, les principaux opéras du pays reflètent la politique : patrimoine en ukrainien (Lysenko !) ou européen à Kiev et Lviv d'une part, *La Fiancée du Tsar* (Rimski-Korsakov) et *Une vie pour le Tsar* (Glinka) à Donetsk, d'autre part ! [lien]

🔵 Aujourd'hui, 23 janvier, au Long Center d'Austin (Texas), on donne *Everest* de Joby Talbot, un opéra qui tisse le voyage au sommet et son récit, avec des tournures majoritairement minimalistes / très tonales, et des scènes de foule atonales façon The Ghosts of Versailles de Corigliano – où l'intrigue du passé, dans une musique très consonante, alterne avec un langage de nappes atonales pour les fantômes qui la commentent.
Fondé sur le récit d'une expédition de 1996, sur un livret par l'auteur de l'adaptation Moby-Dick (le bijou de Jake Heggie !), l'opéra a déjà été pas mal donné (y compris en Europe, à Hagen), notamment à Kansas City et Dallas. [extraits vidéo]

🔵 Aujourd'hui, 24 janvier, on donne *Ermak* d'Alexander Tchaïkovski (neveu du grand compositeur soviétique Boris Tchaïkovski), à Krasnoïarsk : une commande au sujet remarquablement local, autour d'une figure historique de l'expansion russe, dans cette région ouest-sibérienne.
Alexander Tchaïkovski écrit ici dans la langue musicale des néos- de Russie, revenant à une écriture ultra-tonale, ramassée, presque sommaire (*Ermak* évoque par endroit le diatonisme simple, les rythmes, doublures et percussions alla Orff). [extrait]

Ermak Timofeïévitch, brigand de la Volga, est devenu, sous Ivan le Terrible, le grand général qui ouvre la voie de l'Oural et soumet les tribus turcophones (notamment tartares) de l'Ouest de la Sibérie.

Figure coloniale ou Alexandre le Grand septentrional, comme on veut.

Le lieu est aussi particulièrement significatif : Krasnoïarsk, ville fondée quelques décennies seulement après la conquête, est située sur le Iénisseï, aux confins de ces terres de khanat sauvage (gentiment civilisées par les soldats d'un tire-laine caucasien).

🔵 Aujourd'hui, 25 janvier, on donne *Manru* d'Ignacy Paderewski à Poznań, creuset d'un romantisme intensément lyrique, où un tsigane doit choisir entre l'amour de la liberté et la sédentarité en épousant la femme qu'il aime. Très bel opéra de 1901 (l'année de Rusalka !), très séduisant, où passe tout le XIXe siècle avec beaucoup d'élan, sur un sujet où les époux hors de leurs communautés (discrimination envers les Roms incluse) deviennent des Roméo & Juliette alternatifs. [extrait vidéo]

Ici aussi, représentations très symboliques (et régulières en Pologne) : Paderewski, immense pianiste concertiste des années 1880, fut le chef du gouvernement polonais en exil pendant les deux guerres mondiales (et ministre des affaires étrangères dans la foulée de la première !). Cet opéra était d'ailleurs, jusqu'à une date récente, le seul opéra polonais jamais donné au Met (a-t-on fait le Roi Roger depuis 2012 ?) : clairement un objet de prestige local, mais dont la musique généreuse vaut largement l'écoute.

Le prochain épisode demain sur le fil Twitter correspondant !
(et plus tard, pour un résumé de ce genre, sur CSS)

Beaucoup de ces œuvres, malgré leur confidentialité à l'international, sont disponibles en extraits, voire en intégralité. N'hésitez pas à suivre les liens – ou à demander.

Par ailleurs, les comptes-rendus de concert et nouveautés discographiques continuent d'être alimentés au jour le jour (sous ces formats plus flexibles qui permettent d'écrire pendant mes 4h de train quotidiennes !).

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Oeuvres a suscité :

8 roulades :: sans ricochet :: 452 indiscrets

samedi 18 janvier 2020

Le défi 2020 des nouveautés – épisode 2

Le tableau a été mis à jour toute la semaine. Le voici augmenté également des nouveautés parues en masse hier.

Les codes restent les mêmes :
♦ gras pour ce qui est attirant (prometteur avant / réussi après / intéressant dans l'absolu) ;
♦ souligné pour les disques très attendus (qu'ils aient été réussis ou non) ;
♦ italique pour les parutions dispensables (peu attirantes avant ou décevantes après).
(Et pour les recommandations les plus vives, le même code couleur que pour les concerts : vert pour particulièrement-intéressant, bleu pour très-remarquable, violet pour la douce-hystérie.)

Je précise que, par défaut, les disques où rien n'est noté sont très convaincants : comme précisé dans la dernière notule, très peu de déceptions, et en général assez relatives, sur la quantité phénoménale de disques produits.

Chose que j'avais omis de préciser : il ne s'agit évidemment ni de critiques, ni de jugements d'aucune sorte : juste de premières impressions (après une première écoute), des jalons pour suggérer ce à quoi ressemblent les albums, ce qu'on peut éventuellement écouter en priorité. J'ai conscience de la somme de travail derrière chaque parution, et il va de soi que, n'ayant pas forcément lu les notices et pas encore réécouté ces disques, je suis loin d'appréhender toute leur richesse au premier coup d'oreille. Il ne faut voir ces commentaires que pour ce qu'ils sont : de premières réactions candides, que je partage car tout le monde (moi le premier) n'a pas le temps d'écouter toutes les nouveautés avant de décider sur lesquelles insister. Un travail de tri qui est justement nécessaire en raison de l'avalanche de parutions de très haute qualité…

[Je m'imagine à chaque fois l'effroi de l'artiste de qualité qui tombe sur deux lignes mentionnant « n'apporte rien de neuf », « gentil mais à quoi bon » ou quelque chose du genre. Je me place du point de vue de l'auditeur qui doit absolument hiérarchiser a priori pour décider quoi écouter. Mon idée est plutôt que ce petit parcours permette d'oser des compositeurs inconnus, des interprètes plus discrets, que de dire qui est un véritable artiste ou un faux musicien – Dieu me garde de pareilles intentions ! À la rigueur, je devrais peut-être taire mon avis sur les disques bien diffusés, ou qui m'ont moins plu, mais comme je fais cette recension également pour moi-même, je la partage à titre indicatif, sans induire le moins du monde qu'il ne faut pas écouter ni aimer ce qui m'a moins convaincu.]

Je reproduis ici les nouvelles entrées du tableau :

écouté œuvres

Handel: Almira, HWV 1 Boston Early Music Festival Orchestra (CPO) Baráth, Wilder, Immler…
→ Opéra allemand de Haendel intégrant beaucoup de tournures françaises (récitatifs riches, cadences harmoniques caractéristiques), dans une distribution spécialiste aussi bien de l'italien que de l'allemand et du français de la période !

Goossens: Orchestral Works, Vol. 3 (Symphony 2, Phantasy Concerto) Tasmin Little, Melbourne SO, A. Davis (Chandos)
→ Sombre, assez britannique mais lisible.

Pettersson: Vox Humana & 6 Sånger ; Anna Greelius, Musicæ Vitæ, Daniel Hansson (CPO)
→ Pettersson beaucoup moins sombre et paroxystique dans cette cantate, très doux et uni, belle prosodie. (En revanche les chanteurs de la version BIS diposent d'une saveur vocale et idiomatique sans comparaison !)

Gould, Gulda : Acies Quartett (Gramola)
→ Par un des meilleurs quatuors en activité (son de diamant !), deux quatuors de pianistes-vedettes excentriques. Celui de Gould assez sombre, celui de Gulda davantage tourné vers une plénitude mélancolique quelque part entre Schoeck et Copland.

Franz Joseph CLEMENT : Violin Concertos Nos. 1 & 2. Comtzen, WDR, Goebel (Sony)
→ Délicieux concertos classiques, remarquablement écrits et exécutés, pas du tout interchangeables ni platement galants – en somme une favorable alternative aux Mozart.

PILATI, M. : Preludio, aria e tarantella / 4 canzoni popolari italiane / Divertimento / Bagatelles ; Moscow Symphony, Adriano (Naxos)
→ Cordes bien moches. Jolie musique du XXe néo, plaisante mais pas très marquante à mon gré.

Tullochgorum : Haydn, Scottish Songs, par The Poker Club Band (BIS)
→ Chants écossais de Haydn pour harpe et voix naturelle (avec des bouts de symphonie transcrits pour harpe !). Voix un peu grêle, mais tout à fait charmant et dépaysant, avec de beaux thèmes musicaux (qui préfigurent les essais de Beethoven autour des folklores des Îles Britanniques !).

Cimarosa : Overtures, Vol. 6 ; Czech Chamber Philharmonic Orchestra Pardubice, Patrick Gallois (Naxos)
=> Jolies pièces semblables mises bout à bout, dans exécution très tradi ni très colorée, ni très tendue, ni très palpitante. Même pour les amateurs d'ouvertures, on doit pouvoir trouver mieux ailleurs.

Reger : Organ Works, Vol. 6. Passacaille Op.127, Chorals… (CPO) Gerhard Weinberger (orgues de Mannheim 1911 et Belingries 1913)
=> Jeu clairement étagé dans un répertoire exigeant et assez abstrait (références à Bach, modulations et emprunts propres à Reger assez sophistiqués).

Leclair: Violin Concertos, Vol. 2, Leila Schayegh, La Cetra (Glossa)
=> Les Italiens peuvent donc surpasser les Français en musique ! (dans les petits genres décoratifs)
Pas les sommets du concerto pour violon, La Cetra étrangement peu en relief, et je n'aime pas beaucoup ce type de violon qui semble toujours au bord du grincement. Pas ébloui.

Mayr: Piano Concertos Nos. 1 & 2 - Haydn: Symphony No. 25 in C Major, Hob.I:25 - (Live) Edna Stern, Georgisches Kammerorchester Ingolstadt (Ars)
→ Bonne surprise, concertos dans un goût mozartien (assez lyrique, sans surprise pour ce compositeur de - mauvais - opéras) même si peu de surprises harmoniques comparables. Interprétation sur instruments modernes assez traditionnelle, mais raisonnablement vive.

Nielsen, Ibert & Arnold: Flute Concertos Clara Andrada, Radio de Francfort, Jaime Martín (Ondine)
→ Pièces qui ne sont pas les plus profondes de leurs auteurs, interprétées avec conviction (pas forcément l'orchestre le plus coloré du monde, mais le Nielsen est remarquablement vif et élancé, très belle référence !). J'aime bien, mais l'univers des concertos pour flûte est si loin de moi… Andrada a beau être ma chouchoute du Chamber Orchestra of Europe, ce n'a pas transfiguré les œuvres d'Ibert et Arnold (de compositeurs que j'estime pourtant énormément dans le reste de leur catalogue).

Rota : Piano Vol. 1 : Préludes, Fantaisie, Pièces Difficiles pour enfant – Eleanor Hodgkinson (Grand Piano)
→ D'une tonalité parfaitement stable, qui sent à peine son XXe siècle, des pièces ravissantes, culminant dans une ambitieuse Fantaisie post-chopinienne. Cependant non sans personnalité ni charme très réel. <3 Rota en ses œuvres.

Francesco Bottigliero, Portraits ; Christian Danowicz, Giovanni Punzi (DUX)
→ Musique de chambre contemporaine qui emprunte totalement à une tradition franchement paisible (et y adjoint parfois un peu de klezmer). Clarinette et piano. Pas du tout neuf, mais écrit avec cohérence, très agréable.

C.P.E. Bach: The Solo Keyboard Music, Vol. 39 Miklós Spányi (BIS)
→ Suite de la somme immense de Spányi, avec des pièces pour clavecin d'une très grande qualité (le Concerto en ut, quoique coulé dans le style classique, conserve la densité harmonique du paternel).

Granados, Extraits Libro de horas, Valses intimos, Valses poéticos, Escenas poéticas, Allegro de concierto, Danzas españolas… Myriam Barbaux-Cohen (Ars)
→ Poésie délicate d'une grande sobriété, servie par une interprète aux qualités similaires, un beau son doux qui s'épanouit sans chercher l'éclat ni le contour sophistiqué. Un régal que je me suis immédiatement bissé.

NMB : 3 Songs from Ethiopia Boy (Live), Roderick Williams (NML)
→ Sur des textes évoquant la vie quotidienne. Très accessible et tout à fait sympathique, dans l'anglais miraculeux de R. Williams. (Juste un single)

écouté versions

Beethoven, Late String Quartets, Brodsky SQ (Chandos)
→ très réussi, pas aussi pur et saisissant que les Brodsky habituels

Schumann ccto violon & Brahms double ccto. Weithaas, Hanovre, Manze (CPO)
→ Lectures claires et nerveuses.

Rodion Shchedrin: Carmen Suite – Respighi: Pini di Roma (Live) Symphonieorchester Des Bayerischen Rundfunks, Jansons
→ Une œuvre qui se caractérise par son insolence tourmentée était difficile à se figurer dans les mains de ces paisibles compères-là… Mais grande beauté plastique et de grain, qui apporte une certaine atmosphère et réussit l'ambiance incantatoire !

Beethoven: Symphonies Nos. 5 & 7 Radio de Hanovre, Manze (Pentatone)
→ Ardent et net, avec un véritable orchestre allemand. Miam. La Septième est même assez neuve et ravivée : beaucoup de détachés et de respiration dans les trois derniers mouvements qui s'envolent avec un emportement réjouissant ! Très grandes versions.

Beethoven: String Quintets Op. 29 and 104, Fugue Op. 137, solistes WDR (Alpha)
→ Très belles œuvres à redécouvrir, écrites très différemment des quatuors. (Prise de son étrangement vaporeuse, comme si ancienne.)

Fauré et ses poètes, Mauillon, Le Bozec (HM)
→ Diction miraculeuse par la meilleure technique vocale du marché. Lignes simples qui lui correspondent bien mieux que les contours plus sophistiqués de Poulenc. Accompagné par la souplesse et l'élégance personnifiées.

Saint-Saëns: Piano Concertos Nos. 3, 5 & Rhapsodie d'Auvergne ; Lortie, BBCPO, Gardner (Chandos)
→ Très vif, presque précipité, grande aisance et ampleur générales. Très beau second volume d'intégrale !

Romance (tubes de Mozart, Rusalka…) ; Naforniță, Münchner Rundfunkorchester, Keri-Lynn Wilson (OMF)
→ Rôles de lyrique-léger par une voix plus dense (et un peu empâtée, quoique dynamique). Ce n'est pas un problème pour la caractérisation, mais la diction en souffre à mon gré. (Et déjà beaucoup de sons
émis en arrière et en force.)

Widor: Organ Symphonies 1 & 2, Rübsam (Naxos)
→ À peine survolé. Captation et registration ont l'air chouettes. (Et l'organiste est une valeur sûre.)

Mahler: Symphony No. 8 ; Wall, Meade, Fujimura, Griffey, Werba, Relyea ; Philadelphia, Yannick Nézet-Séguin (DGG)
→ Grande fluidité très naturelle où l'on retrouve les qualités d'évidence de Nézet-Séguin, solistes formidables (Wall, Meade, Griffey), chœur limpide et élancé (Westminster Symphonic), et le tissu chaleureux et lumineux très singulier de Philadelphia. Splendide version d'une symphonie où tous les paramètres sont difficiles à réunir.

Beethoven: Complete Piano Sonatas ; Fazil Say (Warner)
(pour l'instant écouté les 1-2-29-30-31)
→ Outre l'aisance de Say dans les plus redoutables défi techniques, on bénéficie aussi d'une riche palette harmonique, où la résonance remplit réellement les interstices de la musique, tout en restant d'une limpidité exemplaire (à laquelle la prise de son rend justice).
Une grande intégrale moderne (sur un instrument peut-être un peu froid), à comparer aux sobres accomplissements de Kovacevich.

écouté rééditions

Liszt: Portrait historiques hongrois, Jandó (Naxos)

Et à présent, les parutions non (encore) écoutées :

parutions œuvres

Tansman: Complete Works for Solo Guitar, Vol. 2 Andrea De Vitis

Harsányi: Complete Piano Works, Vol. 1 Giorgio Koukl (Grand Piano)

Hundsnes: Clavinatas Nos. 1-7, Piano Sonata No. 1 & Downtoned Beats Laura Mikkola (Grand Piano)

HiKAYE, Isil Bengi (Fuga Libera) ??

Rossini: Zelmira (Live) Joshua Stewart (Naxos)

Losy : Note d’oro Jakob Lindberg (luth, BIS)

Ravi Shankar: Sukanya, LPO, David Murphy

Morel Mouret Corelli Haendel Vivaldi, Concerti a quattro, Ensemble Bradamante

Castérède: Complete Works for Flute, Vol. 2 Cobus Du Toit

Whither Must I Wander, Will Liverman → ?

William Mathias: Choral Music, St John's Voices (Naxos)

Caboclo ; Quinta Essentia

D'Amor mormora il vento ; La Boz Galana

Ninna nanna: Lullabies from Baroque Italy ; Pino de Vittorio

Suoni amorosi ; Duo Gioco di Salterio (DHM)

J.S. Bach & C.P.E. Bach: Works ; Orfeus Barock Stockholm

C.P.E. Bach: Oboe Concertos ; Akademie für Alte Musik Berlin (HM)

Decades: A Century of Song, Vol. 4 (1840-1850) ; Florian Boesch

Stanford: String Quartets, Vol. 3 ; Dante Quartet (Somm)

Compositrices : À l'aube du XXe siècle ; Juliette Hurel (Alpha)

Clairières: Songs by Lili & Nadia Boulanger ; Nicholas Phan, Myra Huang

Memories from Home (Scriabine, Prokofiev, Weinberg, Frid, Kancheli) ; Elisaveta Blumina

Henri Pousseur: Works for Flute ; Roberto Fabbriciani

Pesson, Abrahamsen & Strasnoy: Piano Concertos ; Alexandre Tharaud (Erato)

Glanert : Oceane (Live) ; Chor Der Deutschen Oper Berlin (Oehms)

Franck Bedrossian: Twist, Edges & Epigram ; SWR Symphonieorchester

Bentzon, Scriabin a.o. ; Niels Viggo Bentzon

NMB : 365 (Live), James Robertson (NML)

NMB : Brit-Ish (Live), Spike Orchestra (NML)

NMB : Music for Seven Ice Cream Vans (Live) ; Dan Jones (NML)

Spark Catchers ; Chineke! Orchestra (NML)

Where to Build in Stone (Live) ; Numb Mob (NML)

Young Composers Scheme ; National Youth Choirs of Great Britain (NML)

Tis too late to be wise ; Kitgut Quartet → ?

Novoselye • Housewarming ; ROctet → ?

parutions versions

Neujahrskonzert 2020 Nelsons

Elgar Concerto Sheku Kanneh-Mason

Charpentier: Orphée aux enfers, Vox Luminis, A Nocte Temporis (Alpha)

R. Schumann, C. Schumann & Brahms: Sonatas & Songs Poltéra, Stott (BIS)

Vivaldi: Violin Sonatas & Concerto Isabella Bison

Mozart: Divertimenti & Eine kleine Nachtmusik, Archi di Santa Cecilia

Complices Queyras Tharaud

Buxtehude: Membra Jesu nostri, BuxWV 75 (Live), Ensemble Marc'Antonio Ingegneri di Cremona

Light & Darkness Martina Filjak (Hänssler) → ?

Handel: 12 Concerti grossi, Op. 6 Nos. 7-12 ; Akademie für Alte Musik Berlin (Pentatone)

Handel Arias ; Christophe Dumaux

The Melancholic Bach: Music for Viola da braccio and Harpsichord ; Emilio Moreno

Haydn 2032, Vol. 8: La Roxolana ; Giovanni Antonini

Schubert: 4 Impromptus, Op. 90, D. 899 & Piano Sonata in B-Flat Major, D. 960 ; Alexander Kobrin

A Schubertiade with Arpeggione ; L'Amoroso (Ricercar)

Beethoven: Sonates pour violon et piano ; Olivier Charlier

Beethoven: Variations ; Sélim Mazari

Beethoven: The Complete Piano Sonatas Played on Period Instruments ; Paul Badura-Skoda

Schubert & Liszt: Impromptus, Songs & Consolations ; Viacheslav Apostel-Pankratowsky

Liszt: Dante Symphony, Tasso, Künstlerfestzug & Vor hundert Jahren ; Weimar Staatskapelle, Karabits (Audite)

Bruckner: Symphony No. 1 in C Minor, WAB 101 (1891 Vienna Version) [Live] ; Philharmonie Festiva, Gerd Schaller (Hänssler)

Brahms: Fantasien, Op. 116, Intermezzi, Op. 117 & Klavierstücke, Op. 118 ; Hortense Cartier-Bresson (Aparté)

Granados, Goyescas ; J.Ph. Collard (La Dolce Volta)

Mahler Symphony No. 6 in A Minor "Tragic" ; Essen Philharmonic Orchestra, Netopil (Oehms)

Mahler: Symphony No. 8 (Live) ; Münchner Philharmoniker, Valery Gergiev (Münchner Philharmoniker)

Rachmaninov: Piano Concerto No. 3 Behzod Abduraimov, Concertgebouw (RGO Live)

« Morgen » Elsa Dreisig (Erato)

Chostakovitch: Symphony No. 13 (Live) ; Chicago SO, Riccardo Muti (CSO-sound)

parutions rééditions

Ravel: Miroirs, Sonatine & Valses nobles et sentimentales ; Emile Naoumoff

Mozart Recital : Emile Naoumoff

Bach: Quodlibet, Canons, Songs, Chorales & Keyboard Pieces ; Gustav Leonhardt (Warner)

Chabrier: L'œuvre pour piano ; Pierre Barbizet

… belle semaine de découvertes à vous !

(et à bientôt pour de nouvelles notules un peu plus ambitieuses, dès que mes commandes « officielles » autour de Mlle Wieck et M. Gaubert seront honorées… quelques échos par ici, peut-être)

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Disques et représentations a suscité :

9 roulades :: sans ricochet :: 827 indiscrets

jeudi 9 janvier 2020

Le défi 2020 des nouveautés

2020 débute… Nous sommes le 9 janvier, et j'ai déjà relevé 61 disques ou coffrets à écouter parus cette année 2020 ! Je n'en ai écouté que 9 pour l'instant, ce qui n'est pas si mal, n'ayant pas fréquenté de musique du 1er au 5… mais je suis loin, loin du compte.

Je me propose donc de tenir, cette année encore, un petit répertoire des sorties, accessible par le lien en haut à gauche de CSS – j'ai ajouté un onglet '2020' au tableau. Voici.

Pour plus d'efficacité, je vais tenter cette année d'ajouter les commentaires en temps réel, directement dans le tableau. Nous verrons si cela aide.

http://operacritiques.free.fr/css/images/ben-haim_2020.png

rom Les codes restent les mêmes :
♦ gras pour ce qui est attirant (prometteur avant et réussi après) ;
♦ souligné pour les disques très attendus (qu'ils aient été réussis ou non) ;
♦ italique pour les parutions dispensables (peu attirantes avant ou décevantes après).
(Pour les disques absolument exceptionnels, je mettrai sans doute un peu de couleur comme l'an passé, peut-être plutôt avec le code couleur des concerts : bleu pour très-remarquable, violet pour la douce-hystérie.)

Je précise que, par défaut, les disques où rien n'est noté sont très convaincants : comme précisé dans la dernière notule, très peu de déceptions, et en général assez relatives, sur la quantité phénoménale de disques produits.

http://operacritiques.free.fr/css/images/abert_ekkehard.png

Je reproduis ici les premières parties du tableau :

écouté œuvres

BEETHOVEN, L. van: Fugues and Rarities for String Quartet (Fine Arts Quartet) Naxos
→ petites fugues très intéressantes

BEETHOVEN, L. van: König Stephan / Leonore Prohaska (excerpts) (The Key Ensemble, Chorus Cathedralis Aboensis, Turku Philharmonic, Segerstam) Naxos
→ lecture tradi assez monochrome, un peu molle, mais belles musiques de scène avec récitant (König Stephan intégral)

Ben-Haim, Bloch & Korngold: Works for Cello & Orchestra ; Raphael Wallfisch, The BBC National Orchestra Of Wales, Orchestra, Łukasz Borowicz (CPO)
→ L'éclectisme de Ben-Haim se tourne cette fois dans vers les tournures mélodiques du folklore juif (de même pour le concerto pour trombone de Bloch arrangé pour violoncelle, étourdissant !). Grand sens de l'orchestration, servi par des interprètes et une prise de son démentiels.

écouté versions

Beethoven, Late String Quartets, Brodsky SQ (Chandos)
→ très réussi, pas aussi pur et saisissant que les Brodsky habituels

écouté rééditions

Debussy: Préludes I Arturo Benedetti Michelangeli DGG
→ glacé

Busoni: Turandot & Arlecchino Radio-Symphonie-Orchester Berlin (Capriccio)
→ Œuvres puissamment personnelles, aux couleurs fort peu italiennes, à découvrir !

Abert: Ekkehard (Live) Kelling, Kaufmann, Gerhaher, Reiter ; SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern, Falk (Capriccio) → Très bel opéra du pur romantisme (contrastes, récitatifs très animés, mais globalement dans des tonalités majeures), sorte de Martha ambitieuse ou de Genoveva réussie. Bénéficie d'une prise de son aérée très favorable ! Et avec quelle distribution…

Auber: Le cheval de bronze (Sung in German) Grosses Wiener Runfunkorchester, avec R. Schock et K. Richter (Orfeo)

Zemlinksy: Der Traumgörge, Op. 11 (Live) Josef Protschka (Capriccio)
→ Pas le meilleur Zemlinsky, mais toujours un plaisir.

parutions œuvres

Lines Written During a Sleeplesss Night: The Russian Connection ; Louise Alder

Leclair: Violin Concertos, Vol. 2 Leila Schayegh (Glossa)

Tõnu Kõrvits: Hymns to the Nordic Lights & Other Works Estonian National Symphony Orchestra

Pettersson: Vox Humana & 6 Sanger Anna Greelius
→ Paraît-il du Pettersson pas désespéré !

Goossens: Orchestral Works, Vol. 3 Tasmin Little

Tullochgorum: Haydn – Scottish Songs, par
The Poker Club Band (BIS)

Moniuszko: Cantates Milda & Nijoła Poznan Philharmonic Orchestra

Skalkottas: Piano Concerto No. 3 (Live) Daan Vandewalle

Handel: Almira, HWV 1 Boston Early Music Festival Orchestra (CPO) Baráth, Wilder, Immler…

Michelangelo Rossi: Toccate e correnti Lorenzo Feder

Dussek: Piano Works Marek Toporowski

Detry, Dall'Abaco, Porpora, Vivaldi, Scarlatti : flûte Alma intrepida Céline Pasche

Rhian Samuel Clytemnestra: Orchestral Songs Max Puttmann + Mahler Rückert, Altenberg Berg (BIS)

José Serebrier: Orchestral Works Alexandre Kantorow (BIS)

Kancheli: 33 Miniatures George Vatchnadze

New Nordic Piano Music played by Elisabeth Klein Elisabeth Klein

Tiersen Meets Chopin Leva Dudaite → ?

Mayr: Piano Concertos Nos. 1 & 2 - Haydn: Symphony No. 25 in C Major, Hob.I:25 - (Live) Georgisches Kammerorchester Ingolstadt (Ars)

Alle Menschen werden Brüder Uwaga! (transcriptions)

The High Horse: Best of the Worst, Vol. 1 Stephanie Szanto → ?

Taneyev: Romances & Poems for Voice & Piano Christian Elser (Centaur)

Raff: Benedetto Marcello Joachim Raff (Sterling)

Kreutzer: Violin Concertos Nos. 1, 6 & 7 Laurent Albrecht Breuninger (CPO)

Coke: Cello Sonatas Raphael Wallfischn Callaghan (Lyrita)

Poul Ruders Edition, Vol. 15 Anne-Marie McDermott
→ Je découvre l'existence de cette appétissante série !

Francesco Bottigliero, Portraits Christian Danowicz (DUX)
→ Je fais confiance à DUX !

Miguel Farías: Up & Down Laurent Bruttin (Kairos)

Joly Braga Santos: Complete Chamber Music, Vol. 1 Quarteto Lopes-Graca (Toccata)

Alexander Brincken: Orchestral Music, Vol. 1 The Royal Scottish National Orchestra (Toccata)

Buxtehude by Arrangement Meilin Ai (Toccata)
→ Bux au piano, je suppose

Kalkbrenner: 25 Grandes Etudes de Style et de Perfectionnement, Op. 143 Tyler Hay
→ La grande figure jouée par Chopin et Clara Wieck à leurs débuts… Les Études sont-elles le plus intéressant, probablement pas, mais un document !

Music for My Love, Vol. 3 (œuvres nouvelles pour orchestre à cordes) Ukrainian Festival Orchestra
→ Sans doute très sucré, mais intriguant !

parutions versions

Beethoven: Complete Piano Sonatas, Vol. 1 Konstantin Scherbakov

Saint-Saëns: Piano Concertos Nos. 3, 5 & Other Works Louis Lortie (Chandos)

Beethoven: Piano Trios Nos. 1 & 3 George Malcolm Piano Trio

Schumann & Brahms cctos violon. Weithaas, Hanovre, Manze (CPO)

Reger: Organ Works, Vol. 6 Gerhard Weinberger

Rodion Shchedrin: Carmen Suite – Respighi: Pini di Roma (Live) Symphonieorchester Des Bayerischen Rundfunks
→ Une œuvre qui se caractérise par son insolence tourmentée est difficile à se figurer dans les mains de ces paisibles compères-là… Pas sûr de tenter pour ma part.

Schubert: Piano Sonatas Vol. 6 Vladimir Feltsman
→ Par l'un des grands interprètes actuels du futurisme russe.

Nielsen, Ibert & Arnold: Flute Concertos Clara Andrada (Ondine)

İdil Biret Archive Edition, Vol. 19 Idil Biret

César Franck, Biret Concerto Edition, Vol. 9 Idil Biret

Mendelssohn, Schubert & Chopin: Piano Works Carl Wolf

Dietrich Buxtehude - Works for harpsichord Ulla Kappel

Mozart: Clarinet Works Dirk Altmann

J.S. Bach, Beethoven & Others: Piano Works Arash Rokni

Granados: Piano Works Myriam Barbaux-Cohen

Tosti : Romanza da salotto italiana Stanisław Daniel Kotliński

Ockeghem: Masses, Vol. 2 Beauty Farm

parutions rééditions

Debussy: Images 1 & 2; Children's Corner Arturo Benedetti Michelangeli 1971 DGG

Mozart & Debussy: Works Lily Laskine

Berlin Radio Recordings, Vol.III (Beethoven, Chopin, Debussy, Schumann, Franck, Grieg, Godowsky, Liszt & Dello Joio) Jorge Bolet

… et une belle année de découvertes à vous !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Disques et représentations a suscité :

2 roulades :: sans ricochet :: 390 indiscrets

mercredi 25 décembre 2019

Défi 2019 : Une année de nouveautés discographiques

1) Le défi

On parle sans cesse de la crise du disque – et c'est tout sauf un mensonge, si l'on parle des recettes – ; cependant, du point de vue de l'auditeur, l'offre n'a jamais été, d'année en année, aussi riche, aussi variée – ni, ai-je envie d'ajouter, d'aussi haut niveau. Des pans entiers qui restaient à découvrir sont révélés – quantité de compositeurs dont on ne soupçonnait pas l'existence, même –, et servis dans des interprétations et des prises de son fantastiques.

J'ai ainsi tenté, pour l'année passée, le principe d'écouter les sorties qui se font chaque semaine, le vendredi, de façon en particulier à ne pas laisser passer les raretés des labels spécialistes.

Résultat : 385 nouveautés effectivement écoutées – soit en moyenne plus d'un nouveau disque par jour, en comptant pour 1 les opéras à 3 CDs et les coffrets divers… sur 817 albums relevés pour ma liste d'écoute. Loin de tout avoir éclusé, malgré le sacerdoce de donner la priorité aux nouveautés indépendamment de mes avis de découverte ailleurs (ou de réécoutes d'œuvres déjà aimées). [Conséquence logique : j'ai découvert moins d'opéras diffusés en ligne comme le fait Operavision.eu, par exemple.]

J'ai tenté de tenir un journal des écoutes, avec un peu plus de 120 disques commentés… mais il n'est pas possible d'empiler 1 heure d'écoute + 20 minutes de recherches / rédaction en plus de tenir CSS, d'aller au concert, de mener une vie à peu près normale… Ce serait un travail à temps plein (mécènes bienvenus).

Qu'en tirer ? L'écrasante majorité de disques très réussis, et une confortable part d'extrêmement aboutis et jubilatoires. Et contrairement à ce qu'on pourrait croire, énormément de raretés relatives ou absolues. J'admets que c'est aussi l'effet de mon filtre personnel (il y a eu facilement 3 fois plus de parutions classiques que mon décompte limité à ce qui m'intéresse), les millièmes versions des Sonates de Schubert par des pianistes vieillissants ou à la mode ne figurent pas dans mon relevé… Pour autant, ces disques existent, et l'existence de plates-formes de musique dématérialisée les rend beaucoup plus accessibles que lorsqu'il fallait qu'ils soient sélectionnés par le disquaire. On peut par ailleurs les essayer sans (davantage) bourse délier.

Je vous invite, si circonspects, à essayer les disques dont il va être question sur les sites concernés : Deezer ou Spotify en gratuit, Qobuz ou Naxos Music Library en payant (mais avec accès aux notices)… Bon moyen de mesurer sa motivation avant achat, ou d'élargir le spectre de ses écoutes.

Profitons de l'Âge d'or.

2) Les Putti d'incarnat : Les albums incontournables de 2019

Récompense suprême, attendue par tout ce que la musique compte de plus éminents représentants, le putto d'incarnat est remis par l'ensemble de la rédaction de Carnets sur sol, réunie en collège extraordinaire. Certains (mon oncle et moi) considèrent qu'il est un peu au Diapason d'or ce qu'est une remise de Nobel à un passage chez Ruquier.
Il récompense un accomplissement hors du commun, et garantit l'absence de complaisance envers l'avis général ou le bon goût : c'est la seule récompense au monde qui rende fidèlement compte de ce que j'ai aimé. Et ça, c'est important (pour moi).

Les récipiendaires de ce prix convoité reçoivent l'assurance qu'ils bouleversent la discographie, voire notre connaissance du répertoire, apportent un éclairage nouveau, nous ravissent sous tous les angles possibles.

♣ À part et tout en priorité, les parutions de Das Schloß Dürande (même dans sa version ridiculement censurée) et Tarare marquent notre vision de l'histoire de la musique. Ce ne sont pas les deux parutions de l'année, mais de la décennie, pour ne pas dire de l'histoire du disque. On les espérait depuis des années, sans même en rêver la réalisation de ce niveau. Incontournables.

(Voir descriptions infra.)

Les autres étapes de cette sélection sont aussi des disques immenses.

Musique vocale :

ŒUVRES : PIÈCES DRAMATIQUES

♦ LULLY – Isis – Talens Lyriques, Rousset (Aparté) → Suite de l'intégrale LULLY, que personne ne maîtrise mieux à présent que les Talens Lyriques ; dans les prises de son Aparté, c'est plus encore qu'au concert une explosion de couleurs, un frémissement permanent qui permet de réévaluer considérablement l'intérêt d'une œuvre qui passe (et qui l'est, probablement) pour l'une des plus faibles de son auteur. L'enfilade de tubes irrésistibles aux actes III et IV (« Liberté », « L'Hiver qui nous tourmente », « Tôt tôt tôt »…) fait réviser ce jugement, surtout dans une version aussi éloquemment dite et aussi sonorement avenante.
♦ Gervais – Hypermnestre – Orfeo Orchestra, Vashegyi (Glossa) → Encore un maillon manquant de la tragédie en musique révélé par Vashegyi. Gervais, maître de la musique du Régent, sensible aux apports italiens, est pour la première fois documenté au disque comme compositeur d'opéra. Fresque haletante où l'on admire en particulier la mobilité expressive des récitatifs (et l'élan de la matière musicale). Très agréablement impressionné par Watson et Dolié, que je n'apprécie guère dans ce répertoire d'ordinaire, mais qui fendent remarquablement l'armure et leurs habitudes pour servir leurs personnages terrifiants.
♦ Salieri – Tarare – Talens Lyriques, Rousset (Aparté) → L'unique livret de Beaumarchais, adapté au fil des régimes politiques de l'Ancien Régime à la Restauration, une forme très originale d'opéra fluidement durchkomponiert, au sens du texte assez incroyable, parcouru de rebondissements et de tubes irrésisitbles. Dans une exécution et distribution idéales. (commentaire ici) Série de notules à lire à partir d'ici.
♦ Grétry – Raoul Barbe-Bleue – Orkester Nord, Wåhlberg (Aparté) → J'ai hésité à inclure celui-ci, l'œuvre n'étant pas un jalon de même importance dans le panorama musical, et mon jugement étant peut-être biaisé par mon goût pour le genre, ma participation à la marge du projet. Cependant, est-ce parce que j'ai passé beaucoup de temps à l'étudier, indépendamment de sa place historique assez fascinante, j'y trouve certains moments irrésistibles musicalement – toutes les interventions de Raoul sont d'une rare prégnance. Et la découverte de cette première version discographique a été un choc par la qualité suprême de sa réalisation. (Notule sur l'œuvre et le disque.)
♦ Vaccaj (Vaccai) – Giulietta e Romeo – Scala, Quatrini (Dynamic) → Pas du même niveau que les autres recommandations, mais à l'échelle de l'opéra italien du XIXe siècle, une nouvelle parution (bien chantée, et avec un orchestre en rythme cette fois !) de ce chef-d'œuvre du belcanto est assez considérable. Assez peu donné alors qu'il vaut, à mon sens, les meilleurs Donizetti et Bellini (et surpasse même ses Capulets sur le même sujet !), Vaccaj fait preuve d'un sens dramatique inhabituel dans ce répertoire, avec un véritable rythme dans l'action, sans être avare de génie mélodique. Prise de son très supérieure aux habitudes de Dynamic.
♦ Gade – Elverskud / Erlkönigs Tochter – Concerto Copenhagen, Mortensen (Da Capo)→ Grande cantate dramatique d'après la ballade sur Herr Oluf. Version (allemande par des Danois) à couper le souffle, pleine de tension et de fraîcheur tout à la fois. (Notule sur l'œuvre et la discographie.)
♦ Ölander – Blenda – Radio Suédoise, Bartosch (Sterling) → Un témoignage important du romantisme suédois, de la très belle musique lyrique et riche, très bien servie. Beaucoup d'opéras de ce genre (dont un Solhaug d'après Ibsen !) sont à découvrir chez Sterling.
♦ Schoeck – Das Schloß Dürande – Bern SO, Venzago (Claves) → Parution tellement attendue d'un chef-d'œuvre lyrique du temps, d'une générosité décadente incroyable – même si le livret en a été complètement récrit (!) pour des raisons idéologiques discutables (suspicions vaporeuses de références éventuellement compatibles avec le nazisme). Reste une expérience très forte, pour la musique – par ailleurs le nouveau livret n'est pas mal, indépendamment du caractère débattable de cette récriture du passé. Interprétation d'une générosité folle. (commentaire ici)

ŒUVRES : MUSIQUE VOCALE SACRÉE

♦ Werrecore, Josquin, Gaffurius, Weerbeke – « Music for Milan Cathedral » – Siglo de Oro, Patrick Allies (Delphian) → De belles découvertes, et dans des musiques en principe assez formelles et uniment contrapuntiques, l'impression d'une vie organique qui fascine de bout en bout.
♦ Dowland, Dering, de Monte, P. Philips, Watkins, R. White – « In a Strange Land » – Stile Antico (HM) → Outre le propos stimulant (compositeurs élisabéthains en exil), une exécution qui magnétise par la netteté (frémissante) de ses timbres et de ses phrasés. Un autre album à recommander à tous ceux qui craignent l'ennui dans la musique pré-1600. (commentaire ici)
♦ Pękiel – intégrale – Octava Ensemble (DUX) → Témoignage capital d'une musique sacrée encore marquée par la pensée polyphonique de la Renaissance, mais bénéficiant de toute la rhétorique verbale et musicale baroque, un très grand choc. (commentaire ici)
♦ « The Musical Treasures of Leufsta Bruk » vol.3 (BIS) → Série débutée en 2011 autour de la bibliothèque d'anciens patrons miniers du fer à Lövstabruk, aux XVIIe et XVIIIe siècles. Le volume 3 se consacre à la musique sacrée, vocale ou avec orgue. Pièces de grande qualité et interprétation saisissante de fraîcheur.
♦ Leopold Mozart – Missa Solemnis – De Marchi (Aparté) → Prégnance mélodique, orchestration riche et tournures personnelles, un petit bijou qui sort pour de bon Leopold de son image (entretenue par ce qui était jusqu'ici disponible au disque !) de précepteur et Pygmalion. (commentaire ici)
♦ Stanford – Messe « Via Victrix » – BBC Wales, Partington (Lyrita) → Un Stanford inhabituellement contrasté, doté de belles modulations et atmosphères originales. (commentaire ici)

ŒUVRES : MUSIQUE VOCALE PROFANE

♦ Ph. Lefebvre / Clérambault / Montéclair – extraits de cantates – Zaïcik, Le Consort (Alpha) → Redécouverte d'un compositeur tardif de cantates, interprété avec un feu et une hauteur de vue saisissants. (commentaire ici)
♦ « Dubhlinn Gardens » – A. Besson, A Nocte Temporis, R. Van Mechelen (Alpha) → À la frontière entre les chansons à la mode d'époque et l'air de cour, un disque qui enchante par sa variété et le naturel de ses enchaînements. Un des disques que j'ai le plus écoutés cette année ! (commentaire ici)
♦ Mozart – extraits orchestrés d'inachevés (Lo Sposo deluso) + Salieri, Cimarosa, Martín y Soler… – Pygmalion, Pichon (HM) → Deux musicologues (Dutron et Manac'h) ont orchestré des esquisses de Mozart (dont un opéra très similaire à l'esprit de Così fan tutte et aux tournures de Don Giovanni et La Clemenza di Tito), que le programme mêle avec ses canons vocaux, des airs de concert et des œuvres de contemporains (superbe scène d'ensemble de Salieri, évidemment). L'impression d'entendre pour la première fois de nouveaux Mozart du niveau des grands chefs-d'œuvre…
♦ « Soleils couchants » Fauré, Wolf, N. Boulanger & autres – E. Lefebvre, Bestion de Camboulas (Harmonia Mundi) → Récital sur orgue Cavaillé-Coll de salon riche en invités et transcriptions. Petite merveille pleine de surprises. (commentaire ici)

Musique instrumentale :

ŒUVRES : MUSIQUE CONCERTANTE

♦ Offenbach – Concerto pour violoncelle – Edgar Moreau, Les Forces Majeures, Raphaël Merlin (Erato) → L'équivalent des concertos de Paganini, une grande virtuosité à la veine mélodique jubilatoire. Et assez nourrissant musicalement. Aussi évident que sa musique vocale, mais dans une forme et une continuité qui ne cèdent pas à la facilité. (commentaire ici)
♦ Bruch – Doubles concertos (2 pianos ; clarinette & alto) – ÖRF, Griffiths (Sony)→ D'un intérêt inattendu, ces doubles concertos se révèlent non seulement d'une veine mélodique généreuse mais aussi d'une richesse musicale certaine, très au delà du simple exercice de virtuosité ou essai de dispositifs nouveaux. Griffiths a toujours un côté confortable, mais l'ÖRF plus rêche et les solistes très élancés tirent ce disque vers le meilleur !
♦ Graener – Œuvres orchestrales vol.4 : Concertos (flûte, violon, violoncelle) – Radio de Munich, Schirmer (CPO) → Dans divers styles, tirant plutôt sur le décadent, le postromantique, le moderne ou le néo-, des concertos très aboutis et originaux, davantage musicaux que purement virtuoses. (Il faut absolument écouter les autres volumes, notamment la Symphonie et les Variations sur Prinz Eugen !)

ŒUVRES : MUSIQUE SYMPHONIQUE

♦ Rösler – Symphonie en ut + Concerto pour piano en mi bémol – Hönigová, Orchester Eisenberg, Sycha (Koramant) → Des œuvres d'un premier romantisme postclassique pleines de saveur, de mélodies, de beaux effets… L'Orchester d'Eisenberg, sur instruments anciens, délivre de merveilleux sons capiteux, plein de grain et d'ardeur.
♦ Hallberg, Dente – Symphonies – Malmö SO, Radio Suédoise (Sterling) → Du romantisme du second XIXe qui sonne plutôt comme un maillon intermédiaire entre Beethoven et Mendelssohn… mais regorge de beautés, malgré l'interprétation sur instruments modernes aux contours pas toujours parfaitement fermes (nullement molle cependant !). De très belles symphonies qui ajouteront aux plaisirs de tous ceux qui aiment déjà le romantisme optimiste, conservateur et séduisant qui s'étend de Mendelssohn jusqu'à Sinding.
♦ Volbach – Es waren zwei Königskinder, Symphonie en si mineur – Münster SO, Golo Berg (CPO) → Très belle symphonie d'un postromantisme sophistiqué, mais disque surtout marquant pour son poème symphonique liminaire, des atmosphères extrêmement variées et une progression construites, dans une recherche harmonique et une veine mélodique généreuses. Très belle découverte.
♦ Magnard – Symphonies 3 & 4 – Freiburg PO, Bollon (Naxos) → Coup de tonnerre, qui tire enfin Magnard de l'opacité germanique pour le faire dialoguer avec tout ce qu'il doit au folklore français. De la danse et de la couleur qu'on percevait difficilement dans les versions antérieures, et qui révèlent un corpus passionnant. (commentaire ici)
♦ Liatochynsky (Lyatoshynsky) – Symphonie n°3 – Bournemouth SO, Karabits (Chandos) → Comme la Deuxième de Chtcherbatchov, une symphonie expansive aux dimensions et ambitions mahlériennes, immense flux très impressionnant et généreux, loin des martèlements motoriques de sa musique pour piano, bien plus proche de l'esprit généreux et troublé des décadents germaniques, dans une interprétation très ample et aérée.

ŒUVRES : MUSIQUE DE CHAMBRE

♦ Offenbach – Musique pour violoncelle – Rafaela Gromes, Wen-Sinn Yang, Julian Riem (Sony) → Legs chambriste à deux violoncelles ou avec piano, des merveilles interprétées de façon tout à fait superlative. (commentaire ici)
♦ La Tombelle – Musique de chambre (+ chœurs + musique symphonique) – (Bru Zane) → En complément des délectables mélodies parues en 2017 chez Aparté, un coffret Bru Zane vient préciser la figure de Fernanad de La Tombelle, révélant en particulier de belles qualités de chambriste (quelques très beaux chœurs aussi), dans une veine traditionnelle / académique, mais non sans talent – la Suite pour trois violoncelles ou le Quatuor piano-cordes en témoignent !
♦ Kovařović – Quatuors – Stamitz SQ (Supraphon) → Du romantisme schubertien à la fin du XIXe siècle, mais de très belle facture… comment faire le difficile ? (commentaire ici)
♦ Labor – Quatuor piano-cordes, Quintette piano-cordes – Triendl (Capriccio)→ Un romantisme tardif remarquablement construit, qui s'adjoint en outre des aspects folkloriques tout à fait délicieux. Mériterait d'être aussi régulièrement enregistré que les Taneïev et Suk, à défaut de pouvoir espérer les entendre quelquefois en concert…
♦ Martinů – Sonates violoncelle-piano – Nouzovský, Wyss (Arco Diva) → Des œuvres où se réalisent le potentiel réel de compositeur de Martinů (toujours perceptible, pas systématiquement accompli), dans une interprétation de toute première classe, à la plastique splendide et au propos profond. (commentaire ici)
♦ Baculewski – Quatuors – Tana SQ (DUX) → Épousant au fil des années les styles du XXe siècle avec beaucoup de bonheur, un ensemble qui ravit par sa densité musicale et son caractère accessible, tout en servant de guide, en quelque sorte, à travers l'évolution des goûts et des écoles. Très belle exécution du Quatuor Tana qui joue aussi, en concert, des programmes véritablement originaux.

Interprétations hors du commun :

VERSIONS : MUSIQUE VOCALE PROFANE

♦ Schubert – Die schöne Müllerin – Roderick Williams, Iain Burnside (Chandos) → Le meilleur interprète (de tous les temps) des songs britanniques (Ireland, Butterworth, Finzi, Britten, Vaughan Williams…) est aussi un prince du lied – le quatrième mousquetaire des grands spécialistes actuels, avec Goerne, Gerhaher et Bauer. Cette Belle Meunière, avec son excellent complice habituel, tient même davantage que ses promesses, tant l'expression y est limpide et directe, sise sur un timbre toujours délicatement mordant et délicieux. Une des très très grandes lectures du cycle.

VERSIONS : MUSIQUE CONCERTANTE

♦ Elgar – Concerto pour violoncelle – Gary Hoffman, OPR Liège, Arming (La Dolce Volta) → Disque de novembre 2018, mais tellement exceptionnel que je l'ai inclus dans la sélection de l'année 2019. Le meilleur violoncelliste concertiste actuel y déploie une infinité d'attaques, de textures, de timbres… au sein d'une conception totalement continue et cohérente. Grand. (commentaire ici)

VERSIONS : MUSIQUE SYMPHONIQUE

♦ Beethoven – Symphonies 5 & 6 – WDR, Janowski (PentaTone) → Il est donc possible de graver encore des références pour ces symphonies ! Janowski, arrivé en sa pleine maturité, de commet plus que des miracles. Ici, la quadrature du cercle, un Beethoven qui a la chair de la tradition mais un nerf fou, et surtout une qualité d'articulation… tous les détails d'orchestration chantent et font sens, tenus par une tension ininterrompue – de nature très différente dans la 5 et la 6, évidemment.
♦ Brahms – 4 Symphonies – Zehetmair (Claves) → Un Brahms vif, souple, aux phrasés de cordes très travaillés et justes – on y sent, plus encore que le violoniste, le quartettiste ! (commentaire ici)
♦ Mahler – Symphonie n°4 – London PO, Vladimir Jurowski (LPO Live) → Une lecture d'une verdeur incroyable… cette symphonie chambriste et modérée est parée d'éclats nouveaux, des chalumeaux vous crient dans les oreilles, chaque instant le plus contemplatif est articulé et tendu… des strates de vie se révèlent, jusque dans la grande réussite de son sommet, le Ruhevoll, qui au lieu d'être simplement construit vers son climax, fascine à chaque instant par sa progression et ses détails. À mon sens la plus belle Quatrième jamais publiée, tout simplement.
♦ Sibelius – Symphonie n°1 – Göterborg SO, Rouvali (Alpha) → Traiter les transitions de Sibelius comme si elles étaient les thèmes, Rouvali le fait dans les symphonies de Sibelius… et dans la Première, le résultat est réellement impressionnant et renouvelle totalement la façon d'écouter ces œuvres. (commentaire ici)
♦ Roussel, Dukas – Le Festin de l'Araignée, L'apprenti Sorcier – ONPL, Rophé (BIS) → Grâce à la captation BIS (toujours aussi claire et colorée) et à l'augmentation considérable du niveau de l'Orchestre National des Pays de la Loire avec Pascal Rophé, une grande référence pour le chef-d'œuvre de Roussel, incroyablement détaillé, vivant, et chaleureux, avec un son aussi aéré que la toile qui lui sert de scène, aussi joyeusement bigarré que les habitants qui la traversent !
♦ Holst – The Planets – Bergen PO, Litton (BIS) → Litton, dans sa fructueuse association avec Bergen, livre ici une vision originale des Planètes, et peut-être la plus aboutie de toutes : plutôt que d'y chercher le figuralisme déjà évident, il en exalte la musique pure, la beauté des alliages timbraux, et on y entend passer tout le Debussy qui inspire Venus, toutes les recherches harmoniques ou tous les effets d'orchestration, au service d'un élan mélodique et tout simplement d'une musique, qui, en tant que telle, ravit. Avec les timbres du plus bel orchestre du monde et les meilleurs preneurs de son en exercice, le résultat est d'autant plus gratifiant pour l'auditeur.

VERSIONS : MUSIQUE DE CHAMBRE

♦ Schubert – Quatuor n°14 – Quatuor Novus (Aparté) → Lisibilité absolue de chaque ligne, accents, bonds, un grand coup de frais comme on n'en avait pas vécu depuis les Jerusalem. (commentaire ici)
♦ Schubert – Quatuor n°14, Quintette à cordes – Quartetto di Cremona (Audite) → … et il y avait encore de la place pour une autre grande version, remarquablement construite et tout en clair-obscurs. (commentaire ici)

Rééditions :

RÉÉDITIONS

♦ Guédron, Belli, Castaldi… – airs de cour du XVIIe s. – Poème Harmonique, Dumestre (Alpha) → Réunion de la plupart des grands albums de l'ensemble, à la fois des découvertes et des interprétations suprêmement inspirées (Cœur !).
♦ Bach – Passion selon saint Jean – Radio Bavaroise, Dijkstra (BR Klassik) → Une des plus mobiles et intenses interprétations de l'œuvre – l'Orchestre de la Radio est crédité, mais tout est réalisé de façon extrêmement informée, une version pour petit ensemble et modes de jeu anciens.
♦ Mozart – Don Giovanni – RIAS, Fricsay (DGG) → Une des grandes versions de l'œuvre, avec des solistes aux caractères extraordinairement marquants. Seule petite faiblesse, les ensembles où les timbres sonnent un peu disparates.
♦ Kraus – Anthologie – divers interprètes → Réunion de disques de cette très grande figure de la fin du classicisme. Indispensable si on ne les a pas déjà.
♦ Berlioz – La Damnation de Faust – O. Lamoureux, Markevitch (DGG) → L'interprétation orchestrale de référence où chaque détail instrumental prend immédiablement sens. Et plateau splendide.
♦ Miaskovski – Intégrale des Quatuors – Taneyev SQ (Northern Flowers) → Corpus soviétique majeur qui évolue du postromantisme sobre (les 4 & 5 sont extraordinaires) à l'épure plus abstraites, comme ses Sonates pour piano.
♦ Liebermann – Penelope – Opéra de Vienne, Szell (Orfeo) → Dans la lignée des grands opéras allemands décadents, Liebermann écrit un opéra qui soutient la comparaison avec les réussites de R. Strauss, Schreker ou Schoeck. Là aussi, à découvrir absolument. (Reparaît aussi l'École des femmes qui porte un peu plus, à mon sens, la marque des limites du langage de son temps.)

3) Autres albums magnifiques de 2019

Je ne puis tous les nommer… Voyez les titres en gras dans le tableau (sauf la colonne en vert, où le gras indique mon souhait particulier d'écouter).

Les titres soulignés sont ceux que j'attendais impatiemment – s'ils ne sont pas en gras, c'est qu'ils ne m'ont pas forcément autant impressionné que je le souhaitais, sans démériter par ailleurs. Car ceux qui ne figurent pas en gras sont aussi des disques réussis ! Comme vous le voyez, il y en a beaucoup, rien qu'avec les splendides réussis en gras, c'est déjà plus que je ne puis présenter…

4) Les déceptions

Car sans la liberté de blâmer il n'est point d'éloge flatteur, comme le clame le frontispice d'un journal connu pour sa liberté de disconvenir avec ceux qui ne sont pas d'accord avec lui, un petit mot tout de même de disques qui n'ont pas tenu leurs promesses. Il y en a finalement assez peu.

D'abord de bons disques pas tout à fait à la hauteur de leur programme annoncé :
♠ La morte della Ragione du Giardino Armonico rassemblant de jolies pièces pour flûte (peu passionné par les œuvres, je n'ai pas lu la notice, mais à l'écoute du programme, le concept est peu évident),
♠ les Tchaikovsky Treasures de Guy Braunstein (quelques arrangements joliets de ballet en plus du très rare Concerto pour violon, en plus dans une interprétation qui ne me séduit pas, commentaire ici),
♠ l'Opéra des opéras de Niquet (je sais que ça se vend mieux, mais les programmateurs devraient accepter une fois pour toute que les cantates ou opéras constitués en pot-pourri, sauf à en récrire en profondeur le texte et les récitatifs, ne fonctionnent jamais – commentaire ici). Parcours passionnant au demeurant dans des raretés, mais le résultat n'accroche pas bien – il faut dire que je n'en aime pas trop les chanteurs non plus…

Ensuite des versions qui ne sont pas du tout prioritaires à mon sens : quand ce sont des œuvres rares, on peut quand même tenter (K.-A. Hartmann par l'Airis SQ, Hillborg par le Calder SQ) même si je recommande d'écouter plutôt d'autres versions, mais sinon, pas vraiment d'intérêt de se jeter sur ces nouveautés. Dans cette catégorie, le Trio de Lekeu chez Brilliant (timbres assez acides), le dernier Goerne (assez empâté pour le léger et mordant Liederkreis Op.24, question de correspondance quasiment physiologique), les Vier letzte Lieder de Lise Davidsen (plus épais qu'impressionnant, très global, discutablement chanté) et des interprétations très tranquilles de Gielen (réédition de Mahler 6), Noseda (Tchaïkovski 4 avec le LSO), Ozawa (Beethoven 9 avec son Mito).

Quelques disques qui ont un peu plus agacé aussi :
♠ L'album de tragédie en musique de Katherine Watson. Programme passionnant, mais confier cela à une seule voix, aussi peu tournée vers la déclamation, aussi peu variée en couleurs… assez frustrant. Elle progresse et s'est montrée superbe en Hypemnestre chez Gervais, mais d'autres profils étaient mieux adaptés pour en servir le texte. Pourtant, dans le domaine des voix que je n'aime pas, Van Mechelen propose un récital consacré au répertoire du chanteur historique Dumesny où le programme s'incarne bien davantage, y compris dans l'interprétation ; très convaincant et écouté plusieurs fois avec beaucoup de plaisir, une réelle réussite (alors que la matière vocale me déplaît plus a priori que celle de Watson).
♠ Coïncidence, autre membre de la distribution d'Hypermnestre, Thomas Dolié publie un Schwanengesang. Cuisante déception à l'écoute (après avoir beaucoup aimé, il y a plus de dix ans, ses Wolf en salle), entre la voix pâteuse et l'allemand pas très beau. Là aussi, on sait qu'il peut mieux et ce récital ne le met pas en valeur.
♠ Rinaldo dans sa refonte napolitaire par Leonardo Leo. Peu de changements par rapport à l'original, Fabio Luisi dirige cela d'une façon assez peu informée (ou même seulement intéressante, pour un chef de sa trempe), la captation Dynamic est hideuse, les chanteurs, excellents dans d'autres répertoires, pas très brillants ici. Je ne comprends pas bien pourquoi diffuser un état assez peu différent d'une partition connue capté dans de mauvaises conditions avec des interprètes dans un mauvais soir. (commentaire ici)

Et puis, quelquefois, ce sont les œuvres :
♠ Say, Concerto pour violon. Sa musique respire ici encore la bonne intention, magnifier les ponts entre les cultures, mais le résultat paraît vraiment sommaire.
♠ Terterian, Symphonies 3 & 4 par Bournemouth et Karabits. Beaucoup de copains adorent ça, donc ce doit avoir un intérêt. Mais si je dis honnêtement mon sentiment, j'attends toute la symphonie que la musique commence. Des aplats d'à peu près rien (ainsi les percussions liminaires, qui durent, durent…) qui se prolongent et se succèdent. Je voulais l'essayer dans les bonnes conditions de son et d'interprétation, considérant la réussite de leur Liatochinsky n°3 (Lyatoshynsky) paru plus tôt cette année, l'interprétation n'a pas causé de révélation, tant pis.

Tout cela non pour le plaisir de médire, mais pour montrer (que j'aie raison ou tort dans mes dédains) :
    1) que je n'entends pas tout placer sur le même plan (reproche parfois lu) ;
    2) qu'il y a finalement très peu de disques décevants dans cette fournée 2019 (j'ai cité presque tous ceux qui l'ont été !) ;
    3) qu'aucun n'est scandaleusement mauvais. Pas convaincant tout au plus – même le Rinaldo tout moche de Naples n'est pas un naufrage.

Il se bal(l)ade sans doute des disques absolument sans intérêt dans les trop-ièmes gravures de Chopin chez les Majors par des pianistes essentiellement distingués pour leur coiffure, ou décidément trop mal captés par des labels à compte d'auteur, mais je n'arrive pas à citer un disque, dans les 385 écoutés parmi les 857 relevés pour moi-même, qui serait profondément mauvais. Quelques-uns n'atteignent pas leurs objectifs, mais tout cela s'écoute fort bien (sauf Terterian, certes, mais pour d'autres raisons).

… Voilà de quoi vous occuper, déjà, pour une partie de 2020 ! Je ne suis pas sûr de reconduire l'expérience l'an prochain : le principe a l'avantage d'obliger à écouter hors de sa zone de confort et à faire de splendides découvertes lorsque les parutions ralentissent, mais il faut aussi renoncer à réécouter les genres ou œuvres qu'on aime, au gré de ce qui est publié, et ne pas trop s'attarder sur les disques merveilleux qu'on vient de découvrir. À reprendre en assouplissant sans doute (200 plutôt que 400 disques à écouter, par exemple) ; peut-être en se dispensant des versions nouvelles – mais elles réclament moins d'attention que les œuvres nouvelles, il faut être honnête, et nourrissent les papotages entre mélomanes…

N'hésitez pas à partager vos propres coups de cœur ou vos divergences !

(Ne m'en veuillez pas si je ne puis publier ni répondre à vos commentaires dans les prochains jours, je serai jusqu'au 6 janvier en chasse d'églises interlopes dans un lieu lointain où ma disponibilité sur le réseau sera incertaine. Tout sera évidemment mis en ligne au bout du compte, et recevra réponse. Belle année nouvelle à vous !)

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Disques et représentations a suscité :

9 roulades :: sans ricochet :: 590 indiscrets

dimanche 15 décembre 2019

Agenda de CSS 2020

L'agenda de CSS pour les concerts franciliens a été mis à jour jusqu'à mi-juillet 2020 ! Il manque bien sûr les petits concerts les plus intéressants à dénicher, de l'atelier de Reinhardt van Nagel aux petits ensembles baroques dans les églises, aux concerts intimes des meilleurs chambristes du moment, aux orchestres et chœurs amateurs avec programmes originaux, en passant par les programmes précis des manifestations gratuites du CRR et du CNSM… mais pour une grande structure de la saison dans les salles principales (et quelques jolis à-côtés : Ariane & Bacchus de Marais au CRR, Prologue de Scanderberg de Francœur & Rebel, Holmès par L'Oiseleur, nordiques a cappella par Calligrammes…), vous avez déjà de quoi vous occuper.

Toujours le même code couleur :

¶ violet : indispensable (signifie en général que l'œuvre est rare et l'interprétation prometteuse) ;
¶ bleu : très signalé (œuvre et/ou interprétation) ;
¶ vert : appétissant ;
¶ rouge : j'ai une place pas chère à vendre (donc en principe ce n'est pas mal).

[Vous pouvez accéder à cet agenda (et aux commentaires des spectacles vus) depuis n'importe quelle page du site par les liens situés tout en haut à gauche. Bonnes découvertes 2020 à vous !]

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 254 indiscrets

jeudi 12 décembre 2019

« C'est bien joli, mais comment faites-vous pour ne pas vider les salles ? »

Devant les nombreuses réactions – plutôt favorables, en bonne logique, chez mes lecteurs réguliers qui connaissent ou partagent mes marottes – à la précédente notule autour de la dichotomie dialectique rareté / qualité, un petit prolongement : quelles actions ?

Mesdames & Messieurs,
Votre nouvelle liedersängerin.

1. Données de départ

Car s'il est bien une constante dans le remplissage des salles, même avec la taille critique du public francilien et dans des salles qui bénéficient d'un bel engouement (comme pour la Philharmonie, qui joue encore, alors que l'effet de nouveauté commence à passer, très souvent à guichet fermé) : la salle se remplit soit si l'on programme des tubes (grand public comme Beethoven 5, plus « mélomane » comme Le Sacre du Printemps), soit s'il y a des stars (un concerto avec Martha Argerich, des lieder orchestraux avec Kaufmann ou Goerne).
D'où il découle que, lorsque les programmes sont plus originaux, les sièges se louent moins. Une œuvre plus rare signifie davantage de travail pour les musiciens, plus d'énergie pour le chef (les instrumentistes ne sont pas toujours faciles à convaincre… souvent la suspicion flotte chez une partie d'entre eux), moins de recettes pour la salle, moins de couverture médiatique aussi – Barenboim ou Haitink peuvent venir roupiller pendant un Bruckner de leur choix, tous les journaux et webzines en parleront. Un sacerdoce, un cercle vicieux même.

Or, les gens célèbres qui pourraient imposer des œuvres au répertoire semblent plutôt fascinés, dès qu'ils accèdent au faîte, par la perspective d'apposer leur nom auprès de leurs prédécesseurs, comme interprètes des morceaux les plus en vogue. Faire un Manrico de second choix ou un Siegfried de pis-aller semble plus important que d'être celui qui a remis au théâtre telle œuvre considérable, où ils deviendraient mécaniquement une référence historique. Sans doute parce que la célébrité de l'œuvre implique l'adresse à un plus vaste public – le grand public est plus enthousiaste et plus généreux avec les vedettes que les geeks clairsemés qui vont entendre les raretés. Et puis, il faut bien l'admettre, en tant qu'interprète le ressenti est différent : posséder à fond une œuvre, avoir l'impression d'être habité, de bien connaître son chemin, d'avoir quelque chose à dire, est à la fois plus confortable et plus valorisant que de monter à toute vitesse une pièce difficile qu'on n'aura pas l'occasion de rejouer, et qu'on présentera au public sans en posséder mentalement tous les arcanes. (Avouerai-je que, dans les schubertiades avec les amis, nous aimons découvrir, mais jouons aussi beaucoup de pièces que nous connaissons déjà bien et qui ne sont pas rares, ou en tout cas que nous écoutons souvent pour nous-mêmes ? Le plaisir de découvrir en tant qu'auditeur est très différent du stress de tâtonner comme interprète !) On peut comprendre que les vedettes, à qui l'on ne passe rien, et que l'on brûlera sitôt fatigués, en particulier pour les chanteurs qui connaissent un déclin physique plus précoce et inéluctable que les autres, fassent le choix confortable de reproposer ce qu'elles maîtrisent au plus haut niveau, plutôt que de s'exposer sans cesse, en plus de la pression de l'excellence, à trébucher sur des œuvres moins bien connues.

Il n'empêche que, lorsqu'on veut me présenter comme « meilleur pianiste du monde » un type qui ne joue que les dix mêmes Chopin ou Bach toute l'année, je ne peux m'interdire de penser aux véritables héros qui, tout en jouant quasiment aussi bien (et en de nombreuses instances mieux), proposent des découvertes à tour de bras – Oliver Triendl en est l'exemple le plus spectaculaire, il semble qu'il n'est pas un concerto décadent ou un disque de musique de chambre germanique postromantique où il n'ait laissé sa trace – et à quel degré de finition et d'inspiration ! Des niveaux de difficulté incommensurables pour des œuvres qu'il n'aura pas l'occasion de roder en concert, et qui auront peu d'auditeurs ; mais qu'il accumule, pourtant. Un saint.
Peut-on attendre ce degré de vertu chez tous les simples humains, fussent-ils interprètes de génie ?

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Tiré de la liste ci-après :
Florent Alpaerts, Zomer-Idyll
Radio Flamande, Michel Tabachnik (Etcetera)

2. L'offre discographique

En réalité, le cas du disque est à part : en l'état, même s'il manque évidemment beaucoup de répertoire à enregistrer, nous disposons déjà de quoi nourrir plusieurs vies, rien qu'avec ce qui a déjà été publié. Avec la vente par correspondance et à présent l'écoute en flux dématérialisé, on n'est même plus limité par les choix du distributeur et du revendeur.

Exemple simple et factuel. Je ne crois pas être un paresseux du disque à n'écouter que les Sonates de Beethoven et les Symphonies de Brahms, mais en prenant un rapide index des compositeurs publiés en CD (limitons-nous à la lettre A, c'est pareil pour les autres), je me rends à chaque fois compte combien je ne connais qu'une infime partie non pas même de ce qui a été écrit, mais rien que de ce qui a été travaillé et enregistré par des musiciens sur des labels pas trop obscurs !

Voici cette liste des A, je vous laisse frémir. Je grasse ceux dont j'ai déjà entendu la musique, souligne ceux dont j'ai déjà entendu parler (attention, ça fait mal à l'amour-propre !).

(Pardon pour les blagues qui se sont glissées dans la liste.)

Kejian A, Michel van der Aa, Tore W Aaa, Thorvald Aagaard, Torstein Aagaard-Nilsen, Truid Aagesen, Froy Aagre, Van Aaken, Heikki Aaltoila, Valter Emil Aamodt, Kirk Aamot, Svend Aaquist, Jack Aaron, Irving Aaronson, Tore Aas, Kari Aava, Eduardo Flores Abad, Marwan Abado, Temple Abady, Reza Abaee, Peter Abaelard, Mindi Beth Abair, Adolfo Abalos, Abanyuramatwi, Shelagh Abate, Vladimir Abaz, Arkady Abaza, Erast Ageevitch Abaza, Marcello Abbado, Rez Abbasi, Luigi Abbate, Antonio Maria Abbatini, Jörg Abbing, Isidoro Abbondio, Alan Abbott, Clifford Abbott, Katy Abbott, Kamildine Abdallah, Riad Abdel-Gawad, Jean-Sélim Abdelmoula, Said Hachim Sidi Abderemane, Zheldibayev Abdimomyn, Isao Abe, Keiko Abe, Komei Abe, Yuichi Abe, Arsalan Abedian, Carl Friedrich Abel, Clamor Heinrich Abel, David Abel, Helmut Abel, Mark Abel, Otto Abel, Yorick-Alexander Abel, Georgina Abela, Paul Abela, Peter Abelard, Nicanor Abelardo, David Abell, Jack Abell, John Abell, Michael Abels, Rolf Aberer, Ingemar Aberg, Lars Aberg, Sven Aberg, Tomas Aberg, Juan Aberle, Willy Abers, Johann Joseph Abert, Omar Abidi, Brett Abigana, Abingdon 4th Earl of Abing, Amoret Abis, Peter Ablinger, Miguel Abloniz, Michael D'Abo, Juris Abols, Lucia Abonizio, Lora Aborn, Girolamo Abos, Rabih Abou-Khalil, Isabelle Aboulker, Johann Abraham, Paul Abraham, Edvard Abrahamian, Maurice Abrahams, Hans Abrahamsen, Irving Abrahamson, John Abram, Edouard Abramian, Michael Abramovich, Harriett Abrams, Teddy Abrams, Raul Abramson, Emil Abranyi, Juan Manuel Abras, Antonio Abreu, Paz Abreu, Zequinha de Abreu, Patrick Abrial, Ayyoab Tarish Absi, Joseph Absi, Jean Absil, Franz Wilhelm Abt, Walter Abt, Acampora, Jad Abumrad, Jean-Baptiste Accolay, Pietro Accordi, Manos Achalinotopoulos, David Achenberg, Kad Achouri, Isidor Achron, Joseph Achron, Dieter Acker, Bob Ackerman, Martin F. Ackerman, Robert Ackerman, Ackermann, Hippolyte Ackermans, Andy Ackers, Alfred H. Ackley, Bentley D. Ackley, Arthur Henry Dyke Acland, Hector Acosta, Jorge Acosta, Rodolfo Acosta, Jean-Claude Acquaviva, Marcellu Acquaviva, Nando Acquaviva, Nick Acquaviva, Lee Actor, Motohiko Adachi, Ella Adaiewsky, Tom Adair, Marcial del Adalid, Adam de Givenchi, Adam de la Halle, Adam de Saint Victor, Adam de Wagrowiec, Adam von Fulda, Adam Wagrowicensis, Adam X, Ad Adam, Adolphe Adam, Carl Ferdinand Adam, Johann Adam, Kathy Adam, Line Adam, Mark Adam, Stephan Adam, Bernardo Adam-Ferrero, Eleonora Adamian, Emil Adamic, Anna Adamis, Michael Adamis, Mark Adamo, Salvatore Adamo (que fait-il dans cet index ?), Tymoteusz Adamowski, Thomas Adams II, Alton Augustus Adams Sr., Ben Adams, Brant Adams, Bryan Adams, Byron Adams, Chris Adams, Christopher Adams, Daniel Adams, Derek Adams, Emmett Adams, Frank Adams, H. Leslie Adams, John Adams, John Luther Adams, Justin Alexander Adams, L. Adams, Lydia Adams, Richard Adams, Ryan Adams, Samuel Adams, Sarah Adams, Sarah Adams, Stanley Adams, Stephen Adams, Stephen Adams (un autre !), Thomas Adams, Tim Adams, William Adams, Yolanda Adams, Harold Adamson, Howard Adamson, Stuart Adamson, Gurgen Adamyan, Judah E. Adashi, Murray Adaskin, Hannah Addario-Berry, Cedric Adderley, Mark Adderley, Nat Adderley, Richard Addinsell, John Addison, Giancarlo Castro d'Addona, Alexander Addy, Mickey Addy, Obo Addy, Adele (oh), Olugbenga Adelekan, Dale Adelmann, Leonard Adelson, Hawley Ades, Adriano Adewale, Vasif Adigezalov, Adele Laurie Blue Adkins, Donna Adkins, Monty Adkins, Basil George Adlam, Christopher Adler, Ernest Adler, Hans Adler, Hugo Adler, James Adler, Jeff Adler, Larry Adler, Richard Adler, Samuel Adler, Yefim Adler, Anton Cajetan Adlgasser, Adam Adolphe (vraiment ?), Bruce Adolphe, Julia Adolphe, Pierre Adolphe, Olle Adolphson, Theodor W. Adorno, Emanuel Adriaenssen, Lisandro Adrover, John Adson, Sade Adu, Bhumibol Adulyadej, Ondrej Adámek, Thomas Adès, Thomas Aeschbacher, Walther Aeschbacher, Rene Djam Afame, Walter Afanasieff, Trama Afona, Yshai Afterman, Kilian Afzalirad, Viggo Afzelius, Alemu Aga, Ebu Bekir Aga, Nefiri Behram Aga, Sakir Aga, Zeki Mehmed Aga, Sergei Agababov, Vladislav Germanovich Agafonnikov, Christina Agamanolis, Vasiliy Agapkin, Denes Agay, Agostino Agazzari, Amy Agbary, Goran Agdur, Andrew Ager, Klaus Ager, Milton Ager, Axel Agerby, Siamak Aghaei, Malin Aghed, Salar Aghili, Komitas Aghtsetsi, Francois d'Agincour, Chrysostom Agiographos, Ray Agius, Joakim Agnas, Max Agnas, Sabina Agnas, Tomas Agnas, Henri Agnel, Giovanni-Battista Agneletti, Lorenzo Agnelli, Udo Agnesens, Maria Teresa Agnesi, Carl-Bertil Agnestig, Elaine Agnew, Roy Agnew, Jean-Louis Agobet, Kati Agocs, Vladimir Agopov, Andrea Agostini, François Agostini, Lodovico Agostini, Pietro Simone Agostini, Georgij Agratina, Jeffrey Agrell, Johan Joachim Agrell, Sigurd Agren, Alexander Agricola, Johann Agricola, Johann Friedrich Agricola, Martin Agricola, Martijn Van Agt, Dionisio Aguado, Graciela Agudelo, Victor Agudelo, Sara Agueda, Anthony Aguiar, Ernani Aguiar, Antonio Aguilar, Florante Aguilar, Freddie Aguilar, José María Aguilar, Pilar Aguilar, Sante Aguilar, Remi Aguilella, Sebastian Aguilera de Heredia, Avelino de Aguirre, Carlos Aguirre, Francisco de Paula Aguirre, José Luis Aguirre, Julian Aguirre, Louis Aguirre, Zorn Gottes Aguirre, Coriún Aharonián, Eden Ahbez, Sverker Ahde, David Ahlberg, Gunnar Ahlberg, Herman Ahlberg, Johann Georg Ahle, Johann Rudolf Ahle, Fred Ahlert, Bengt Ahlfors, Ernfrid Ahlin, L. Ahlin, Lotta Ahlin, Sven Ahlin, David Ahlqvist, Johan Alfred Ahlstrom, Olof Ahlstrom, Osman Ahmad, Mirwais Ahmadzai, Harri Ahmas, Byung Won Ahn, Eak Tai Ahn, Eak Tay Ahn, Jin-Ah Ahn, Oscar Ahnfeldt, Oscar Ahnfelt, Kalevi Aho, Peter von Ahrberg, Hans Georg Ahrens, Joseph Ahrens, Sonninen Ahti, Sanna Ahvenjarvi, Rebecka Sofia Ahvenniemi, Johann Caspar Aiblinger, Arnt von Aich, Clément Aichelbaum, Gregor Aichinger, Oskar Aichinger, Anselmo Aieta, Anselmo Alfredo Aieta, James Aikman, Hans Ailbout, Leib Ailenberg, Arthur Campbell Ainger, Mark Ainger, Henry Ainsworth, Tauno Aints, Skeed Airy, Jim Aitchison, George Aitken, Hugh Aitken, Paul Aitken, Robert Aitken, T. Aivaz, Elie Aiwaz, Hiromasa Aizawa, Pedro Aizpurua Zalacain, David Ajzenstadt, Ryoko Akama, Michiko Akao, John Joseph Akar, Pierre Akendengue, Erik Akerberg, Nina Akerblom Nielsen, Samuel Akeroyde, Hans Martin Akerwall, Douglas Akey, Samuel Akeyrode, Ramin Akhavijou, Komitas Akhtsetsi, Sergey Akhunov, Hirohisa Akigishi, Andy Akiho, Fedir Stepanovych Akimenko, Segun Akinola, Rafael Akinyemi, Daniel Akiva, Jan Akkerman, Samuel Akpabot, Necil Kazim Akses, Semion Aksionov, Harry Akst, Sezen Aksu, Pavel Akulenko, Yasushi Akutagawa, Ahmad Al Khatib, Imam al-Būsīrī, Abdul Rahman Al-Khateeb, Salim Al-Masry, Muhammad Al-Qasabgi, Mohamed Al-Qasabji, Suleiman Al-Qoudsi, Ibrahim Nasir Al-Soula, Riad Al-Sumbati, Abdul-Qadar Al-Taneer, Solhi Al-Wadi, Karim Al-Zand, Sergio Ala, Kari Ala-Pollanen, Aleksandr Alabjew, Juhasz Aladar, Mikalay Il'ich Aladaw, David Alagna, Frederico Alagna, Roberto Alagna (?), Albert Alain, Jehan Alain, Olivier Alain, Timo Alakotila, Domenico Alaleona, Antonio Alamanni, Pierre Alamire, Johannes Alanus, Delphin Alard, Frederic Alarie (jazz…), Jules Alary, Jose Lopez Alavez, Jean Alazard, Alba Antonio, Federico Albanese, Guido Albanese, Regina Albanez, Enrique Albano, F. Albano, Vincenzo Albano, Marcia Albareda, Nicanor Albarellos, Calatambo Albarracin, Ruben Albarran, Isaac Albéniz, Mateo Albeniz, Pedro Albeniz, Père Alberch, Juan Bautista Alberdi, Peter Alberg, Eleanor Alberga, Pirro Albergati, Albericus, Sebastian de Albero, Andrea Chamizo Alberro, Chava Alberstein, Prince Consort Albert, Adrienne Albert, Benoit Albert, Eugen d'Albert, Heinrich Albert, Heinrich Albert, Ludwig Albert, Morris Albert, Stephen Albert, Thomas Albert, Finn Alberth, Domenico Alberti, Ferruccio Carlo Alberti, Fredi Alberti, Giuseppe Matteo Alberti, Innocentio Alberti, Johann Friedrich Alberti, Luis Alberti, Alphons Albertin, Ignazio Albertini, Thomas Anton Albertini, Julio Alberto, Luis Alberto, Per Albertsen, Albertus, Joannes Albertus, Henricus Albicastro, Helge Albin, Filippo Albini, Giovanni Albini, Tomaso Giovanni Albinoni, Candido Albistur Iturria, Francesco degli Albizzi, Francesco Alborea, Felix Alborov, Charles Albrecht, Hansjörg Albrecht, Sally K. Albrecht, Timothy Albrecht, Anton Albrechtsberger, Johann Georg Albrechtsberger, Vincenzo Albrici, William Albright, Anne Albritton, Jason Alburey, Mark Alburger, Nilo Alcala, Luna Alcalay, Andres Alcalde, Macedonio Alcalá, Albert Alcaraz, Jose Bernardo Alcedo, Daniel Alcheh, John Alcock, Stanley Alcock, Walter Galpin Alcock, Michael Alcorn, Richard Alcoy, Suzie Aldabbagh, Richard Aldag, Mario Kuri Aldana, Gil Aldema, Arnold Alder, Ernest Alder, Erwin Alder, Noldi Alder, Igmar Alderete Acosta, Eliza S. Alderson, Adas Aldo, Pedro Juan Aldomar, Henry Aldrich, Pat Aldrich, Robert Livingston Aldridge, Giuseppe Vincenzo Antonio Aldrovandini, Van Aleda, Andy Aledort, Jose Luis Gomez Aleixandre, Manuel Alejandro, Age Aleksadersen, Alexander Aleksandrovich, Alekszandrov, A. V. Alekszandrov, Gurgen Alemshah, Kourken Alemshah, Alenyev, Raffaella Aleotti, Vittoria Aleotti, Yuri Aleskerov, Alfred Alessandrescu, Felice Alessandri, Giuseppe Alessandrini, Rinaldo Alessandrini, Raffaele d'Alessandro, Greg D'Alessio, Wilhelm Aletter, Alexander, Cecil Frances Alexander, Edna Alexander, Elizabeth Alexander, Geoff Alexander, Geoffrey Alexander, Haim Alexander, James "Woodie" Alexander, Jeff Alexander, Joe L. Alexander, John Alexander, Josef Alexander, Meister Alexander, Nick Alexander, Phil Alexander, Rick Alexander, Roe Alexander, Russell Alexander, Sascha Alexander, Seth Alexander, Van Alexander, Ingeborg Alexandersen, Bjørn Veierskov Alexandersson, Erika Alexandersson, Alexander Alexandrov, Alexander Vasil'yevich Alexandrov, Anatoli Nikolayevich Alexandrov, Boris Alexandrov, Nikolai I. Alexandrov, Diran Alexanian, Minas Alexiadis, Carl Alexius, John Aleyn, Johnny Alf, Franco Alfano, Vasily Serge Alferiev, Hilarion Alfeyev, Rino Alfieri, Alfonso X (El Sabio), Javier Alfonso, Jose Alfonso, Sebastian Alfonso, Matti Alfonzetti, Esteban Alfonzo, Harry L. Alford, Jonathan Alford, Kenneth J. Alford, J. Alfred, Hans Alfredsson, Martin Alfsen, Hugo Alfvén, Luna Algalay, Leon Algazi, Augusto Alguero, Louai Alhenawi, Franghiz Ali-Zadeh, Szl. Alimov, Cyril Alington, Alinkar Kyaw Swar U Han Pa, Francisco Alio y Brea, Bonaventura Aliotti, Roman Alis, Jeronimo Aliseda, Richard Alison, Charles-Valentin Alkan, Henk Alkema, Thierry Alla, Geza Allaga, Richard Allain, Ulderic Allaire, Kathleen Allan, Lewis Allan, Douglas Allanbrook, Maurice Allard, Alejandro Nunez Allauca, Ben Allaway, Per-Gunnar Alldahl, Richard Alldridge, Gregorio Allegri, Lorenzo Allegri, John Allemeier, Barkley Allen, Christopher Allen, Eugene W. Allen, Euphemia Allen, Fletcher Allen, Fred J. Allen, Geoffrey Allen, George Allen, George Frederick Ferdinand Allen, Harry Allen, Kurt Allen, Lester Allen, Lily Allen, Peter Allen, R. Allen, Robert Allen, Shorty Allen, Simon Allen, Steve Allen, Ted Allen, Terry Allen, Thomas Allen (?), Thomas S. Allen, Thornton Allen, Ward Allen, Pedro Humberto Allende, Johann Ludwig Conrad Allendorf, Frederic Allerat, Hans-Gunther Allers, Giovanni Allevi, Claude Loyola Allgen, Gabriel Allier, Pierre Allier, Audrey Allison, Jerry Allison, Joe Allison, Marc Allison, Richard Allison, Frances Allitsen, Pietro Allori, David Allred, Nancy Boone Allsbrook, Martin Sanchez Allu, Donald Allured, Ralph Allwood, Jan Alm, Maiotte Almaby, José Luis Almada, Lincoln Almada, Niño de Almaden, Samuel Alman, Carlos Eleta Almaran, Francesco Almasio, Antonio Victorino d'Almeida, Francisco Antonio de Almeida, Herminio de Almeida, Laurindo Almeida, Manuel Botelho de Almeida, Oriano de Almeida, Carl Almenraeder, Atso Almila, Juan Alvarez de Almorox, Carl Jonas Love Almqvist, Hakan Almqvist, Knut O. W. Almroth, Ruth Sofia Almén, Eyvind Alnaes, Frode Alnaes, Oreste d'Alo, Aaron Alon, Shay Alon, Aminadav Aloni, Bezalel Aloni, Alonso Netta Aloni, Carmelo Alonso Bernaola, Francisco Alonso, Germán Alonso, Miguel Alonso, Miguel Manzano Alonso, Tite Curet Alonso, Eduardo Alonso-Crespo, Eduardo Alonso-Crespo, Florent Alpaerts, Mikhail Alperin, Raphael Alpermann, Michael Alpert, David Alpher, Fahmi Alqhai, Rami Alqhai, Carlos Roque Alsina, Jeremy Alsop, Birgitte Alsted, Lettie Beckon Alston, Alex Alstone, Egbert van Alstyne, Bernhard Alt, Maarten Altena, Johann Ernst Altenburg, Michael Altenburg, Aaron Alter, Israel Alter, Louis Alter, Bjorn Alterhaug, Donald Altfeld, Ragnar Althen, Tim Althoff, Willi Althoff, Jay Althouse, Monroe A. Althouse, Paolo Altieri, Joan Ceardi Altisent, Arthur Altman, John Altman, Laurie Altman, Ludwig Altman, W.L. Altman, Wilhelm Altmann, Johann Christoph Altnickol, Tatoul Altounian, Rafael Altro, Modest Altschuler, Fernando Altube, Levent Altuntas, Ruben Altunyan, Joseph Henri Altès, Felipe Pinglo Alva, Boris Alvarado, Diego de Alvarado, Alvarez Jose Alvarado, Adalberto Alvarez, Antonio Alvarez, Eblis Alvarez, Lucia Alvarez, Pedro Alvarez, Roberto D. Alvarez, Alvaz, Maria de Alvear, Battista Giovanni Alveri, Bill Alves, Jose Alves, Wellington E. Alves, E. Alvin, J.K. Alwood, Josiah Kelly Alwood, Richard Alwood, Kenneth Alwyn, William Alwyn, Alexander Alexandrovich Alyabiev, Maria Alyokhina, Andrés Alén, Magnar Am, Laszlo Amade, Amadeo Amadei, Filippo Amadei, Pietro Amadei, Gaetano Amadeo, Giuseppe Amadori, Luis Cesar Amadori, Nikolai Amani, Michael Amann, Thomas Amann, Vincent-Aloïse Amann, Masamichi Amano, Armand Amar, Talia Amar, Yosef Amar, Wannakuwattawaduge Don Amaradeva, Miguel Amaral, N. Amaral, Joan Albert Amargós, Moni Amarilio, Patrick Amaru, K Amas, Silvio Amato, Efrain Amaya, Francisco Amaya, Luis Fernando Amaya, Oren Ambarchi, Charles Amberg, Johan Amberg, Charles d'Ambleville, Giovanni Ambrioso, Giovanni Ambrogio, Noberto Ambros, Paul Ambrose, R.S. Ambrose, Robert Steele Ambrose, Otantino Ambrosi, Claudio Ambrosini, Pietro Ambrosioni, Aurelianus Ambrosius, Ambrosius von Mailand, Hermann Ambrosius, Bjarne Amdahl, Magne Amdahl, Elly Ameling (?), Olga Amelkina-Vera, André Ameller, Alejandro Amenábar, Federico Amendola, Gaetano Amendola, Alessandro Amenduni, Antonio Amenduni, Bernhard Amenreich, Bonifacius Amerbach, Luiz Americano, Jefferey L. Ames, Morgan Ames, Kim André Amesen, Franck Amet, Daniele Amfitheatrof, Vicente Amigo, Shohei Amimori, Sahba Aminikia, Joseph Amiot, Emanuel Amiran, Charles Amirkhanian, Robert Amirkhanian, Fikret Amirov, Kenneth Amis, Martin Amlin, Guy Ammandt, Dieter Ammann, Elias Nikolaus Ammerbach, Fabrizio Ammetto, Jacques Ammon, Gene Ammons, John Amner, Cataldo Amodei, Salvador Amodei, Johannes Andreas Amon, Antonio Amone, Laythan Amor, Mari Amor, Ayrton Amorim, Francesco Amoroso, Keith Amos, Tori Amos, Pascal Amoyel, Quirin Amper Jr., Emilia Amper, Raine Ampuja, David Amram, Franck Amsallem, Prosper Amtmann, Steven Amundson, Gilbert Amy, Avraham Amzallag, Bo An, Cheng-bi An, Zhi-shun An, Francesco d'Ana, Guillermo Anad, Chidera Anamege, R. Ananiev, Karen Ananyan, Domenico Anastasi, Christos Sp. Anastassiou, Alessandro Anatrini, Ernesto Anaya, Pierre Ancelin, Juan de Anchieta, Ancillottib Giovenale Ancina, Solomon Ancis, Theodore Anckarcrona, Jorge Anckermann, Charles Ancliffe, Francesco Ancona, Wladyslaw Anczyc, Kerstin Andeby, Laura Andel, Carl-Olof Anderberg, Adam Anders, Hans Anders, Henrico Anders, Nikki Anders, Ursula Anders, Benny Andersen, Drake Andersen, Eyvin Andersen, Fritz Andersen, Hans Christian Andersen, Henry Andersen, Joachim Andersen, Joel Andersen, Kai Normann Andersen, Kjell Magne Andersen, Niels Andersen, Peter Andersen, Sophus Andersen, Adam Anderson, Adrienne Anderson, Alistair Anderson, Allen Anderson, Andrea Anderson, Andrew J. Anderson, Avril Anderson, Beth Anderson, Cat Anderson, Charles Anderson, Dan Anderson, Deacon Anderson, Douglas Anderson, Ed Anderson, Edmund Anderson, Edward Anderson, Gary Anderson, Greg Anderson, Ian Anderson, Jon Anderson, Joseph Anderson, Julian Anderson, Keiron Anderson, Kristen Anderson, L. Anderson, Lasse Anderson, Laurie Anderson (pop encore), Leroy Anderson, Martha Anderson, Maxwell Anderson, Michael Anderson, Mike Anderson, R. Alex Anderson, Ray Anderson, Robert Anderson, Ron Anderson, Sophus Anderson, Stephen Anderson, Steve Anderson, Stig Anderson, Thad Anderson, Thomas Jefferson Anderson, William Anderson, William Henry Anderson, Christopher Anderson-Bazzoli, Wilma Anderson-Gilman, Kristen Anderson-Lopez, Fridthjov Anderssen, B. Tommy Andersson, Benny Andersson (…), Erik Andersson, Gert-Ove Gunnar Andersson, Henrik Andersson, Johan August Andersson, Johannes Dybkjaer Andersson, Jonas Andersson, Karin Dreijer Andersson, Olle Andersson, Otto Andersson, Per Andersson, Rebekka Maria Andersson, Rune Andersson, Stefan Andersson, Stig Andersson, Stikkan Andersson, Thommy Andersson, Tina Andersson, Tommie Andersson, Tore Andersson, Rafael Andia, Édouard Ignace Andlauer, Kevork Andonian, Daniel Andor, Darja Andorvska, Andre 300 (?), David Francois Marc André, Andre Fabian, Johann Andre, Mark Andre, Peter Andre, Andrea da Firenze, Volkmar Andreae, Andreas de Florentia, Andreas von Kreta, Axel Andreasen, Per Andreasson, Elfrida Andree, V. Andreev, Antonin Andreiev, Roberto Andreoni, Timo Andres, Timothy Andres, Mogens Andresen, Kerry Andrew, George Whitfield Andrews, Herbert Kennedy Andrews, Mark Andrews, Simon Andrews, Samuel Andreyev, Vasily Vasil'yevich Andreyev, Andreja Andric, Ron Andrico, Hendrik Andriessen, Jurriaan Andriessen, Louis Andriessen, Andrieu Contredit d'Arras, Fernand Andrieu, Franciscus Andrieu, Evangelos Andrikos, Victor Andrini, Georgios Andriotis, Yiannis Andronoglou, Alma Bazel Androzzo, Andriy Andrushko, Adam Andrzejowski, Bernard Andrès, Maurice André, Rich Andy, Giuseppe Anelli, Domenico Anello, Guiseppe Anepeta, Felice Anerio, Francesco Anerio, Giovanni Francesco Anerio, Jean-Jacques-Baptiste Anet, Pasquale Anfossi, Alfredo de Angelis, Franck Angelis, Girolamo de Angelis, M. de Angelis, Enrico de Angelis-Valentini, Steve Angello, Gioacchino Angelo, Nuccio d'Angelo, Carlo Angeloni, Luca Angelosanti, Darol Anger, Edmund Angerer, Paul Angerer, Albert Anglberger, Donald Angle, Jean Henri d'Anglebert, Rafael Angles, Galfridus de Anglia, Robertus de Anglia, Seignr Anglosini, Giovanni Angrisani, Armand Angster, Eduardo Angulo, Hector Angulo, Manuel Angulo, Istvan Anhalt, María Luisa Anido, Harry Anik, Avni Anil, Giovanni Animuccia, Paolo Animuccia, Emil Anjou, Paul Anka, Karl-Johan Ankarblom, Martin Ankelius, Egon Ankerstjerne, Anna Amalia Princesse de Prusse, Ulf Anneken, Michael Annicchiarico, Alessandro Annunziata, Anonymous, Peter van Anrooy, Andrea Ansalone, Ansanus, Ernst Anschutz, Eric Ansell, John Ansell, Tony Ansell, Renato Anselmi, Caroline Ansink, Jose Ansorena, Susanne Ansorg, Konrad Ansorge, Laura Anstee, Adam Ant, Hidas Antal, Bernhard von Antalffy, Dezső Antalffy-Zsiross, Linda Antas, Christian Antblad, Antegnati, Costanzo, John Antes, George Antheil, Christopher Anthin, Eugène Anthiome, Anthony de Countie, Bert R. Anthony, Pete Anthony, Ray Anthony, Francisco Antich, Alfio Antico, Andrea Antico, Luca Antignani, John Antill, Ivo Antognini, Fachard Antoine, Georges Antoine, Biagio Antonacci, Pietro Antonacci, Maria Antonakos, Antonello da Caserta, Claire Antonini, Antonio Jose, Francesco Antonioni, Giorgio Antoniotto, Theodore Antoniou, Antonius de Civitate Austrie, Antonius Romanus, Jack Antonoff, Ferdinando Antonolini, Gorgen Antonsson, Mikhail Antsev, N. Antsev, Vilhelm Anttila, Jorge Antunes, Alfredo Antúnez, Artem Anuchin, Davide Anzaghi, Valentine C. Anzalone, Remo Anzovino, Masahiko Aoi, Erkki Apajalahti, Nikolaus Apel, David August von Apell, Dace Aperane, Dace Aperans, Georges Aperghis, Aphex Twin, Esther Apituley, Manfred Apitz, Gabrielle Aplin, Danny Apolinar, Giuseppe Apolloni, Ferrucio Apollonio, Nicolay Apollyon, Saskia Apon, Rafael Aponte-Ledee, Hans Erich Apostel, Andreas Apostolou, Nikolaï Apostolov-Stroumski, Biddu Appaiah, David Appelbaum, Dave Appell, David Appell, Benedictus Appenzeller, Bert Appermont, Alessandro Appignani, Jody Karin Applebaum, Louis Applebaum, Mark Applebaum, Robert Applebaum, Thomas Appleby, Patrick Appleford, David B. Applegate, Appogiatura (?), Ferucchio Appolonio, Garbis Aprikian, Serafino Aquilano, Giancarlo Aquilanti, Paulinus Aquileiensis, Thomas d'Aquin, Dan Ar Braz (huhu), Gaspar de Arabaolaza, Alfredo Aracil, Atar Arad, Emilio Aragon, Louis Aragon, Juan Antonio de Aragues, T. Aragües, Mitsuru Arai, Momoko Arai, Yumi Arai, Francisco Araiza (?), Francesco Araja, Dimitri Arakishvili, Paolo Aralla, Eduardo Aram, Alexis Aranda, Luis de Aranda, Pablo Aranda, Nibaldo Araneda, Juan Aranes, Alí Arango, János Arany (!), Juan Aranyes, Gyorgy Aranyi-Aschner, Boris Arapov, Stefan Arason, Ingrid Arauco, Afonso de Araujo, Juan de Araujo, Pedro de Araujo, Hisashi Arayama, Felipe Araújo, Jean-Baptiste Arban, Thoinot Arbeau, Harold W. Arberg, Enrique Fernandez Arbos, David Arbury, Miquel Asins Arbó, Paolo Arca, Jacques Arcadelt, Arcadet, Arcady, Luis Arcaraz, Julián Arcas, José Martínez de Arce, Andrew Arceci, Gwyn Arch, Paul Archbold, Iain Archer, John Archer, Kevin Archer, Kimberly K. Archer, Malcolm Archer, Violet Archer, Antonio Archilei, Archimandrite Feofan, Louis Archimbaud, Serge Arcuri, H. Arcusa, R. Arcusa, Ramon Arcusa, Ángel Ardae, Luigi Arditi, Lori Ardovino, José Ardévol, Segundo Aredes, Sven Arefeldt, Bulent Arel, Giuseppe Arena, Jose Arena, María José Arenas, Fuentes Arenas-Fuentes, David Arend, Heinrich Arends, Anton Stepanovich Arensky, Manuel Arenzana, Diego Ares, Isabel Aretz, Vardan Areveltsi, Mario Argandona, W. Argenovsky, Dominick Argento, Ramon Cabrera Argote, Sasha Argov, Alejandro Arguello, Anneli Arho, Christian Arhoff, Moutaz Arian, Javier Arias Bal, Clotilde Arias, Spencer Arias, Vittorio Arienzo, Giacomo Arighi, Jacopo Antonio Arighi, Giacomo Arigoni, Reiko Arima, Silvano Arioli, Attilio Ariosti, Santi Arisa, Rodolfo Arizaga, Juan de Arizpacochaga, Mikhail Arkadiev, Peter Arkell, Reginald Arkell, David Arkenstone, Alexander Arkhangelsky, Alan Arkin, Manfred Arlan, Rolf Arland, F. Arlberg, Fritz Arlberg, Albert Arlen, Harold Arlen, Walter Arlen, Paul Arma, Jacques Armand, R. Armand, Jose Armandola, Mark Armanini, Armath, Antonina Armato, Daniel Armbruster, Vito Armenise, Eric Armenta, Eduardo Armenteros, Elinor Armer, Philip Armes, Leticia Armijo, Fabio Armiliato (?), Laythan Armor, Andreas Armsdorff, Bill Armstrong, Bille Joe Armstrong, Callum Armstrong, Chris Armstrong, Craig Armstrong, Dido Armstrong, Frankie Armstrong, Harry Armstrong, Henry Armstrong, Iain Armstrong, Kit Armstrong, Lillian Hardin Armstrong, Louis Armstrong, Newton Armstrong, Robert Armstrong, Rollo Armstrong, Thomas Armstrong, Vanessa Bell Armstrong, Arn, Ólafur Arnalds, Gheorghi Arnaoudov, Ronald Arnatt, Leo Arnaud, Pascal Arnaud, Dimitri Arnauts, Felix Arndt, Michael Arne, Thomas Augustine Arne, Jorn Arnecke, Richard Arnell, Borghild Arner, Kim André Arnesen, Per Christian Arnesen, Keith M. Arneson, Richard Arnest, Finn Arnestad, Will Arnett, Gus Arnheim, Ralf Arnie, Arnold de Lantins, Bernard Arnold, Carl Arnold, Chris Arnold, David Arnold, Eddy Arnold, Ernst Arnold, Frank Arnold, G.B. Arnold, H. Arnold, Malcolm Arnold, Martin Arnold, Maurice Arnold, Samuel Arnold, Robert Arnoldson, Malin Arnoldsson, Mirko Arnone, Katy J. Arnovich, Sidney Arodin, Eduardo Arolas, Colombino Arona, Columbo Arona, Rud Aronson, Suyinbay Aronuly, Alexander Aroutiounian, Hans Arp, Julian Arp, Joannes Arpinus, Leonard Anthony Arran, Vicente Arregui Garay, Chris Arrell, Brian Arreola, Giulio Cesare Arresti, Juan Crisóstomo de Arriaga, Pascual Emilio Arrieta, Claude Arrieu, Girolamo Arrigo, Guiseppe Arrigo, Carlo Arrigoni, Giovanni G. Arrigoni, Pepito Arriola, Richard Arrison, Pelayo Arrizabalaga, Antonio Salazar Arroyo, Enrique Rangel Arroyo, Jose Alfredo Rangel Arroyo, Juan Arroyo, Raynald Arseneault, Fazli Arslan, Yesari Asim Arsoy, Alex Arteaga, Angel Arteaga, Edward Arteaga, Eduard Nikolaevich Artemyev, Matthias Arter, Juan Miguel Artero, Edward Arthur, Gerald Arthur, Andy Arthurs, George Arthurs, Tom Arthurs, Philippe Arthuys, Ruth Artman, Leo Artok, Piotr Artomiusz, Nikolai Artsibushev, Vyacheslav Petrovich Artyomov, Alexander Arutiunian, Ioannis Arvanitis, Koeskimaa Arvo, Robat Arwyn, Valeri Arzumanov, Jesús Arámbarri, Rahman Asadollahi, Boris Vladimirovich Asafiev, Akiko Asai, Seyfettin Asal, Nicholas Asan, Thomas Asanger, Fujiya Asano, Koji Asano, Makiko Asaoka, Rodney Asberg, Josquin D'Ascanio, Michael Aschauer, August Ascher, Joseph Ascher, Kenny Ascher, Leo Ascher, Gerald J. Ascione, Matthew G. Ascione, Nicholas Anthony Ascioti, Michele Ascolese, Rosa García Ascot, Ola Asen, Vicente Asencio, Florencio Asenjo, Jon Asgeirsson, Deborah Ash, Paul Ash, Peter Ash, Aubrey Ashburn, Irving Ashby, Nils Henrik Asheim, Tony Asher, Ayala Asherov, Robert Ashfield, Nickolas Ashford, Alden Ashforth, Robert Ashley, Howard Ashman, Matthew James Ashman, Lawrence Ashmore, Ashot, Algernon Ashton, Graham Ashton, Kim Ashton, Donald Ashwander, Thomas Ashwell, Philip Ashworth, Dan Asia, Daniel Asia, Bonifazio Asioli, R. Aska, Jimsher Askaneli, Peter Askergren, R. Askew, Steve Askew, Daniel Askill, Michael Askill, Peter Askim, Ali N. Askin, R. Askue, B. Aslaksen, Sergey Aslamazyan, Jakob Aslund, Feike Asma, Conrad Asman, Svend Asmussen, Giammateo Asola, Hidetomi Asou, Christopher Aspaas, Soren Aspelin, David Asplin, Herman Natanael Asplof, Jonas Asplund, Karl Asplund, Andre Asriel, Clarice Assad, Odair Assad, Sérgio Assad, Caterina Assandra, Pontus Assarsson, Hans Asselbergs, Midhat Assem, Paulo de Assis, Ignaz Assmayer, Ignaz Assmayr, Fred Astaire, Andre Astier, Rick Astley, Felix Astol Artes, Hugh Aston, Peter Aston, Astor, Miguel Astor, Luigi Astore, Emanuele Astorga, Anders Astrand, Axel Astrom, Wilhelm Astrom, Astrovsky, Colette Astruc, Korkyt Ata, Atayde, Blas Atehortua, X Atencio, Basil Athanasiadis, Georges Athanasiadès, Nikos Athanassakis, Athenaios, Florent Athenosy, Michael Atherton, Can Atilla, Julian Atirahu, Boyd Atkins, Ivor Atkins, Jim Atkins, Joseph Atkins, W.T. Atkins, Craig Atkinson, Frederick C. Atkinson, Geoffrey Atkinson, Michael Atkinson, Francois Atlan, Natacha Atlas, Dmitri Atovmyan, Lev Atovmyan, Raffaello Atri, Benjamin Attahir, Pierre Attaingnant, William Attaway, C. Attenhofer, Kurt Atterberg, Luffmann Atterbury, Christian Ludwig Attersee, John Attey, Pekka Attinen, Danne Attlerud, Karl Attrup, Thomas Attwood, Aturov, Shirl Jae Atwell, Josiah Kelley Atwood, Thimios Atzakas, Tin-yung Alex Au, Jean Aubain, Georges Aubanel, Michael Aubart, Daniel-François-Esprit Auber, Jacques Aubert, Louis Aubert, Aubertin d'Airaines, Valery Aubertin, Tony Aubin, René Aubry, Matthew Aucoin, Tim Aucoin, Richard M. Audd, Audefroi Li Bastars, Edmond Audran, H. Auer, Leopold Auer, Lera Auerbach, Josepha Barbara von Auernhammer, May Aufderheide, Joseph Anton Xaver Auffmann, Benedict Anton Aufschnaiter, Michael Auger, August Wilhelm (Prince de Prusse), John August, Peter August, Conny Augustin, Joseph Augustin, Vaclovas Augustinas, Augustine of Canterbury, Alberto Augusto Martins, Rafal Augustyn, Zane van Auken, Michael Aukofer, Domenico Auletta, John Aulich, Tor Aulin, Valborg Aulin, Maxime Aulio, Patrick Aulton, Franz Josef Aumann, Heike Aumuller, Bo Aurehl, Egidius de Aurelia, Georges Auric, Frédéric Aurier, Corentin Aussems, Jonathan Aussems, Billy Austin, Charles Austin, Elizabeth R. Austin, Frederic Austin, Gene Austin, Jennifer Austin, Larry Austin, Lovie Austin, William Austin, Kirsti Autio, Gene Autry, Antti Auvinen, Georges Auvray, Artus Aux-Cousteaux, Roland Auzet, Artur Avanesov, William Averitt, Richard E. Averre, Jon Aveyard, Menahem Avidom, Antonio de Avila, Hernán Ramírez Avila, Joan de Avila, Manuel Leitao de Avilez, Eilon Aviram, Charles Avison, Avi Avital, Giuseppe Antonio Avitrano, Boaz Avni, Tzvi Avni, Avondano, Pietro Giorgio Avondano, Ana-Maria Avram, Sofia Avramidou, Aaron Avshalomov, David Avshalomov, Jacob Avshalomov, Emil Awad, Ali Mire Awale, John Axelrod, Lawrence Axelrod, Sten Axelson, Carl Anton Axelsson, Jonny Axelsson, William Axt, Penelope Axtens, Hoyt Axton, Mae Boren Axton, Axwell, Hector Ayala, R. Ayala, Ramon Ayala, Ruhi Ayangil, Marcus Aydintan, Zya Aydintan, John Ayer, Nat D. Ayer, Lydia Ayers, Richard Ayleward, G. Ayling, J. Ayling, John Aylward, Theodore Aylward, Laura Ayoub, Sarah Ayoub, Ayra, Mikael Ayrapetyan, Jim Ayre, Frederick Ayres, Mitchell Ayres, Nelson Ayres, Paul Ayres, Richard Ayres, Francois Vincent Ayssav, Ayuo, Armen Ayvazyan, Artemi Ayvazyan, Vaja Azarashvili, Svitlana Azarova, Julio Azcano, Jose Jesus de Azevedo Souza, Carlos Azevedo, Daudeth de Azevedo, Julie de Azevedo, Sergio Azevedo, Waldyr Azevedo, E. Azeyev, Michael Azguime, Thomas Azier, Evstaphiy Aziev, Kinan Azmeh, Charles Aznavour (…), Francesco Azopardi, José de Azpiazu, Cristina Azuma, Tatsuzo Azuma, David Azurza, Filippo Azzaiolo, Maurizino Azzan, Zurnazen Ibrahim Ağa.

(Si vous êtes curieux de ceux que je connais, j'en parlerai volontiers…)

Bien sûr, dans l'ensemble figurent énormément de petits compositeurs baroques ou classiques un peu mineurs (dont on a éventuellement oublié les avoir écoutés…), de compositeurs de musiques de film (Addinsell), de musical (Adler), de compositeurs occasionnels (interprètes qui ont écrit une petite pièce) voire des artistes de pop & variété qui ont été enregistrés par des artistes classiques. La plupart apparaissent sur une piste isolée dans un récital paumé de chœurs ou de cross-over, il est vrai. Mais tout de même, la proportion d'inconnus absolus rend modeste (sachant qu'on est loin d'avoir tout écouté de ceux qu'on connaît, forcément), et assez confiant sur l'impossibilité d'assécher le fonds en une vie.
Vous remarquez aussi le nombre de femmes (souvent des artistes américaines vivantes …), pas si négligeable qu'on pourrait le supposer. (En nombre de disques, d'œuvres, de pistes, de durée totale, c'est évidemment dérisoire, mais elles sont nombreuses en réalité, même dans les enregistrements.)

La question de l'offre, au disque, est donc davantage une question de curiosité, de formation des publics, et bien sûr de modèle économique – peut-on réellement couvrir ses frais en enregistrant Pękiel (DUX), Vaňhal (Capriccio), La Tombelle (Aparté) ou Toch (CPO) ? Ou même en enregistrant la 10001e Symphonie n°5 de Beethoven avec des artistes de notoriété moyenne ? Le jour où les partenariats extérieurs, le mécénat public ou privé, l'autoproduction des artistes comme carte de visite se retirent, les disques, dans le marché actuel, ne pourront plus être financés, et cela affectera mécaniquement l'offre.

Pour l'heure, c'est pléthore, on n'a même jamais autant publié (témoin les centaines de parutions cette année, parfois de choses assez obscures), et jamais autant de raretés !

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Suggestion de renouvellement grand public pour artiste norvégien à la mode :
Geirr Tveitt, Concerto n°5, mouvement III
Niels Mortensen, Symphonique de Stavanger, Ole Kristian Ruud (BIS)

3. Des solutions pour le concert

Le concert, à l'opposé, est par essence limité par la proposition locale, une année donnée – sachant que les spectateurs ne sont pas libres sur toutes les dates, alors qu'il est toujours possible d'acquérir et d'écouter un disque quel que soit son lieu de confection ou sa date de sortie.

Alors, comment faire pour varier le répertoire ? — et ainsi documenter du patrimoine, ouvrir la palette des styles proposés (pas que du piano germanique et de l'opéra italien, par exemple), renouveler les écoutes des habitués, conserver le frisson de la découverte, faire vivre la musique à défaut de choses nouvelles – encore qu'il y ait aussi beaucoup à faire de ce côté : rien que ces trois dernières années au concert, sans traîner si fréquemment dans les concerts à créations, j'ai pu entendre quelques bijoux pour orchestre (Clyne, Adès, Bates) ou quatuor (Boutry, Escaich, Dessy, Tian), de la part de gens qui étaient encore vivants (Boutry ayant depuis rendu son âme à Dieu)…

Gens célèbres

Le premier levier est celui des stars. Si l'on convie Anna Netrebko pour chanter O mio babbino caro avant un récital Wolf de Ruth Ziesak, Jonas Kaufmann dans Funiculi funicula avant Lebendig begraben par Thomas Bauer, ou Martha Argerich dans le Quinzième Prélude de Chopin avant un concert de l'Intercontemporain, on devrait sérieusement améliorer le taux de remplissage. Le problème est bien sûr leur bonne (mauvais) volonté, et l'aisance qu'ils auront, si les conditions ne leur agréent pas, de proposer leurs services à d'autres salles. Difficile de les contraindre.
Témoin, à ce qu'on m'a raconté (que je j'ai pas pu vérifier, mais certains artistes le font en tout cas), la vingtaine de pages envoyée à la Philharmonie de Paris par Krystian Zimerman, contenant des demandes allant du numéro de série et de l'accord du piano (légitime) aux conditions d'accueil, à la disposition et aux annonces faites avant le concert. On sentait les ouvreurs un peu sur le qui-vive avec les spectateurs qui prennent des photos, par exemple. Les artistes en vue peuvent imposer leurs conditions.

Ce que pourraient faire en revanche les salles, qui serait plus adroit, ce serait de demander aux artistes célèbres une œuvre-doudou qu'ils voudraient monter. Comme le fait Alagna avec les opéras qu'ils se choisit sur mesure, mais qui sont aussi dotés d'un véritable intérêt musical et dramatique (Fiesque de Lalo, Francesca da Rimini de Zandonai, Cyrano d'Alfano… moins intéressants sont ses Massenet, Le Cid et le Jongleur, mais ce sont des explorations qui ont le mérite de sortir de la routine !). Il n'est pas impossible que d'autres couvertures de magazines, qui ne font peut-être pas la démarche, croulant sous les demandes prestigieuses, de bâtir leur propre projet, aient un concerto qu'ils voudraient jouer, un opéra qu'ils souhaiteraient interpréter, une symphonie qu'ils espéreraient mettre à l'honneur… Si les organisateurs prenaient le soin de demander, peut-être qu'Andsnes rêve de jouer le Cinquième Concerto de Tveitt (tout en acceptant les invitations des grands orchestres à jouer Grieg), ou que Barenboim a la Natursymphonie de Hausegger sur sa table de travail mais n'ose pas la proposer, par peur de ne pas remplir…
Tous n'accepteraient pas bien sûr, mais ce pourrait être une piste. De même pour les orchestres invités, leur suggérer (je ne dis pas imposer) du local plutôt que de jouer La Mer ou Le Sacre du Printemps (que personne ne joue aussi bien que les orchestres français de toute façon, non ?).

Par ailleurs, le concert non-classique possède la tradition intéressante de la première partie, qui pourrait peut-être être tentée… des interprètes moins célèbres qui jouent des choses moins courues avant que tout le monde ne hurle pour Martha ou Jonaaaaas.

Couplages

Mais si l'on ne parvient pas à mobiliser le pouvoir d'entraînement des vedettes, ou pour les salles de province, qui ont (en France) peu de pouvoir d'attraction sur ce type de noms, alors il serait tout à fait possible, au lieu de concentrer les tubes dans les mêmes concerts, de proposer un format : 1 grand classique + 1 découverte, et pourquoi pas dans une esthétique comparable ! Le tout est de s'y tenir et de ne pas faire des concerts trop faciles d'accès qui siphonneraient ceux-là. Si la seule façon d'entendre le Deuxième Concerto de Rachmaninov est de prendre le concert avec la Première Symphonie de Kalinnikov (dont le lyrisme et les thèmes folkloriques raviraient), si l'on couple les Pins de Rome de Respighi avec la Deuxième Symphonie d'Alfano, la Sinfonia da Requiem de Britten avec la Colour Symphony de Bliss, la Cinquième de Beethoven avec la Première de Czerny, on assure de belles découvertes, dans un univers esthétique qui fait écho à l'œuvre célèbre.

Pour s'en tenir aux symphonies, beaucoup de titres pourraient ensuite devenir grand public, que ce soit par leurs qualités mélodiques (Sinding 3 & 4, Kalinnikov 1, Børresen 1, Bowen 2, Atterberg 1, H. Andriessen Concertante, Kabalevski 1) ou plus spectaculaires (Nielsen 2 & 4, Alfvén 4, Schmidt 1, Gilse 3, Walton 1), voire assez typées (Madetoja 2, Martinů 4, Bliss Colour, Diamond 3, Zhurbin 2)… Le tout est de faire déplacer le public une première fois avec un appât, pour qu'il constate l'intérêt de ces pépites cachées.

Cohérence et confiance

Certains lieux, comme Compiègne sous Pierre Jourdan, ou l'Opéra-Comique depuis sa réouverture sous Deschamps et Mantei (et le haut patronage de Saint-Pulgent), ont créé une réelle relation de confiance avec un public qui, sans être constitué exclusivement de cultureux érudits, sait qu'il peut faire confiance à la clairvoyance des directeurs en matière d'intérêt des œuvres et de qualité de la réalisation, si bien que des titres parfaitement inconnus peuvent afficher complet. Le Timbre d'Argent de Saint-Saëns, Ali-Baba de Lecocq et Mârouf de Rabaud, par exemple, étaient tout à fait remplis, même en reprise ! Parce que le public sait ce qu'il va voir (cohérence dans le répertoire, les choix de distributions, le type de mise en scène…).

C'est difficile à faire à l'Opéra quand on a un théâtre généraliste dans une petite ville de province, avec peu de population mélomane, un nombre réduit de productions… mais en concert, il y a toujours possibilité de mélanger plusieurs pièces. En revanche, dans des lieux à public garanti, comme l'Opéra Garnier (ou même Bastille), on pourrait vraiment proposer les audaces les plus folles et remplir à 100%. Et on y rejoue chaque année le Barbier et Traviata (pas forcément si bien que ça de surcroît) – gâchis qui cause quelques grommellements par ici.

Cela peut aussi passer par des formats pédagogiques avec introductions, ou adaptations ludiques – la Philharmonie a tenté des choses intéressantes sans trop communiquer dessus (concert de raretés françaises à thématique orientale, à écouter allongé sur des tapis persans), mais on peut également faire usage de projections (petits hérissons sur fond de symphonistes de l'âge classique ?) comme on le fait régulièrement avec les Planètes, de 3D, de mises en espace originales ou de toutes choses qui rassureraient le public par leur côté accessible et concret. [Je sais que beaucoup d'amateurs sérieux détestent l'idée de mêler le divertissement superficiel à la musique profonde, mais l'emballage peut vraiment rendre plus réceptif… quand on a un bis avec les musiciens qui chantent ou font des cabrioles, tout le monde est immédiatement ravi.]

Mélomanes blasés, spectateurs curieux, décideurs aventureux… je vous fournis ici quelques solutions.

Et dans les grandes capitales culturelles, il reste toujours la possibilité de regarder hors des grandes salles. On en trouve forcément. Et beaucoup.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Discourir a suscité :

15 roulades :: sans ricochet :: 1033 indiscrets

vendredi 29 novembre 2019

« N'aimez-vous pas les œuvres davantage pour leur rareté que pour leur qualité ? »

Variante un peu plus intimement intrusive (mais sensiblement plus courtoise) que « Parce que deux écoutes de L'Art de la Fugue, ça vous a suffi ? ».
CSS avait déjà abordé cette question, notamment sous l'angle du concert.

Cette fois, je réponds plutôt à l'enjeu, non pas de la répétition du répertoire et de la largeur de choix, mais de ce qui fait la qualité d'une œuvre, de ce qui la rend indispensable à enregistrer ou à connaître.

Page choisie dans la Musique des Sphères de Rued Langgaard, pièce particulièrement originale écrite en nuages alla Ligeti… et composée avant sa naissance !
Est-elle importante car novatrice, car personnelle, car bien écrite, ou au contraire une curiosité non prioritaire, c'est ce à quoi cette notule (ni grand monde) ne peut répondre.

Selon les attentes intimes de chacun, il existe plusieurs lignes de fracture possibles au moment du choix d'une œuvre à écouter.

a) L'importance historique

J'ai toujours reconnu que les compositeurs les plus célèbres étaient tous parfaitement à leur place. On peut excepter les plus récents, où le tri ne s'est pas encore fait, où la notoriété conjoncturelle joue son rôle, comme pour Boulez et Glass, qui sont fort célèbres l'un en raison de son importance comme fondateur d'institutions, chef d'orchestre et polémiste, l'autre parce qu'accessible et rassurant bien que pauvre ; ils occupent vraisemblablement (je peux me tromper) une place disproportionnée dans les concerts, disques et conversations par rapport à leur importance réelle dans l'histoire de la musique.

Monteverdi, Bach, Beethoven, Wagner, Debussy sont des géants, des génies dont l'histoire a peu d'exemples. Ils ont de surcroît servi de modèle aux suivants et constituent donc, en plus de leur mérite propre, des matrices dont on peut difficilement se passer pour comprendre l'évolution musicale.
D'autant plus que la musique, par rapport aux autres arts, suit une grammaire stricte (un accord mal écrit est une catastrophe qui ruine tout, pas du tout comparable à une main ratée ou un bout de perspective contradictoire dans un tableau), et évolue lentement – voyez par exemple le décalage entre la langue du roman Werther et de sa première adaptation musicale dans un style très XVIIIe… L'impact des modèles sur la substance même du langage y est beaucoup plus fondamental que pour n'importe quelle autre forme d'expression, à ce qu'il m'en semble.

b) La qualité d'écriture

Pour autant, dès qu'on observe dans le détail leur production, on peut trouver meilleur chez des compositeurs moins célèbres. Tout Mozart n'est pas au même degré de génie, et Vranický, Cannabich, Vaňhal ou Baermann ont leurs très grands moments.

c) La tournure d'esprit individuelle

Le débat s'est développé sur Classik à partir de la liste de proposition réduite de 10 disques de piano également proposée sur CSS : n'y a-t-il pas, chez les mélomanes un peu goulus, une prime indue à la rareté ?

Je crois qu'il peut y avoir, lorsqu'on a beaucoup écouté les grands classiques, une sensibilité particulière à la nouveauté (c'est clairement mon cas), à la découverte d'univers nouveaux, de façons différentes de penser le piano. Et inversement, pour d'autres personnes, le fait de pouvoir revenir à une œuvre-doudou, d'avoir baigné dedans depuis toujours, de se sentir approuvé par des siècles d'exégèse, va apporter davantage de plaisir. D'où les différents types d'attitude, ceux qui vont réécouter l'Opus 111 chaque dimanche soir, et ceux qui vont faire la moue sur un disque Chopin non parce qu'ils ne l'aiment pas (moi en tout cas, j'adore et admire Chopin, pas de doute !), mais parce qu'ils ont un peu épuisé leurs émotions en sa compagnie, ou souhaitent simplement être encore surpris et séduits par de nouvelles propositions aussi singulières que les siennes.

Donc à intérêt égal, ou même inférieur, oui, certains mélomanes peuvent avoir envie d'insister sur ce qui est plus rare. Parce que ces œuvres ont davantage besoin d'être distinguées que Vivaldi, Brahms ou Mahler, parce qu'on peut aussi ressentir qu'elles font davantage partie de notre identité que ces grands compositeurs que tout le monde a écouté, sur lesquels les grands esprits ont déjà écrit tant de choses essentielles jusqu'à en lessiver la matière…
Cela ne veut évidemment pas dire que ces représentants obscurs soient négligeables ni mêmes secondaires ; tout le monde s'accordera à dire que si l'on débute ou qu'on a peu de temps à y consacrer, il faut commencer par Beethoven 5 et le Sacre du Printemps plutôt que par les publications de CPO – du moins si l'on n'a pas d'indices sur les goûts de la personne, cf. d infra. En revanche chez certains mélomanes une découverte d'une œuvre moindre peut procurer de plus intenses émotions que la réitération d'un chef-d'œuvre déjà familier.

Cela dépend vraiment, je crois, de la structure interne des individus, et ne me semble pas appeler de jugement particulier. (Moi je trouve plus intéressant d'élargir son horizon, mais c'est aussi parce que ça me procure des satisfactions… et tout le monde n'a pas le temps de le faire !)

d) La sensibilité personnelle

Peut-être le plus intéressant : le corpus canonique ne couvre pas toutes les nations ni toutes les esthétiques ! Or chaque individu peut être sensible, c'est un truisme, à des écoles différentes… pas toutes représentées dans le panthéon officiel.

Dans cette liste de piano, j'ai proposé ce qui était le plus proche de ma sensibilité, et qui couvre un répertoire totalement distinct de la musique formelle à l'allemande, des Sonates disons. Si l'on n'est pas touché par le piano de Beethoven, Chopin ou Brahms, il existe d'autres univers qui peuvent nous satisfaire davantage – et qui échappent d'ailleurs à la comparaison, leur projet n'étant pas du tout le même.
On peut toujours se demander si les Nocturnes de Mossolov sont moins bons que ceux de Chopin, mais je crois qu'on peut s'accorder pour dire qu'il est difficile de trouver des critères communs pour évaluer ces deux musiques.

La quête du rare peut donc aussi débloquer l'accès à certains genres. On n'aime pas l'opéra parce qu'on croit que c'est Haendel-Donizetti-Verdi-Puccini, et l'on découvre LULLY / Rimski / Debussy… c'est une tout autre histoire. Il en va de même pour les répertoires dont la face célèbre est plus étroite, comme le piano, l'orgue, les concertos, les symphonies…

Conclusion morale

La hiérarchie en art est de toute façon à peu près impossible. On peut quantifier à la rigueur l'originalité (Mozart « nous fait des trucs que les autres ne font pas pour nous », dans Don Giovanni ou même La Clemenza), la nouveauté (Beethoven, Wagner et Stravinski ont bien mis le bazar dans la conception du geste créateur, clairement), mais pour ce qui est de l'intérêt, de la valeur… Chacun a ses critères – même au delà de l'émotion brute, est-ce la mélodie qui prime ? l'harmonie ? la forme ?

En ce qui me concerne, je m'en moque un peu : j'écoute ce qui me plaît. Et aussi ce qui ne me plaît pas, pour connaître. Et lorsque je découvre des choses étonnantes, stimulantes, ou simplement belles, j'essaie de partager.

J'adore les compositeurs les plus célèbres (un peu moins Bach, quand même, mais je ne peux nier qu'il est fortiche), je les écoute très souvent… mais je n'éprouve pas le besoin d'affirmer qu'ils sont plus ou moins grands que d'autres ; les jours où j'ai envie de les écouter alternent avec ceux où d'autres moins cotés me tentent davantage. Si je conteste la récurrence abusive des grands noms, c'est que j'aime avoir le choix. Quand je ne vois que les 15 mêmes pianistes-compositeurs germaniques donnés en concert, je n'ai pas le sentiment qu'on me laisse libre. (Ce qui n'enlève rien au fait qu'on ne jouera jamais trop Beethoven ! Mais on pourrait le faire un peu moins et ouvrir la place à d'autres modes de pensée.)

--

Il existe donc possiblement, oui, un biais du rare et du bizarre. Pour autant, je ne vois pas l'intérêt de se poser la question d'une hiérarchie absolue : la musique reste là pour apporter un supplément à nos vies, elle n'est pas une bataille, et la coexistence de styles différents ne retranche rien à ceux qui ne veulent pas les écouter. Si je suis partisan de la variété et du renouvellement, c'est pour laisser une liberté de choix, une possibilité de continuer toujours à découvrir, ou bien de trouver le genre avec lequel nous entrons le mieux en résonance. De ne pas passer à côté de la musique classique parce qu'on n'en voit qu'une face, certes considérable, mais absolument pas unique.

Tout cela pour livrer cette clausule profonde : je vous enjoins fermement à écouter… ce qui vous chante.
(Navré, CSS est gratuit, je ne puis vous rembourser.)

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Discourir a suscité :

11 roulades :: sans ricochet :: 792 indiscrets

maintenance – rémanence

Un mot d'excuse auprès des (quelques) lecteurs réguliers de CSS : d'une à deux notules par semaine (à deux exceptions près sur 15 ans), voici des mois d'automne exceptionnellement chiches. La quantité de concerts vus (75 depuis septembre), un emploi du temps professionnel peu propice, des commandes extérieures 'officielles' qui se sont accumulées et quelques autres éléments ont amputé le temps disponible pour produire quelque chose qui me convienne. Quelques nouvelles entrées arrivent.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Intendance a suscité :

2 roulades :: sans ricochet :: 235 indiscrets

mardi 12 novembre 2019

[nouveauté] – Raoul Barbe-Bleue (de Grétry), un (terrifiant) opéra comique en (mars) 1789

Vient de paraître une nouveauté étonnante, un nouvel engistrement d'un Grétry inédit : Raoul Barbe-Bleue – sous forme de livre-disque chez Aparté.
(Second étonnement pour moi, qu'on me charge d'en écrire la notice.)

Ma première réaction fut de demander : mais pourquoi enregistrer cet opéra comique, ce Grétry précisément ? N'ayant pas vraiment reçu de réponse, je me suis posé la question à moi-même : pourquoi cet opéra ?
Quelques mots sous un angle distinct de la notice.

grétry raoul barbe bleue aparté

0. Mais d'abord : de quoi ça parle ?

[Ne pas lire ceci si vous n'aimez pas les spoilers.]

Isaure et Vergy sont de bonne noblesse, mais ruinés. Les frères d'Isaure refusent Vergy et choisissent Raoul (qui n'a pas de barbe bleue, précisons). Isaure, manifestement séduite par les bijoux plus que par les vœux familiaux, demande à Vergy de lui rendre ses serments.

Pourtant, dès qu'elle a épousé Raoul, celui-ci la met à l'épreuve (on lui a prédit qu'il mourrait à cause d'une femme curieuse) en lui confiant le trousseau avec la clef défendue. Qu'elle ouvre évidemment, pour découvrir les têtes des précédentes femmes. Vergy s'est entre-temps présenté au château sous le déguisement de sa sœur (Anne, évidemment), mais ne peut lui venir en aide : iels sont enfermé·es.

Raoul, furieux, promet la mort à Isaure, qui fait guetter à Vergy (« Vergy, ma sœur, ne vois-tu rien venir ? ») l'arrivée de ses frères à qui elle a tenté de faire passer un message. Ceux-ci arrivent finalement accompagné des pères des défuntes femmes, dont l'un tue Raoul. Chœur de réjouissance.

[[]]
Une sélection de pistes de l'enregistrement Aparté.

1. Un opéra comique tragique

En tant qu'opéra comique, Raoul est assez sérieux : on y rencontrera bien quelques traits de caractère plaisants (une amante coquette séduite par des bijoux, un travestissement en femme, un serviteur apeuré – c'est cependant devant une mort très crédible), mais l'essentiel de l'enjeu reste un mariage forcé et une menace de mort imminente. On y voit aussi [spoiler] le méchant périr sur scène [/spoiler].

Il faut dire que le librettiste, Sedaine, était justement la vedette de la période pour son sens du naturel – et avait beaucoup fait pour seconder le « goût des larmes » dans l'opéra-comique, avec des tableaux pathétiques comme dans Le Déserteur de Monsigny, où un jeune homme, victime d'un quiproquo, est promis à l'exécution publique et fait ses adieux aux siens dans le cachot où il attend la mort. Ou bien l'exaltation de nobles sentiments, comme dans Richard Cœur de Lion du même Grétry.
Le grand succès de l'année où fut représenté Raoul Barbe-Bleue (1789, j'y reviens) était Les deux petits Savoyards de Dalayrac (livret de Marsollier), triomphe des bons sentiments : deux orphelins rencontrent un gentilhomme revenant d'Amérique qui leur vient en aide… et s'avère, grâce à un portrait, le frère de leur défunt père. Considérablement plus apaisé, mais le même goût pour le pathétique dans le cadre d'un genre qui porte mal son nom.

Raoul est donc un opéra doté d'une véritable tension dramatique : renoncer à son amour, résister à la curiosité, échapper à une mort inéluctable, où la dimension d'opéra comique réside essentiellement dans le format – numéros musicaux assez brefs, entrecoupés de dialogues parlés.

2. Des sources entremêlées

En bonne logique, Raoul Barbe-Bleue se fonde essentiellement sur le conte de Perrault, qu'il suit d'assez près : à part l'hésitation d'Isaure devant l'offrande de bijoux de Raoul, rare vertige d'un comique de caractère, et le déguisement bouffon de son amant (sous les traits de la défunte sœur… Anne), à peu près tous les événements en sont issus.

Pourtant Sedaine l'a tissé avec deux autres sources, médiévales. Le nom de l'amant, Vergy, évoque bien sûr La Châtelaine de Vergy, mais l'intrigue elle-même a davantage à voir avec le Roman du châtelain de Coucy et de la dame de Fayel, autre hit du roman médiéval. Dans ce texte, l'amant constant Coucy se présente au château de sa dame (sans déguisement, évidemment), et le sire de Fayel, après l'avoir tué, en sert le cœur en repas à sa femme – point commun avec la cruauté de Barbe-Bleue. On y trouve donc le motif ajouté à Perrault.

Ce n'est pas tout à fait un hasard, dans la mesure où le sujet était en vogue au théâtre, avec plusieurs tragédies dans les années 1770 : Fayel de Baculard d'Arnaud, Gabrielle de Vergy de Dormont de Belloy – cette dernière fut ensuite parodiée en Gabrielle de Passy !

Même si l'accueil fut globalement très favorable (des reprises jusqu'en 1818 en France, et jusqu'en 1840 en Europe – à Vienne), Sedaine et Grétry furent accusés dans la presse (Mercure de France en particulier, assez virulent) d'excéder leur mandat par leur sujet (la tragédie étant exclue de la première salle Favart) et tout à la fois (par Grimm) de manquer de noblesse.

C'est aussi cette particularité d'un opéra comique à la fois parodique (référence au nom d'un conte pour cette histoire qui aurait pu paraître réaliste) et assez sérieux, violent même (les femmes décapitées du cabinet, l'exécution organisée sur scène, la mort de Raoul par l'épée sous les yeux des spectateurs !), mêlant les sources (conte de Perrault et matière romanesque médiévale), et juxtaposant aux sentiments les plus nobles la bouffonnerie du travestissement, qui attire l'attention par sa singularité. Un ouvrage qui semble ne ressortir à aucun genre existant.

raoul barbe bleue et osman je te donnerais la mort

Pour cet avis secourable,
Tu mériterais la mort.

3. Une témoignage significatif d'une atmosphère politique ?

Rétrospectivement, ce qui peut paraître et se trouver représenté au printemps 1789 ne peut que nous intriguer, surtout si l'on croit y déceler des prémices. Il ne faut pas s'exagérer ce type de cause, considérant qu'on pouvait en cette période du règne de Louis XVI publier à peu près n'importe quoi : les censeurs étaient en réalité des hommes de lettres, certes rémunérés par le pouvoir, mais on constate que leurs choix étaient en général plutôt liés à l'intérêt potentiel pour le public, à la garantie de sérieux que supposait l'obtention d'un privilège d'impression, que par leur teneur politique. On est surpris, aujourd'hui, de se rendre compte de ce qu'on laissait publier dans l'Ancien Régime, sans même passer sous le manteau !

On trouvera dans ces pages une petite série sur Tarare (été 1787), où la même question se pose : la Nature y explique très rationnellement que les rois et les roturiers sont constitués des mêmes atomes et jetés à leurs postes respectifs par le seul hasard, tandis que l'intrigue y montre un tyran médiocre et envieux qui finit par se suicider de rage d'être moins aimé que son capitaine vertueux (qu'il persécute) par son peuple. Avec, en dépit de la fidélité à toute épreuve du brave soldat, quelques paroles très dures sur le pouvoir tyrannique – et quel vilain exemple ! Tout cela a très bien passé la censure (Beaumarchais avait prévu une fin alternative où le méchant monarque survivait, qui n'eut même pas besoin d'être considérée) – ce fut paradoxalement plus difficile sous la Révolution, où l'on fit à chaque changement de régime un ajustement politique de la fin (Beaumarchais avait même prudemment – et catégoriquement – exigé, pour se prêter à l'exercice, la garantie écrite de ne pas être inquiété si jamais ce qu'il proposait déplaisait !).

Dans Raoul, le noble perverti n'est plus simplement un enjôleur de villageoises, mais passe toutes les mesures : assassiner une à une les filles de ses vassaux, sous le prétexte d'une ordalie matrimoniale ! Quant au commentaire qu'en fait son serviteur (« si ses vassaux le perdaient, ils feraient tous des feux de joie »), ou le chœur de réjouissance final, supposément allègre et moral (« Ce tyran exécrable, / Ce monstre abominable / Expire sous nos coups »), ils sont d'une franche violence sans grande pudeur. Un aristocrate, tout de même, occis sans le moindre procès – et dans la liesse générale, puisque sa mort fait office de dénouement et de fête de mariage finale !

(Pour autant, il s'agit d'une justice de classe, une vengeance entre aristocrates, et pas du tout une révolte populaire : il ne faut pas y voir une préfiguration de troubles, simplement le témoignage d'une pensée en mutation, où la noblesse n'est plus perçue comme une garantie de vertu. On trouve aussi bien cela dans Don Juan – l'intervention providentielle étant ici aussi le fait de pères, quoique non spectres.)

4. Pourquoi cette musique ?

Raoul Barbe-Bleue n'est clairement pas l'œuvre angulaire du second XVIIIe siècle, ni la plus personnelle, ni la plus surprenante, ni la plus subversive. Néanmoins, si vous lisez cette notule ou écoutez le disque, êtes simplement curieux de musique et de théâtre, j'attire votre attention sur quelques beautés, que j'ai remarquées en lisant la partition (je n'ai pu avoir accès à l'enregistrement avant la publication)… et qui se sont révélées être les mêmes qui avaient plu aux critiques d'époque.

¶ Au sein d'un style très classique, une tendance moins habituelle à brouiller les numéros clos, ainsi la « scène » du retour de Raoul, avec beaucoup de récitatifs et de contrastes, pas réellement une forme close habituelle.

¶ L'alternance majeur / mineur, parfois brutale (au sein d'un même phrasé dans l'air de curiosité, d'un couplet à l'autre pour le duo de renonciation aux serments), en tout cas expressive.

¶ L'air de la curiosité d'Isaure, qui passe de la mélancolie mozartienne au ton épique gluckiste probablement parodique, avec en son centre les hésitations, écrit au fil du drame et non selon un canevas formel précis.

¶ Airs concertati (avec instrument solo), figuralismes marquants (Osman exprime sa peur en pointés rapides qui se retrouvent plus tard chez Corentin dans Le Pardon de Ploërmel de Meyerbeer).

¶ La « symphonie » (musique de scène) du dénouement, où en à peine plus d'une minute on enfonce la porte, met en déroute l'escorte de Raoul, on ferraille… jusqu'à sa mort. Elle paraît assez lumineuse, du fait du goût du temps, quoique tout à fait agitée. Il faut absolument suivre les didascalies généreuses de Sedaine pour en saisir le sens.

¶ Mais le sommet de la partition est vraiment ce trio « de la tourelle ». Pendant les appels terribles de Raoul invisible, Isaure demande à Vergy s'il voit le secours arriver… et le figuralisme du « nuage de poussière, qui s'élève de la terre », puis des chevaux, est très réussi, s'élargissant progressivement comme les marches de l'époque romantique (Marche au supplice dans la Symphonie fantastique, marche de Dalibor…), produisant une forte impression en son temps.

¶ D'une manière générale, Grétry est toujours très inspiré (pour ne pas dire carrément fulgurant) dans les lignes de ses personnages de basse : les deux airs de Céphale (peut-être les plus beaux airs de tout le XVIIIe siècle, en ce qui me concerne), l'air de Guessler, et ici toutes les interventions de Raoul (son air de séduction, son duo de menace avec son serviteur, son air de rage, et ses interventions mortifères dans le trio de la Tour) sont d'une qualité mélodique remarquable.

Ainsi, sans être un bouleversement fondamental, beaucoup de jolies choses à glaner, d'autant plus avec un interprète de la classe de Matthieu Lécroart.

Un nuage de poussière,
qui s'élève de la terre…

5. Parlons boutique

Pour la petite histoire, rédiger cette notice – un projet un peu plus officiel qu'une notule, où il faut donc vérifier chaque info, ne pouvant attendre d'être éventuellement corrigé par la vigilance des lecteurs, et qu'on vend de surcroît – m'a pris d'une cinquantaine d'heures : s'immerger un peu dans la partition, relire le conte et les romans médiévaux, vérifier le contexte des genres à l'époque, la place dans les carrières du librettiste et du compositeur, les parodies, etc. Et bien sûr contrevérifier chaque fait / date / élément mentionné.
Voyage passionnant dans une époque, immersion dans un univers parallèle constitué d'œuvres jamais rejouées qui constituait pourtant le quotidien de celle dont on parle…

Mon conseil, pour l'écoute, est vraiment de lire les didascalies. La diction est suffisamment bonne pour suivre sans le livret, mais si on manque certains détails (la parure d'Isaure, le déguisement de Vergy, l'ouverture du cabinet, la topologie de la tour, l'arrivée des cavaliers, la bataille finale), non seulement on ne comprend pas bien l'intrigue – comment passe-t-elle de la mort imminente d'une victime à l'apothéose finale ? –, mais on passe à côté des subtilités et beautés de la partition, articulées de près à ces détails.

6. Le disque

Comme je suis un garçon sans vergogne (ou un mélomane un peu trop enthousiaste), je vais quand même commenter succinctement le disque qui vient de paraître, sans chercher à vendre la soupe, mon avis tout nu. (S'il m'avait vraiment déplu, je me serais sans doute tu, mais en l'occurrence, je n'ajoute ni ne retranche rien de ce que j'aurais écrit autrement – je n'ai eu aucun contact avec les artistes ni pendant la production, ni après, il n'y a pas d'enjeu particulier à maquiller mon opinion.)

Il faut d'abord souligner que non seulement les dialogues sont présents, et en intégralité me semble-t-il (pas encore eu le temps de vérifier livret en main, mais ce me semble très complet), mais ils ont été préparés avec un soin tout particulier par les chanteurs, très variés et expressifs. Alors que la tendance est souvent de les omettre, ou de les traiter comme des parties subalternes, il faut souligner cet aboutissement.

Comme d'habitude, prise de son magnifique (c'était le métier de son fondateur), à la fois ample, intime et très précise.

¶ Enfin un premier rôle pour Matthieu Lécroart ! Noble, terrifiant, éloquence incroyable… Je ne me suis jamais expliqué, depuis son Raymond dans Charles VI d'Halévy en 2005, pourquoi sa carrière n'avait pas pris un tout autre tour, fait de grands rôles partout… Je ne m'en plains pas personnellement, il exerce beaucoup en Île-de-France dans des rôles moins courus qui m'intéressent davantage (quel don Diègue suprême chez Sacchini !). Artiste majeur à qui l'on offre un rôle à sa mesure, qui porte toute la vraisemblance de l'ensemble de l'action, des situations, des atmosphères. Ses soupçons vous glacent.

¶ Chantal Santon et François Rougier, artistes dont il faut saluer la contribution à toutes sortes de répertoires rares (tragédie en musique, opéra comique, cantates du Prix de Rome) ont leurs bons et leurs mauvais jours (ou répertoires ?). Je trouve souvent la première plus adéquate dans le grand romantisme que dans le baroque (où le vibrato et le timbre ne sont pas toujours très congruents avec le format des rôles). Elle est ici parfaite, très vivante et agile, maîtrisant diction, mélancolie, emportement… De même pour François Rougier, très à son aise. [Leur duo de la tour, où chaque valeur rythmique prend un sens – les longues pour répondre en suppliques à Raoul en bas, les brèves pour murmurer précipitamment à propos de l'arrivée des secours – est un bijou d'intelligence interprétative partagée.]

Je me suis posé la question du caractère historiquement attesté du fausset dans les dialogues de ce type de rôle travesti. Je n'en sais rien du tout, mais je suis sûr que les spécialistes des interprètes historiques ont des documents assez circonstanciés sur la question. Ça a piqué ma curiosité, j'irai chercher. (C'est en tout cas très bien réalisé par Rougier.)

¶ Mention spéciale à Enguerrand de Hys, dont les grimaces vocales sont irrésistibles en frère abusif – tout en conservant une beauté et une focalisation enviables du timbre !

¶ L'Orkester Nord (nouvelle dénomination de l'excellent Orchestre Baroque de Trondheim) avait pour l'occasion incorporé de nombreux Français dans ses rangs. Et, de fait, le son, la manière, l'élan (et quelles couleurs !) sont au niveau de ce qui se fait de mieux dans les ensembles spécialistes actuels. Seule petite réserve due au grand accomplissement d'ensemble (qui s'est totalement estompée à la réécoute avec partition, fasciné au contraire par l'intelligence et l'articulation !), les effets de contraste et la tension remarquablement maintenue masquent un peu les moments où la plume de Grétry produit réellement une rupture (effets harmoniques, figuralismes), tout est tellement animé tout le temps par Martin Wåhlberg, et de la meilleure façon, qu'on pourrait aisément passer, à l'écoute seule, à côté de quelques beautés très saillantes à la lecture de la partition… d'où ce guide d'écoute.

Finalement, entre l'originalité de son livret aux sources et tons mêlés, son emplacement particulier dans l'Histoire, sa jolie musique pourvue de quelques beautés particulières et l'interprétation de toute première eau, il y a de quoi, au minimum, satisfaire la curiosité légitime des mélomanes curieux. Cela ne changera pas votre vie comme l'a fait, je le sais, Tarare, mais il y a réellement de belles satisfactions à retirer de ce voyage, auxquelles j'espère que ce mot d'introduction vous aidera à accéder.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Opéra-comique (et opérette) a suscité :

4 roulades :: sans ricochet :: 796 indiscrets

samedi 2 novembre 2019

[Sélection lutins] Dix disques de piano – nouvelle édition

Il y a presque sept ans, j'avais proposé une liste restreinte à dix disques de piano, invitant à la découverte à travers de grandes interprétations : Bach par Perahia, Rameau par Tharaud, Bruckner par Shiraga, Debussy par Thiollier, Koechlin par Henck, Hahn par Wild, Tournemire par Delvallée, Decaux par Hamelin, Roslavets par Lazareva, Takemitsu par Crossley, Boulez par Frey). J'y avais adjoint quelques conseils incluant notamment P. Serkin, Ohlsson, Vásáry, Bavouzet pour les interprètes, Pierné, Sibelius, Schmitt, Barber, Wolpe, Messiaen, Ligeti, Lieberson pour les compositeurs…

Je profite du temps qui a passé pour proposer une nouvelle liste où, de la même façon, je tricherai en proposant onze disques – et quelques compléments.

Non pas que je renie l'ancienne : il n'y a guère que pour le Rossignol Éperdu qu'ont paru deux versions que je trouve plus adéquates, Ariagno et Eidi. Ces disques me demeurent indispensables, en particulier Decaux, Takemitsu et Boulez. C'est simplement manière, au fil de nouvelles découvertes et de nouvelles parutions, de proposer un autre paysage. (Je pressens qu'on y perçoit un peu ma dilection pianistique prioritaire pour les Français tournant-de-siècle et les Soviétiques…)

Les disques sont présentés par âge des compositeurs, du plus vieux au plus jeune (mais seul Rzewski est encore vivant).

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]] (fugue de la Hammerklavier)
¶ Beethoven – Sonates 27 à 32 – Peter Serkin, sur piano Graf (Musical Concepts, 2007)
Parmi les étranges aphorismes (n°27 de 12 minutes) et les monuments démiurgiquement architecturés de ces dernières sonates, on croule sous les versions les plus robustes et abouties. Mais pour moi, la lecture la plus aboutie (à laquelle j'ai déjà consacré une notule) est celle-ci. Peter Serkin (le fils du Rudolf qui jouait tout staccato et avec une seule nuance) n'est pourtant pas le pianiste le plus fulgurant de sa génération, malgré son répertoire par ailleurs passionnant (j'ai déjà mentionné son album The Ocean that has no West and no East) – ses Beethoven sur piano moderne sont d'ailleurs particulièrement lisses, blancs, mortifères.
Mais en jouant sur ce piano Conrad Graf (les plus beaux de l'époque, qui ont une certaine profondeur, de très belles couleurs, pas du tout les casseroles infâmes de la génération précédente), il touche soudain à l'essentiel – et au sublime.
D'abord, on y gagne beaucoup de lisibilité (on ne peut pas tout écraser sous la pédale, et chaque registre dispose d'un timbre très distinct). Ensuite, les couleurs obtenues sont extraordinaires, d'une diversité qu'on ne peut pas imaginer sur les instruments modernes, tellement chaleureuses et variées, qui sentent à la fois le bois, le salon, la rêverie, la création. Et par-dessus tout, leurs limites donnent le grand frisson de l'authenticité, de l'œuvre qui excède l'instrument. P. Serkin joue le plus fort qu'il peut sur ce pauvre piano limité dont la table d'harmonie semble vaciller dans la fugue de la Hammerklavier, les cordes crient, on croirait entendre la mécanique ployer et le bois craquer, la rage de la création s'est emparée du pianiste qui, sans rogner sur l'exactitude (l'exécution en est réellement parfaite), pousse l'instrument jusqu'au point de rupture.
En plus de la beauté du résultat, de la facilité d'approche grâce à l'étagement naturel des timbres, la démesure de ces œuvres n'a jamais été aussi palpables, jusque dans la chair de l'instrument. Même si l'on n'aime pas le piano ancien, c'est à tout le moins une expérience quasiment spirituelle à vivre aux côtés de Beethoven.

ligeti biret

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]] (Variations & Fugue sur un thème de J.P.E. Hartmann)
¶ Röntgen – Sonate en ut# mineur, Variations & Fugue d'après J.P.E. Hartmann, Ballades… (vol.4) – Mark Anderson (Nimbus, 2019)
Assez mal connu mais de mieux en mieux documenté au disque, Julius Röntgen (1855-1932) a laissé d'assez nombreuses symphonies (25) d'un romantisme assez naïf, presque néo- (la Troisième n'est pas mal, mais beaucoup sont assez dispensables), 7 concertos pour piano (assez brahmsiens et réussis, en particulier le n°3 !), 13 trios avec piano (dont un avec clarinette) très persuasifs (et brahmsiens également !), 3 concertos pour violoncelle dans un esprit proch de Dvořák, et bien évidemment un assez grands fonds pour piano, dont ce volume n°4 réunit à mon sens, les meilleures œuvres, en particulier l'atypique Sonate en ut# mineur de 9 minutes et ces Varations & Fugue sur un thème de l'emblématique compositeur danois J.P.E. Hartmann (avec une citation de l'Agnus Dei en exergue), de 17 minutes, très diverses et élancées, de la tendresse à l'héroïsme. La fermeté du style évoque un second XIXe siècle qui se souvent encore avec vivacité du dernier Beethoven.
Outre la qualité du corpus, donc, cl'exécution remarquablement aboutie de Mark Anderson force l'admiration : limpide et précis, élancé et sobre, fougueux et profond, du très grand piano (et un très beau son).

ligeti biret

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]] (Prélude dominical)
¶ Ropartz – Un Prélude dominical & Six pièces à danser pour chaque jour de la semaine, Dans l'ombre de la montagne… – Stephanie McCallum (Toccata Classics, 2015)
Une merveille de simplicité et de grâce. Sobriété absolue, mais puissance évocatrice de ces miniatures. Une révélation pour moi.
Déjà présenté sur CSS.

ligeti biret

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]] n°5 : soir d'été
¶ Koechlin – Paysages et Marines (piano vol.1) – Michael Korstick (Hänssler, 2008)
J'ai déjà cité, dans la précédente série, d'un tout autre genre (plutôt dans l'entrelac et le mystère oriental), Les Heures persanes par Herbert Henck. Dans la grande entreprise de Michael Korstick d'immortaliser le legs pour piano de Koechlin, et qui bénéficie à la fois d'une grande maîtrise technique, d'un beau toucher, d'un sens de la suspension poétique (malgré, semble-t-il, quelques fautes éparses de lecture), j'aime tout particulièrement L'Ancienne Maison de Campagne (vol.3), dont les archaïsmes sont rendus à nus… et ces Paysages et Marines, qui existent par ailleurs dans une version ultérieure développée pour sextuor (violon, alto, violoncelle, flûte, clarinette et piano), sommet de l'écriture harmonique et contemplative, aux couleurs sans cesse changeantes comme depuis un promontoire à la fin du jour.

ligeti biret

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]] (« Usines »)
¶ Mariotte – Impressions urbaines & Kakémonos – Daniel Blumenthal (Timpani, 2015)
Deux des cycles les plus intéressants de toute la littérature française, à l'égal des grands Dupont ou Koechlin, dans des genres aussi contrastés qu'il est possible. Les Impressions urbaines (1914-1919) font entendre les bruits de la ville (« Usines », « Faubourgs », « Guinguettes », « Décombres », « Gares » ; bien que le son se rapproche des pièces mécanistes de Meisel ou Mossolov, le programme écrit par le compositeur insiste plutôt sur la misère humaine, dans une veine naturaliste) restructurés en musique – très impressionnant et fascinant.
Kakémonos (1924), c'est au contraire l'orient sino-japonais rêvé, abîmé dans une contemplation dépouillée aux harmonies surprenantes et profondes.
Et la souplesse de Blumenthal, grand chef de chant et accompagnateur, laisse aussi percevoir d'autres qualités plus purement instrumentales et musicales. La grand parution discographique de piano français de la dernière décennie. (Possiblement mon disque de piano de l'île déserte.)
Déjà présenté sur CSS.

ligeti biret

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]] (larghetto de la Sonate n°7)
¶ Feinberg – Sonates 7 à 12 – Christophe Sirodeau & Nikolaos Samaltanos (BIS, 2204)
Scriabine nouveau, Feinberg s'enfonce dans un langage dont la logique romantique repousse les limites des cadres de tonalité et de forme. Très riche et profusif, particulièrement passionnant dans les 3, 7 et 12, des univers entiers à parcourir au milieu des abîmes suggérés par une virtuosité totalement intégrée au langage. La limpidité de Sirodeau (mélodies très timbrées, élan palpable malgré la pédale généreuse) fait merveille.

ligeti biret

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]] (nocturne n°2)
¶ Mossolov – Intégrale pour piano – Olga Andryushchenko (Grand Piano, 2016)
Parmi les œuvres les plus paradoxalement poétiques du répertoire pour piano, ces 2 Nocturnes à la construction minérale – écrits en strates, lents mais agités par des ramifications intérieures très riches –, les 3 Petites pièces, les Sonates sont servis ici avec une souplesse plastique qui permet à la fois l'expansion temporelle et la beauté des timbres. (Pour situer, on est encore assez au delà de la maîtrise de Henck, qui en a gravé la moitié.)

ligeti biret

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]] n°2 : le loriot
¶ Messiaen – Catalogue d'oiseaux – Håkon Austbø (Naxos, 1997)
Pour moi le sommet de toute la production de Messiaen, avec L'Ascension pour orgue et les 24 Regards – contrairement à sa mauvaise réputation, on y sent particulièrement bien l'articulation d'un discours musical assez traditionnel, reposant sur des progressions harmoniques, des tensions-détente, coulé dans le moule de modes nouveaux. Sous cette apparente dissonance sourd au contraire une logique très harmonieuse et familière, habillé en sus par l'inventivité fantasque des chants d'oiseaux transcrits.
Muraro est à juste titre cité en référence, très incisif, aux respirations et fluctuations agogiques travaillées, mais la prise de son chez Accord, dure, lasse vite. Austbø, avec une conduite un peu plus molle, permet davantage de se couler dans la longue durée, avec beaucoup d'élégance et de présence.

ligeti biret

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]] n°13 « L'escalier du diable »

¶ Ligeti – Études (livres I & II) – Idil Biret (Naxos, 2003)
Un des corpus les plus originaux et divertissants du répertoire : au lieu de partir de figures techniques, comme le font en général les Études, Ligeti prend une idée proprement musicale (souvent fondée sur la superposition, le décalage…) et en écrit la réalisation inconfortable à destination du pianiste, comme un jeu. Avec pour résultats de véritables œuvres musicales très abouties, typées et amusantes, loin des purs exercices de virtuosité (certaines ne sont d'ailleurs pas inaccessibles du tout techniquement).
Le choix est difficile au disque : seul Kei Takumi (Sheva Collection), je crois, en a gravé les trois cahiers (il s'agit par ailleurs d'une des meilleures versions disponibles, mais l'attitude reste un peu bûcheronnante, quoique ne manquant pas d'électricité). Par ailleurs l'interprétation ne leur rend pas toujours justice : noyée dans la pédale (Thomas Hell chez Wergo), très lyrique et fondue au détriment du détail des plans (Fredrik Ullen chez BIS, Laurent Aimard chez Sony), détachée quitte à perdre au contraire les qualités mélodiques (Jeremy Denk chez Nonesuch). Idil Biret, qui n'est pas parfaite (un peu prudente par rapport aux plus échevelés), a l'avantage de présenter avec beaucoup de clarté les logiques internes de chaque pièce, de façon presque pédagogique.

ligeti biret

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]] (variation n°26 « in a militant way »)
¶ Rzewski – 36 Variations sur « El Pueblo unido » – Christopher Hinterhuber (Paladino Music, 2012)
Le classique ultime des Variations du second XXe. Hinterhuber a le grand avantage, en plus de sa netteté, de proposer une lecture qui rend aussi bien justice aux poussées de lyrisme qu'à la logique de l'écriture plus défragmentées de certaines variations, contrairement à d'autres qui exaltent plutôt l'une (Hamelin) ou l'autre (Rzewski lui-même). Je crois les avoir à peu près toutes essayées, celle-ci est vraiment celle dont l'aisance, la variété et l'évidence me frappe le plus. Hinterhuber est par ailleurs un très grand interprète, il n'y en a pas beaucoup, de la musique pour piano du XVIIIe siècle (ses C.P.E. Bach sont à découvrir !).

ligeti biret

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]] (Sonate n°10 Eurêka, V « Doutes »)
¶ Tichtchenko – Sonate n°10 & Variations Op.1 (vol.2) – Dinara Mazitova (Northern Flowers, 2013)
Témoignage d'un Tichtchenko aux extrêmes de sa vie (1956 pour les Variations, 2008 pour la Onzième Sonate). Les Variations Op.1 et la Sonate n°10 (« Eurêka » : chaque mouvement illustrant une étape de la démarche scientifique, de l'hypothèse jusqu'à la réfutation) marquent par leur style limpide (quoique déjà complexe), une expression directe (et élégante) rare sous cette forme dans le patrimoine soviétique, dont on retrouve cependant les types mécanistes, les mélodies simples qui se cabossent ou qui modulent brutalement sans crier gare.

Mais j'aurais aussi pu mentionner :

¶ Chopin – intégrale pour piano solo – Nikita Magaloff (Philips, 1997)
Évidemment, Chopin reste un massif où sourdent des couleurs incroyables (quelles surprises harmoniques, et encore davantage en regardant les dates !), et avec la souveraineté mélodique qu'on connaît. Cette intégrale a l'avantage de ne regrouper que des interprétations de première classe : Magaloff a à la fois pour lui l'agilité, l'emphase, le sens du coloris, la netteté du trait (la pédale étant utilisée pour des effets d'irisations, jamais pour donner du fondu à des fusées qui restent très pures) et même la poésie. Pour la plupart des œuvres, ce sont des interprétations qu'on peut déjà considérer comme assez ultimes, alors dans une intégrale, l'aubaine !

¶ von Bülow – Ballade Op.11 – Mark Anderson (Nimbus, 2011)
Dans une veine lisztienne, et à nouveau formidablement réalisée par Mark Anderson, un témoignage inattendu de l'art de ce chef d'orchestre emblamétique, et membre de la confrérie des cocus de Wagner. Passé ce presque quart d'heure, le reste est plus conventionnel, couplage avec l'aimable Carnaval de Milan (suite de danses au parfum de salon : polonaise, valse, polka, 6 quadrilles, mazurka, tarentelle, galop…).

¶ Pierné – Variations en ut mineur – Laurent Wagschal (Timpani, 2010)
Monumentales et hautement virtuoses, elles sont l'œuvre d'un compositeur qui n'a pas écrit pour le piano depuis quinze années, tout en dirigeant les principales nouveautés de son temps : sans être avant-gardiste, la décantation de cette vie musicale riche est audible dans les atmosphères successives de ces 8 variations & final, pour un 25 minutes. connu (dans le même registre, il faut absolument remonter l'assez moderne Saint François d'Assise !), on s'inscrit ici dans l'héritage du piano romantique, mais avec une maîtrise de tous les paramètres d'écriture à un degré qui n'est permis que par le recul temporel. Wagschal y est, comme toujours, d'une aisance complète.

¶ Magnard – Promenades Op.7 – Philippe Guillhon-Herbert (WW1 Music, 2014)
Premier volume de l'incroyable et indispensable documentation de fond du label Hortus à l'occasion du centenaire de la guerre de 14-18, celui-ci, autour de l'exemple célèbre du défi de Magnard (protégeant son manoir au pistolet, et manquant de peu de faire fusiller tout le village). Le disque propose notamment une claire version des Promenades, un délice dans le genre un peu naïf-archaïque qui a cours dans le Versailles de Reynaldo Hahn, dans la Suite dans le style ancien de d'Indy, dans la Nursery d'Inghelbercht, etc., et qui a sans doute encore plus de prix lorsqu'on a accoutumé de se promener dans les lieux pittoresques du Sud-Ouest de l'Île-de-France – Bois de Boulogne, Villebon, Saint-Cloud, Saint-Germain, Trianon et Rambouillet !

¶ Dupont – La Maison dans les dunes – François Kerdoncuff (Timpani, 2003)
¶ Dupont – Les Heures dolentes – Émile Naoumoff (Saphir, 2009)
Deux séries d'évocations à la française, constituant une arche très réussie, puissamment lumineuse pour la première, beaucoup plus tourmentée et contrastée pour la seconde. La netteté incisive de Kerdoncuff et les irisations sombres de Naoumoff sont des truchements assez fabuleux pour aborder ces corpus (assez bien servis au disque – Blumenthal, Girod, Eckardstein…).

¶ Zaderatski, Protopopov, Deshevov, Feinberg, Roslavets, Revutski – Sonates, Rails, Préludes, Poèmes, Pièces – Fikret Amirov, Nikita Mndoyants, Yuri Favorin, Tikhon Khrennikov Jr. (Melodiya, 2012)
Anthologie qui a le mérite de regrouper un panorama de quelques-unes des meilleures pièces sociétiques, dont une sonate (n°3, « à la mémoire de Léonard de Vinci » !) de Protopopov, une (n°2) de Zaderatski, les Rails de Deshevov, et même le luxe des Préludes de Roslavets de la Sonate n°5 de Feinberg par Favorin (Amirov est clairement plus terne, mais comme il est le seul à jouer ces œuvres !).

¶ Protopopov, Mossolov, Roslavets, Feinberg, Stanchinski, Obukhov, Lourié – « Forgotten Russians » : Sonate n°2, 2 Nocturnes & 2 Danses, 5 Préludes, Berceuse, Formes en l'air… – Vladimir Feltsman (Nimbus Alliance, 2019)
Un programme remarquablement dense et complet sur les grandes œuvres héritières du courant futuriste. En dehors de la Sonate de Protopopov, ce sont des œuvres sinon documentées par des personnalités plus saillantes, ou bien mineures, mais la cohérence du panorama invite à la découverte !

… Et sans doute les strates grisantes des Klavierstücke de Stockhausen et la poésie aphoristique des Játékok de Kurtág, mais j'ai écouté les premiers dans des versions séparées (pas forcément éditées au disque), et essentiellement joué les seconds… je n'ai donc pas de disque à proposer comme cela, sans quoi, oui, ce seraient des corpus à recommander.

Parmi tant d'autres choix possibles. Évidemment.

On peut notamment compléter par cette liste de grands cycles figuratifs de piano français de la première partie du XXe siècle, ou bien par cette sélection subjective des plus belles pièces pour piano solo.

À l'issue de ce petit parcours, je m'aperçois du caractère tout à fait déséquilibré de mes propositions, à rebours des listes que j'aime donner, parcourant diverses esthétiques. Mais je n'en suis pas mécontent : ceci témoigne d'un autre piano que celui qu'on joue et enregistre abondamment, le piano des épanchements romantiques, de la virtuosité formelle, des quelques compositeurs bien en cour. Ici, ce sont d'autres paysages qu'on parcourt, le piano atmosphérique français (qui cherche la couleur, l'évocation visuelle plus que la beauté formelle), le piano futuriste russe et soviétique (avec ses recherches de textures et d'harmonies assez radicales, sans renoncer aux formes anciennes ni à la tonalité).

J'espère que ce sera l'occasion de quelques découvertes (Mariotte, impérativement !), voire de redonner confiance dans quelques corpus mal-aimés (le Catalogue d'oiseaux), d'éclairer différemment des tubes (Beethoven sur Graf)… puissiez-vous y trouver, çà ou là, et sans tout partager bien sûr, votre compte !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Goblin Awards, Sélection Lutins & Putti d'incarnat a suscité :

4 roulades :: sans ricochet :: 579 indiscrets

samedi 26 octobre 2019

Encore des concerts… octobre & novembre

Tandis que j'effectue des recherches pour une notule surprenante autour de l'usage du plain-chant au XIXe siècle et l'interdiction des femmes choristes dans le monde à la même période, je continue tout de même, malgré mon inhabituel silence en ces pages, de mettre à jour les suggestions de concerts franciliens des prochaines semaines, ainsi que les comptes-rendus de ceux vus.

Il y a eu les Leçons de Ténèbres de Lambert, les cantates et airs de cour de Huygens, les lieder et symphoniques de Schindler & Mahler arrangés pour chœurs à 16 voix, une messe de Frémart… et il y a des les prochains jours Destouches, Clérambault le 26 (cantates, airs à boire…), Chaminade, Galpérine, Milhaud, Debargue, Weinberg, Saint-Saëns, Krein Ippolitov-Ivanov le 26 (violon & piano), Reubke le 26 (Saint-Eustache), Cristina Branco le 28 (enfin en France !), le grand chambriste néoromantique Babajanian le 28 (en résidence !) et le 7, des chœurs maltais le 6, un quatuor de Gouvy le 11, des cantates de Rossi le 12, Frémart le 12, Mauillon dans de l'opéra romantique à partir du 13, Wieck le 15, de l'air de cour Louis XIII de langue espagnole le 16 par Šašková, du piano français du baroque au contemporain tout les 16-17, cantates de Campra & Boismortier le 18…

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 181 indiscrets

lundi 14 octobre 2019

Agenda des concerts interlopes

L'agenda de Carnets sur sol a été mis à jour jusqu'à fin mars 2020 ! Avec son lot de lieux étranges, de compositeurs négligés et d'interprètes méconnus. Évidemment, si la moisson se précise pour fin octobre et novembre, elle sera largement complétée par la suite pour les mois à venir – beaucoup de concerts n'étant vraiment annoncés qu'une semaine à l'avance…

Pour mémoire, les concerts les plus indispensables à mon sens (œuvres d'abord, surtout si peu données ; interprètes ensuite) se situent plutôt à gauche du tableau (ce n'est pas du tout un classement, mais les dates récurrentes ou les spectacles a priori moins fondamentaux sont rejetés sur la droite pour gagner en lisibilité des soirées incontournables).
Quant à la cotation, totalement subjective, elle se concrétise comme suit :
♦ violet, indispensable ;
♦ bleu, extrêmement tentant ;
♦ vert, prometteur.

Le rouge indique que j'ai pris une place en trop (ou que je ne vais plus à ce concert), qu'elle est à vendre. Le jaune que les informations sur le concert sont parcellaires (programme ?).

Je précise aussi, suite à quelques remarques dans la vraie vie, que ces couleurs et emplacements n'indiquent pas du tout où je serai réellement… (je peux aller à un concert moins audacieux, être en forêt ou en répétition, travailler, voir des gens, etc.)

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

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vendredi 11 octobre 2019

Concerts d'octobre

Beaucoup de belles choses rares vues ces deux dernières semaines en concert (qui ont, avec d'autres choses, occupé trop de temps pour offrir une notule un peu étayée cette semaine).

♦ des airs de cour de Guédron, Boesset & Bataille ;
♦ du baroque latino au Foyer de l'Âme ;
♦ du clavecin de Krebs, Soler et surtout d'Agincour ;
♦ Richard Cœur-de-lion de Grétry mis en scène et sur instruments anciens ;
♦ Gossec, Dalayrac, Gaveaux, Cherubini, Blanc, Lenepveu, Landowski chantés de nuit au Panthéon par Grégoire Ichou ;
♦ le final étourdissant de l'acte II du génial Adrien de Méhul ;
♦ une grande version du Premier Trio de Mendelssohn par le Trio Zeliha ;
♦ Gade & Mendelssohn 3 sur instruments d'époque ;
♦ Le Docteur Miracle (même livret que Bizet) mis en musique par Lecocq ;
♦ le tchaïkovskiano-germanique Trio n°1 d'Arenski ;
♦ la première mondiale d'un extrait de Lancelot de Joncières ;
♦ Saint-Saëns, Hahn et Escaich par un quatuor-fratrie au Musée Moreau ;
♦ la Marche Écossaise de Debussy avec introduction de cornemuse ;
♦ les mélodies de Roussel ;
♦ une version pour orgue des Planètes de Holst ;
♦ du Messiaen et du Pärt à l'orgue ;
♦ du Peter Maxwell Davies pour orchestre ;
♦ Moby-Dick en concert-fiction (musique de Fabien Waksman) ;
♦ le plus grand art song-singer de tous les temps, Roderick Williams, en Elijah ;
♦ l'avant-première des disques de Cyrille Dubois (Liszt) et des Arod (Schönberg 2 avec Dreisig) ;
♦ le Royal National Scottish Orchestra ;
♦ les anecdotes de Reinhard von Nagel…

Parmi les grands chocs (inattendus !), les Scènes de bal d'Escaich et Moby-Dick de Fabien Waksman.

Vous retrouverez tout cela, ainsi que des réflexions sur les enjeux d'interprétation de l'air de cour, les difficultés d'une réduction orchestrale à l'orgue, les formats accessibles pour un concert ouvert de type Nuit Blanche, les orientations des concerts-recherches musicologiques actuels… en cliquant sur les différentes vignettes de cette page.

Et pour continuer de ne pas rater ces merveilles, toujours se référer à l'agenda amoureusement entretenu, qui sera bientôt mis à jour pour novembre et décembre !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 193 indiscrets

mercredi 2 octobre 2019

Quelques nouveautés discographiques : Michèl Yost meilleur que Mozart, Magnard transfiguré, 3e Concerto pour piano de Brahms…

Grosses semaines (consacrées notamment à des commandes extérieures à CSS, comme celle-ci sur le grand motet à la française et le ballet à entrées du XVIIIe s.), où je poursuis toutefois le défi de l'année : après celui de 2017 sur la programmation d'opéra mondiale, celui de 2018 « Une décennie, un disque » (toujours en cours), celui de l'année 2019 a consisté à écouter, chaque semaine, les nouvelles parutions, pour prendre le pouls, en particulier, des redécouvertes. Et il y en a beaucoup, beaucoup trop pour les écouter toutes – encore moins les commenter.

Vous voyez ici un tableau qui recense celles que je repère, écoute, commente. Et là, mes impressions rapides.

Comme on trouve quelques très belles interprétations et découvertes d'œuvres stimulantes dans les dernières livraisons, je les publie en notule :

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105)

Yost, Concertos pour clarinette…
+ Vogel, Symphonie en ré mineur
Susanne Heilig, Kurpfälzisches Kammerorchester, Marek Štilec

Michèl Yost (ou Michel) est considéré comme le fondateur de l'école de clarinette française. Ces concertos de la pleine période classique (années 1770-1780) illustrent un style extrêmement proche du concerto de Mozart – j'ai souvent eu l'occasion de souligner, dans ces pages, combien le style pour clarinette de Mozart, la grâce de son concerto et de son quintette avec clarinette sont en réalité pleinement de leur temps (ceux de Yost, Neukomm, Hoffmeister, Krommer, Cartellieri , Baermann, Weber en sont très parents, jusque dans la belle couleur mélancolique). Le mouvement lent de chacun reste le meilleur du genre, mais on peut en trouver de comparables, et même de meilleurs mouvements rapides. Ceux de Yost sont particulièrement réussis, couronnés par des cadences (de Susanne Heilig, je suppose) tout à fait éloquentes, originales et généreuses.

On sait qu'en réalité Yost, sans formation sérieuse de compositeur, se faisait aider par son ami Vogel pour composer ces concertos. Le couplage avec une symphonie ardente dudit Vogel – tout à fait dans le genre postgluckiste qui caractérise beaucoup de symphonies du temps, comme la fameuse Casa del diavolo de Boccherini – se justifie ainsi pleinement.

Superbe interprétation de la part d'un orchestre (« de chambre de l'Électorat Palatin ») fondé en 1952 pour jouer la musique de type Mannheim, qui a réellement évolué avec son temps, en tenant compte de tous les apports de la musicologie (jeu très fin et tranchant des cordes, sans vibrato). Susanne Heilig n'est pas n'importe qui non plus : clarinette solo à l'Orchestre de Bielefeld, ancienne musicienne (en tant que jeune-incorporée, je crois) des deux grands orchestres munichois (Radio Bavaroise et Opéra).

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106)

Le Promenoir des Amants
Lieder et mélodies de Schubert, Loewe, Schumann, Zemlinsky, Debussy, Caplet, Ravel
Garnier & Oneto-Bensaid, Jacquard & Lahiry, Lanièce & Louveau, Rosen & Biel
(B Records, 27 septembre 2019.)

Ces quatre couples de lauréats de la Fondation Royaumont présentent une partie des œuvres travaillées en masterclass (notamment avec Helmut Deutsch ou Véronique Gens…). Les voix passent assez différemment de la réalité (Alex Rosen a un très gros impact en vrai, et paraît peu gracieux au disque ; Jacquard sonne au contraire beaucoup plus phonogénique et focalisée via l'enregistrement), mais l'ensemble est superbe. On a notamment l'occasion d'y entendre le piano éloquent de Célia Oneto-Bensaid et la voix claire, libre, mordante, élégante, insoutenablement séduisante de Jean-Christophe Lanièce.

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107)

Roma '600
I Bassifondi
(Arcana, 27 septembre 2019.)

Musique instrumentale pour trois musiciens (plus les stars violoniste Onofri ou soprane Baráth sur quelques pistes) à divers instruments d'époque (cordes grattées pour deux d'entre eux, flûtes, percussions). Jeux de variations sur thèmes célèbres, compositeurs qui sortent de l'ordinaire, sens du rythme et de l'atmosphère. Un recueil tout à fait réjouissant qui, comme son amusante pochette le suggère, revitalise volontiers l'ancien !

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108)

Asteria
Yardani Torres Maiani (collection Harmonia Nova)
(Harmonia Mundi, 27 septembre 2019.)

J'ai très vivement recommandé cette collection originale, où de jeunes artistes produisent eux-mêmes leurs programmes, souvent assez originaux. Celui-ci ne m'a pas convaincu : le violoniste y présente ses propres compositions planantes (avec clavecin), écrites dans une langue très conservatrice (tonalité assez étale et pauvre). Pourtant j'aime bien Silvestrov et même certains jours Kancheli, mais ici, je n'ai vraiment pas été convaincu par l'intérêt des œuvres.

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109)

Julius Röntgen, Concertos pour piano 3, 6 & 7
Triendl, Kristiansand Symphony, Bäumer
(CPO, 20 septembre 2019.)

J'avais déjà recommandé les concertos pour violoncelle, pour les admirateurs de Dvořák. Ce disque confirme les aptitudes de Röntgen dans le genre concertant, cette fois à conseiller en priorité aux amateurs de Brahms – le 3 en particulier. Très belle matière musicale, dense et renouvelée, qui force l'admiration.

L'occasion aussi d'admirer une fois de plus Oliver Triendl qui, en plus d'être excellent, documente à une vitesse vertigineuse des corpus très amples et très difficiles : Reizenstein, Papandopulo (2), Suder, Künneke, Gernsheim, Gilse, Urspruch, Genzmer (2), Blumenthal, Goetz, Weingartner, Thuille (2), Kiel, Hermann Schaefer, autant de figures assez peu courues (même si Gernsheim, Goetz ou Thuille connaissent un petit retour en grâce dans les cercles spécialisés, et Gilse & Weingartner des cycles assez complets chez CPO). Autant de choses aussi diverses et difficiles, et aussi bien jouées… le pianiste actuel le plus intéressant à n'en pas douter !
(Les autres, sortez-vous les doigts du Chopin si vous en voulez autant.)

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Et précédemment :

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97)
Free America! par la Boston Camerata
(Harmonia Mundi, 13 septembre 2019.)
→ Airs politiques progressistes fin XVIIIe-début XIXe à Boston, tels qu'en les éditions qui nous sont parvenues : contre la tyrannie, l'esclavagisme, pour la Science – et même l'amitié avec les musulmans ! Les monodies sont jouées brutes, sans accompagnement au besoin, et les textes fournis permettent de goûter la saveur des détournements (Rule Britania devient un chant d'émancipation de Columbia). Paraboles bibliques (Daniel !) ou revendications assez directes, tout l'univers de ces chansons qu'on faisait passer de la main à la main sur un billet, que l'on vendait dans la rue, que l'on publiait dans les revues ou essayait dans les salons… Parfois aussi des pièces polyphoniques, et l'habillage / complément instrumental est très réussi. On remarque particulièrement la fabuleuse basse Koel Frederiksen, d'une profondeur et d'un magnétisme assez formidables.

À la fois un témoignage précieux et un disque tout à fait roboratif.

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98)
Die Winterreise par Peter Mattei
(BIS, 6 septembre 2019.)
→ Le baryton suédois a conservé toute sa splendeur vocale, ce timbre très clair et moelleux (mais en salle, les graves sont impressionnants !). Sa proposition du Winterreise est donc incroyablement voluptueuse et séduisante, davantage fondée sur le lyrisme, il est vrai, que sur le détail du texte comme le font les spécialistes. Mais dans le registre de l'exaltation mélodique, on pourra difficilement se repaître de plus belle voix et d'artiste plus frémissant.

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99)
Magnard, Symphonies 3 & 4
Philharmonique de Fribourg, Fabrice Bollon
(Naxos, 13 septembre 2019.)
→ Longtemps mal servies au disque dans des versions opaques et pesantes, les symphonies de Magnard sortent de leur purgatoire et révèlent, après avoir semblé singer l'esprit germanique en n'en retirant que l'abstraction, tout ce qu'elles doivent au contraire au folklore français. Thomas Sanderling avait déjà mis en évidence l'espace intérieure, la luminosité de ces pages (Symphonie n°2 en particulier) avec Malmö. C'est peut-être encore plus évident avec Fabrice Bollon et le Philharmonique de Fribourg (le second orchestre de la ville – allemande –, après celui de la radio partagé avec Baden-Baden et désormais fusionné avec Stuttgart, où il réside principalement) : on croirait se plonger dans la musique de chambre de d'Indy, avec ses thèmes populaires, ses désirs de danse, ses élans mélodiques !
Malgré sa belle charpente, un chef-d'œuvre de l'esprit français, tout en danses et clartés, se dévoile ainsi. À découvrir absolument.

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100)
Joseph Renner, œuvres pour orgue par Tomasz Zajac.
(DUX, août 2019)
→ Quelque part entre Widor (la sobriété lyrique des adagios des 5 Préludes), Franck (progressions sophistiquées de la Sonate n°2) et Dubois (Suite pour orgue n°1, plus naïve), pas forcément une figure singulière, mais de belles compositions romantiques très agréables. (Je n'ai de toute façon jamais entendu que d'excellents disques chez le spécialiste polonais DUX, jusque dans les choix de répertoire.)

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101)

Jean Cras, Quintettes (piano-cordes, flûte-cordes-harpe) & La Flûte de Pan
Sophie Karthäuser, Oxalys
(Passacaille, 20 septembre 2019)

→ Superbe assemblage : les deux quintettes, celui léger et pastoral avec harpe, celui plus savant (mais à base de thèmes de marins très dansants !) avec piano, et l'originale Flûte de Pan, quatre mélodies accompagnées par flûte de pan et trio à cordes. L'ensemble à géométrie variable Oxalys est toujours d'excellent niveau : le piano est moins beau que celui d'Alain Jacquon avec les Louvigny, les danses moins évidentes qu'avec les Ferey et les Sine Qua Non – disque paru en fin d'année dernière ! –, mais c'est peut-être la plus robuste techniquement des trois versions récentes.
Autre avantage : l'ensemble s'adjoint les services d'un véritable paniste (?), et non, comme dans (l'excellentissime) disque Timpani avec Estourelle (et Peintre), une flûte classique. Bien qu'ayant arbitrairement choisi les sept notes qu'utilise l'instrument, Cras, entendait bien faire jouer la pièce avec la version à tubes multiples, ce qui est réussi ici avec un timbre superbe et une réelle verve.
La déception vient surtout de l'incompréhension de ce que veut faire ici Sophie Karthäuser : […] Je la trouvais déjà de plus en plus opaque, certes, mais à ce point, elle était peut-être souffrante. Dommage en tout cas de ne pas profiter du texte ni d'un joli timbre quand l'écrin est aussi accompli et soigné.

Je recommanderais plutôt les couplages des deux autres disques (avec le Quatuor), ou le disque de mélodies chez Timpani, mais ça reste une excellente fréquentation si on a le disque sous la main, ou si on veut disposer de plusieurs versions !

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102)

Bach, pièces d'orgue célèbres (Toccata & Fugue doriennes, Ein feste Burg…)
Kei Koito, sur le Schnitger de Groningen (DHM, 20 septembre 2019)

→ Comme d'habitude chez Kei Koito ces couleurs vives, ce sens de la danse… difficile de faire plus lisible, bondissant et radieux.

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103)

Scheibl, Wagenseil, Steinbacher…
Concertos pour clavecin styriens
Michael Hell, Neue Hofkapelle Graz (CPO, 20 septembre 2019)

→ Volume très intéressant sur le genre du concerto pour clavecin au cours du second XVIIIe s. dans la région de Graz : Scheibl encore assez baroque (avec son usage assez haendelien des cuivres), Wagenseil (avec violon solo), Steinbach (quelque part entre Bach et les Classiques), une jointure entre la forme brève baroque et le genre concertant classique, qui a le mérite d'illustrer un lieu, une école précis.
Assez bien écrits d'ailleurs (pour moi qui ne suis fanatique ni du concerto pour clavecin, ni de cette esthétique « viennoise » préclassique).

Encore une très belle réalisation de la Hofkapelle. (Je me demande qui peut acheter ça, mais merci CPO de l'oser !)

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104)

Bernier, Bach, Nâyi Osman Dede…
Cantates du Café
Blažiková, Mechelen, Abadie ; Les Masques (Alpha, 20 septembre 2019)

→ Joli projet de mêler différentes sources autour du thème : la cantate narrative française avec Bernier, la fameuse cantate profane de Bach, des pièces persanes du XVIIIe siècle (débutant par le thème gainsbourgien… encore un emprunt ?).
Mon intérêt (on s'en doute) se portait surtout sur la cantate de Bernier, et j'ai été frustré pour une raison très simple : Blažiková (fabuleuse soprane d'oratorio, ou première choriste au Collegium Vocale Gent) chante un français difficilement intelligible et assez avare de couleurs – dans un genre qui repose très largement sur l'éloquence du chanteur-narrateur, je me retrouve privé de l'essentiel du plaisir.
Je n'ai pas encore essayé le reste – je boude un peu.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Disques et représentations a suscité :

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mardi 24 septembre 2019

Les plus beaux débuts de symphonies – III : Nielsen n°1

Débuter une œuvre en étant captivé. C'est parfois à cela que tient l'adhésion ou le dégoût : une fois interpellé, on écoute vraiment.

L'objet de cette série est, en plus de donner envie d'écouter, d'essayer d'approcher le pourquoi – pourquoi sommes-nous intrigués ou émus par cet instant-là ?

Précédents épisodes :
♦ I : Jan van Gilse, Symphonie n°2
♦ II : Sibelius, Symphonie n°5

Nielsen 1

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Orchestre National de la Radio Danoise,
Michael Schønwandt (Naxos).
Une version pleine d'allant pour commencer, tirée d'une des plus belles intégrales.
Avec tout le mouvement pour pouvoir disposer du contexte.

a) Quelques repères

Nielsen naît en 1865, la même année que Sibelius. Lorsqu'il début sa symphonie, en 1890, il est au milieu de sa vingtième année et dispose déjà de deux projets symphoniques, une Rhapsodie symphonique (le titre ne semble pas de lui ; conscient de ses limites, il n'a pas très activement cherché à la faire jouer) et un projet de symphonie sur le programme « Tu viens de la terre ; tu retourneras à la terre. »

La Symphonie n°1 est quant à elle achevée en 1892, et créée en 1894. Les commentateurs y décèlent l'influence de Brahms (patente si on fait prédominer les cordes !), de Schumann (pour le plan, quoique ce soit moins évident), de Beethoven n°5 (modèle emporté d'un squelette rythmique prédominant, et pour laquelle il se passionnait à ce moment-là – il en avait récrit le premier mouvement de mémoire !), de Grieg, et même de Berlioz (cette entrée en accords insolents comme les Brigands d'Harold en Italie !). Pour autant, ce qui frappe d'abord est bel et bien la singularité de cette musique ; sa couleur harmonique, ses équilibres orchestraux originaux (contrebasses assez mélodiques), le contour sinueux (mais direct) de ses mélodies, l'originalité de ses étagements rythmiques (binaire / ternaire, goût de la syncope…).

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Orchestre Philharmonique Royal de Stockholm,
Gennadi Rozhdestvensky (Chandos).
C'est sur cette version, très bien articulée et captée avec beaucoup de clarté (tirée elle aussi d'une des meilleure sintégrales, malgré ses tempi assez retenus), que je vais m'appuyer pour commenter le détail de ce commencement. Les minutages s'y réfèrent.

b) Pas à pas

♦ 0'00 à 0'07 : Un accord d'ut majeur qui ouvre cette œuvre en sol mineur : quadruples cordes aux violons, altos et violoncelles (donc effet d'arpège, doubles cordes jouées en deux fois, et les cordes à vide de l'alto et du violoncelle qui résonnent plus fort, plus pur). Tous les bois, plus les cors, sont également présents.

Le premier motif, aux premiers violons et violoncelles (puis premiers violons et altos), est noté martelé à chaque note, ses rythmes pointés respirent (silence au lieu du point), et ponctuent deux fois trois grands accords. Entrée d'emblée farouche, d'emblée saisissante : l'articulation est très appuyée, la progression des accords crée un élan, le contraste entre les deux pupitres qui font le thème et le reste de l'orchestre qui ponctue installe une forme de contexte dramatique.

♦ 0'08 à 0'12 : Nouveau motif (quinte descendante puis descente chromatique) aux violons et altos, doublés par le hautbois dans le médium grave et la première clarinette dans le suraigu (pour la quinte), puis par les premiers flûte, hautbois et basson (pour la descente chromatique). Ces changements dans les doublures apportent des variations d'éclairage qu'on ressent instinctivement plus que distinctement : les cordes gagnent ainsi en chaleur, ou en éclat, pour chaque partie du thème qui alterne.

Pendant ce temps, les violoncelles et contrebasses empruntent le chemin inverse, une gamme chromatique ascendante. C'est-à-dire que tandis que la mélodie descend, le soubassement de la symphonie monte de façon inexorable. Effet très dynamique (et, là encore, assez théâtral).

♦ 0'13 à 0'17 : Les quintes descendantes (violons I, violons II, flûte I) deviennent des octaves descendantes (donc plus grands sauts), avec des syncopes (le premier temps de la mesure n'est pas frappé). Simultanément, lente progression harmonique des autres bois, et palpitation des cors et altos (vraiment la signature la plus marquante de ce début de symphonie), qui agitent encore davantage le discours. En réponse décalée d'un temps, les violoncelles et contrebasses font aussi de grands sauts descendants, mais jamais exactement les mêmes que le thème (septième majeure, neuvième majeure, septième mineure…), un geste qui répond et imite, sans produire du tout le même effet !

♦ 0'18 à 0'28 : Tout se suspend, sans cesser d'avancer : triolets aux violons I dans le suraigu (doublure des hautbois), sur la même note (et réponse des autres cordes, en triolets également, avec effet d'agitation), tandis que les clarinettes, bassons, cors et trompettes, bientôt rejoints par trombones et timbales, descendent lentement la gamme en accords. Tension maximale, qui poursuit sa progression au lieu de se figer.

♦ 0'29 à 0'44 : Résolution. On cite à nouveau le premier motif mélodique, mais pour déboucher sur quelque chose de nouveau, sur trémolos discrets de violons II et altos. Motif court et rapide des bassons (ascendants puis descendants) auquel répond une mélodie sinueuse de la clarinette, tout de suite redistribué en un nouvel alliage : basson et clarinette au motif court, hautbois I à la mélodie.

♦ 0'45 à 0'58 : Ce matériau mélodique passe aux violons I (doublés par la flûte I) et en écho aux violons II (doublés par le hautbois I), tandis qu'apparaissent des tuilages de cor, les doubles cordes en trémolo des altos, une ligne plus mélodique des violoncelles, le retour des contrebasses (sur une ligne de basse distincte), rapidement tout l'orchestre est sollicité pour la fin de cette première partie.

♦ 0'59 à 2'10 : Thème B. Le tempo est abaissé, moment de solo pour les bois comme les aime Nielsen. On n'entend d'abord que les descentes chromatiques lentes de la flûte II et de la clarinette II, tandis que le hautbois I joue une mélodie un peu dégingandée, mais plus vive. Rejoints par le reste des bois, puis par les cordes (figures d'accompagnement en triolets aux violons II et altos), cela finit par s'accélérer (retour des batteries de cors-altos du début), évoluer de façon ardente, rappeler le motif martelé initial (et ses grands accords), avant la reprise de l'exposition (on rejoue depuis le début, puis on enchaînera sur le développement).

Tout cela est un peu touffu ; voici les principales remarques ci-dessus sous forme visuelle. En cliquant simplement dessus, vous pouvez lire les partitions annotées en grand dans un nouvel onglet.

1)

c) Principaux procédés

Petit essai de synthèse à présent : pourquoi ce moment est-il aussi marquant ?

¶ Ses premiers instants claquent vraiment, même dans les versions lentes, grâce à ces doubles cordes et à ce thème martelé.

¶ Sa couleur varie sans arrêt : aussi bien grâce aux solos de bois qu'aux doublures – on a vu que, même pour une seule phrase musicale, elles varient beaucoup. Les violons sont doublés par la flûte pour deux mesures puis par le hautbois avant de revenir à la flûte, etc.

¶ Plus subjectivement, la grâce de ses thèmes secondaires cabossés mais élégants, un peu dansants mais comme arythmiques, me séduit beaucoup.

¶ Malgré la variété des figures et des motifs thématiques, la tension ne se relâche jamais : d'abord grâce à l'harmonie (le « dur » de la musique, le plus difficile à expliquer de façon non technique, l'enchaînement « grammatical » des accords), très tendue et vraiment personnelle, mais aussi par des procédés orchestraux plus faciles à remarquer, comme ces basses qui montent par demi-ton, ou qui font des sauts dissonants (septième, neuvième), ces figures rapides de basson, et bien sûr ces accords répétés qui palpitent aux cors & altos (véritable signature de ce début). Cette accumulation de procédés avive considérablement cette aube – emportée – de symphonie.

d) Un mot de discographie

La discographie des symphonies de Nielsen est riche de réussites nombreuses, que son retour en grâce au disque (et, plus partiellement, au concert) a considérablement augmentées durant ces trente dernières années !

Une liste à peu près chronologique des intégrales parues :
∆ Jensen-Frandsen-Grøndahl-Tuxen
∆ Bernstein-Ormandy
∆ O. Schmidt
∆ Blomstedt I
∆ Berglund
∆ Chung-N. Järvi
∆ N. Järvi
∆ Thomson
∆ Rozhdestvensky
∆ Blomstedt II
∆ Salonen
∆ Leaper
∆ Kuchar
∆ Bostock
∆ Schønwandt
∆ Vänskä
∆ Saraste
∆ C. Davis
∆ Gilbert
∆ Oramo
∆ Storgårds
∆ P. Järvi

Je peux renvoyer à cette notule et à ses commentaires pour un survol général, mais depuis 2012, pas mal de parutions, et de mon côté, la suite (et fin) de l'écoute de toutes les intégrales publiées, ainsi que l'évolution, à l'usage (et par le temps) de mes goûts… C'est toujours un point de départ pour caractériser un peu les tendances de chaque intégrale.
    À mon sens, N. Järvi, Rozhdestvensky, Schønwandt, Vänskä, Saraste, C. Davis ou P. Järvi peuvent se fréquenter sans restriction.
    Bernstein-Ormandy, Blomstedt I (Radio Danoise) et Leaper, passionnants, pourront causer des réticences pour des raisons techniques (réponse de l'orchestre et prise de son), Blomstedt II (San Francisco) des objections stylistiques (les cordes prédominent beaucoup, lecture très brahmsienne), tandis que Berglund, Oramo ou Storgårds, tout à fait luxueux, ne font peut-être peut-être pas sentir autant d'urgence que les premières intégrales citées, qui ont tout à la fois pour elles.
    Pour terminer, si jamais il faut mettre en garde, je trouve Salonen glacial (très peu de couleurs et de contrastes, aussi bien de son fait que de la prise de son), Thomson mal capté (son très flou chez le Chandos de la mauvaise époque), et de même pour Chung-N. Järvi (prise BIS excessivement métallique), Kuchar en deçà des qualités instrumentales du reste de la discographie, Bostock souffrant d'un son d'orchestre extrêmement épais, Gilbert assez littéral, comme indifférent. Ce ne sont pas (à part Bostock qui m'avait vraiment paru assez hors style, plutôt du type Giulini-dans-Bruckner) de mauvaises versions, mais dans le choix pléthorique qui existe désormais, il ne me paraît pas essentiel de s'y frotter. Elles ont néanmoins leurs partisans, il est tout à fait possible que je sois passé à côté de leurs qualités (de même que beaucoup médisent de Blomstedt I en s'arrêtant superficiellement aux vilaines couleurs orchestrales et à la mise en place plus fébrile).

Dans la Première, beaucoup de réussites et plusieurs écoles.
→ Ceux qui vont vite et « claquent », comme N. Järvi ou Saraste.
→ Ceux qui privilégient la poussée, comme Vänskä, Schønwandt, Leaper ou Rasilainen (hors intégrale).
→ Ceux qui travaillent plutôt le détail des strates et la couleur des masses, comme Previn (hors intégrale), Blomstedt I (il faut se faire à la réalisation modeste de la Radio Danoise de l'époque, mais le propos est passionnant et met en valeur la modernité de l'écriture), Rozhdestvensky, C. Davis , Storgårds ou Oramo.

Et on pourrait ajouter :
→ Les sombres : Bernstein, Leaper, Storgårds, P. Järvi.
→ Les lumineux : Saraste, Rasilainen, Oramo.
→ Ceux qui le jouent comme du Brahms : Blomstedt II, Bostock.

Pour ce début, j'ai sélectionné les deux plus intéressantes pour ce qui est de la mise en valeur des qualités de l'exposition, Schønwandt et Rozhdestvensky. Sur l'ensemble de la symphonie, j'aime tout particulièrement, en plus de ces deux-là, Saraste, Vänskä, Blomstedt II (la seule où l'option brahmsienne fonctionne pleinement), N. Järvi, Oramo, Rasilainen…

Amusez-vous bien !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Domaine symphonique a suscité :

4 roulades :: sans ricochet :: 466 indiscrets

mardi 17 septembre 2019

Une décennie, un disque – 1810 – Salieri, l'inventeur de l'orchestration

1810

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Variation n°4 : traits de harpe d'une liquidité lumineuse et ponctuations récitative de l'orchestre en accords.

☼ Je m'interroge, après le précédent essai, pour dédoubler les propositions discographiques à partir de 1800… cela permettrait d'oser bien davantage de genres différent, sans trop alourdir la série.

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Variation n°10 : trombones mystérieux, dramatiques et romantiques en diable, auxquels répondent des roulements de timbales (et de caisse claire), puis des arpèges brisés de flûte (comme dans les figurations d'orage, plutôt plus tard chez Verdi que chez ses contemporains Beethoven et Rossini !)

Un peu de contexte : les trois postérités de Salieri
    ◊ Salieri fut vedette en son temps, figure incontournable de la musique viennoise, joué et accablé d'honneurs à travers l'Europe : il triomphe auprès de l'impitoyable public parisien qui ne jurait que par Gluck et Piccinni, il devient membre de l'Académie de Suède, de l'Institut de France, reçoit même la Légion d'Honneur ! Pourtant, par la suite, sa perception par le public évolue considérablement…

Compositeur : Antonio SALIERI (1750-1825)
Œuvre : 26 Variations d'orchestre sur le thème de la « Folia di Spagna » – (1815)
Commentaire 1 : Ces Variations .
    ♣ Contient aussi deux ouvertures (au matériau largement commun) dont c'était alors le premier enregistrement mondial (les trépidantes Semiramide de 1782 et Les Horaces de 1786), ainsi que deux concertos pour piano de 1773 dont les traits d'une vigueur plus beethovénienne que mozartienne peuvent étonner (dans le Concerto en ut uniquement, et peut-être parce que le tempo lent choisi par Spada incite au martèlement des figures de virtuosité).
    ♣ Ces variations orchestrales reposent sur un véritable paradoxe : écrites à une époque où la forme de la variation renvoie plutôt au passé, progressivement supplantée par la forme-sonate (opposition et mélange de thèmes plutôt que répétition ornée d'un même thème), utilisant un thème qui n'est plus très à la mode (utilisé par Frescobaldi, LULLY, d'Anglebert, Corelli, A. Scarlatti, Couperin, Marais, Vivaldi et quantité d'autres compositeurs baroques, il l'est ensuite plus épisodiquement par C.P.E. Bach, Cherubini, Liszt, Sor, Nielsen, Rachmaninov, non sans une certaine distance ludique…), elles proposent pourtant une série d'études orchestrales aux alliages assez neufs.
    Plus encore, l'idée même de varier l'orchestration pour changer le caractère d'une pièce (et de l'inclure comme élément principal d'une suite de variations) est elle-même tout à fait insolite : en l'état de ma connaissance (évidemment parcellaire) du répertoire, c'est la première œuvre qui affirme de façon aussi nette l'importance de l'orchestration et la liberté du compositeur en la matière, au delà des traditions (à l'ère classique, on met des cors et trompettes exclusivement pour renforcer les forti des mouvements extrêmes, par exemple). En dehors des symphonies de Beethoven, qui proposaient déjà des effets originaux (solos de basson, de timbales…), les autres approches relevaient davantage de l'instrumentation, du choix de tel instrument solo, sur un patron globalement comparable d'un compositeur à l'autre. Ces Variations proposent au contraire un catalogue d'essais, parfois particulièrement expressifs ou plutôt hardis.
    ♣ Avec une nomenclature de symphonie (vents par 2, sauf les trombones – 3 –, timbales, et en sus harpe, caisse claire & tambour de basque), Salieri offre des procédés, couleurs et climats très variés. Comme il n'est pas possible de présenter tout, j'ai choisi quatre variations.
           ♣♣ n°4 : traits de harpe d'une liquidité lumineuse et ponctuations récitative de l'orchestre en accords ;
         ♣♣ n°10 : trombones mystérieux, dramatiques et romantiques en diable, auxquels répondent des roulements de timbales (et de caisse claire), puis des arpèges brisés de flûte (comme dans les figurations d'orage, plutôt plus tard chez Verdi que chez ses contemporains Beethoven et Rossini !) ;
         ♣♣ n°22 : dialogue de hautbois et clarinette entrelacés, sur fond de cordes ;
         ♣♣ n°25 : violon et harpe solos sur tapis de cordes, avec interventions des premières chaises de bois, assez suspendu, mais avec une progression dramatique.

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Variation n°22 : dialogue de hautbois et clarinette entrelacés, sur fond de cordes.

Un peu de contexte : Salieri, l'assassin compositeur
    ◊ Sa réputation a ensuite, très vite après sa mort (en 1830, cinq ans après icelle, paraît la pièce de Pouchkine), pâti du hasard des nécessités dramaturgiques de quelques auteurs qui l'ont, hélas pour lui, distingué comme un nom suffisamment célèbre pour servir de miroir (et de repoussoir) leur Mozart.
    ◊ En voulant faire de Mozart le parangon du génie naturel (et presque inconscient de lui-même), Pouchkine a besoin d'un personnage qui incarne au contraire le travail minutieux, laborieux – ce qui n'est pas nécessairement faux, Salieri était un garçon très appliqué, qui composait vite mais n'avait peut-être pas la facilité d'invention déconcertante de Mozart (je doute cependant que Pouchkine en ait su quoi que ce soit, ce type d'information ne nourrissait pas les journaux). Et le ressort dramatique devient : l'étonnement, l'envie, la jalousie, le crime. Pouchkine a tant de succès que sa pièce (loin d'être sa meilleure, vraiment), se nourrissant sans doute aussi, comme son Convive de Pierre, de l'engouement exceptionnel de sa génération pour Mozart, connaît un large succès et répand, auprès d'un public sans doute moins musicien – ou qui n'a, contrairement aux derniers Mozart, sans doute plus très souvent l'occasion d'écouter des œuvres de Salieri –, la légende urbaine de l'assassinat de Mozart, par un confrère ; par ce confrère.
    ◊ La cause de la mort de Mozart reste sans explication à ce jour, ce qui nourrit les spéculations les plus diverses, de l'accident par procuration à la rencontre hofburgeoise avec Lucifer. Celle-ci, simple et romanesque, a survécu, entretenue par le statut tutélaire de Pouchkine sur la littérature mondiale, avec un renouveau en 1979 lors des représentations de la pièce Amadeus de Peter Shaffer (et surtout en 1984, avec le film de Miloš Forman qui en est directement inspiré), qui réactive la légende fantaisiste de la rivalité entre les deux hommes, avec pour cause la médiocrité et la vilenie de Salieri.
    ◊ Dans la réalité, Salieri a au contraire aidé Mozart, l'appuyant pour composer la Clémence de Titus qu'on lui avait d'abord proposée, formant son fils Franz Xaver à sa mort… Par ailleurs, en matière d'honneurs et de charges, Salieri ne boxait pas dans la même catégorie, et n'était nullement menacé par Mozart – on dispose de surcroît d'assez nombreux témoignages illustrant une certaine bonté chez lui, aidant volontiers les compositeurs désargentés ou moins bien installés dans les honneurs et les commandes que lui-même. (Le hasard des injustices littéraires fait qu'il s'agit d'un des fort rares compositeurs à sembler, dans le privé, assez sympathique !)

Interprètes : Philharmonia Orchestra, Pietro Spada
Label : ASV (1994)
Commentaire 2 : Le tempo de l'Ouverture des Horaces permet de bien mesurer la distance avec une exécution conforme aux pratiques d'époque : on dispose des minutages de Tarare tel que représenté à l'Académie Royale de Musique, et ils sont sensiblement identiques (à peine moins rapides) que ceux employés par Rousset dans son enregistrement. Or ici, le tempo de Spada se révèle vraiment plus lent, ce qui ôte leur efficacité à un certain nombre de figures qui deviennent mélodiques alors qu'elles étaient conçues pour créer un sentiment d'agitation et de danger. On est davantage habitué à ce traitement dans les concertos de Mozart, et ceux de Salieri sont proposés ici assez amples et romantisants ; Pietro Spada (lui-même au piano) y joue au demeurant avec une jolie rondeur assez délicate.
    Le même problème se pose pour les Variations : nous n'avons clairement pas affaire à une exécution musicologique. Cependant Spada et le Philharmonia restent engagés et nous font profiter d'un véritable grain, intéressant dans la perspective de ces études d'orchestration. Les autres choix, Peskó avec le LSO (tout aussi monumental, mais vraiment pas propre) et Bamert avec les London Mozart Players (très lisses, orchestre de chambre tradi même si la pâte est sensiblement plus légère – on perd beaucoup sur les effets de rythme et de timbre) – qui a beaucoup fait pour ce répertoire sans toujours le servir avec l'acuité qu'on pouvait espérer pour ces pages – se révèlent moins satisfaisants.
    Oui, ce n'est peut-être pas le disque le plus accompli de cette série, mais en l'absence de version musicologique (le Freiburger Barockorchester le jouait pendant la tournée de l'album Salieri de Bartoli… mais sur le disque, il fallait laisser la place aux airs), cela reste un témoignage indispensable si l'on s'intéresse un peu à l'histoire de l'orchestration et à l'évolution des formes musicales.

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Variation n°25 : violon et harpe solos sur tapis de cordes, avec interventions des premières chaises de bois, assez suspendu, mais avec une progression dramatique.

Un peu de contexte : Salieri, l'homme de l'avenir
◊ Troisième étape de sa postérité : depuis la fin des années 1980, le regain d'intérêt pour le répertoire ancien (i.e. pré-1800) dans des interprétations « informées » permet, en les exécutant correctement, de rendre leur lustre à des corpus qui n'étaient pas restés au répertoire comme les Mozart. Le disque documente ainsi progressivement de plus en plus de ses œuvres : musique pour vents, concertos, Requiem, oratorios, lieder, ouvertures d'opéras (vraiment pas le meilleur de son œuvre, c'est sûr qu'il ne faut pas comparer ça avec les Mozart…), airs d'opéra (Bartoli, Damrau) et opéras intégraux (dans des conditions d'enregistrement de plus en plus luxueuses, témoin les trois opéras français chez Aparté et les derniers bouffes parus chez Deutsche Harmonia Mundi), il en existe de plus en plus (plusieurs dizaines si l'on compte les disques non-monographiques). Et parfois en plusieurs versions (pas toujours bonnes, comme en attestent justement ces Variations sur la Follia) ; on commence à se pouvoir se représenter, en tout cas, certaines des (nombreuses) raisons du succès de Salieri en son temps et au delà – les strophes du raccourcissement génital de Calpigi ont ainsi servi à de d'illustres chansonniers dans les décennies suivantes (dont Béranger, par trois fois !).
◊ Lorsque, ainsi que les colons anglais de Delibes réunis en quintette, on raisonne froidement : l'observation du corpus disponible de Salieri révèle un legs inégal (celui de Mozart l'est aussi), avec des œuvres qui sont réellement d'un intérêt mineur (des opéras italiens en général plutôt bons, mais pas tous pourvus du même relief, et aucun d'un niveau comparable aux Da Ponte de Mozart) mais aussi et surtout des gemmes d'une valeur inestimable, qui traversent les époques et annoncent le drame durchkomponiert (Tarare), osent des pas de côté étonnants dans la gestion dramaturgique et musicale (La Grotta di Trofonio, Les Horaces), ou bien instaurent une conception de l'orchestration moderne qui apparaît, telles ces 26 Variations orchestrales. Véritablement l'un des compositeurs majeurs de son temps, ni plus ni moins que Gossec, Haydn, Mozart ou (Pavel) Vranický.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Une décennie, un disque a suscité :

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vendredi 13 septembre 2019

Dernières nouveautés discographiques – et commentaires

En haut à gauche de chaque page du site, en bleu, figure « Nouveautés discographiques & commentaires ». En cliquant dessus, vous accédez à l'intégralité des disques publiés & commentés depuis janvier (une centaine actuellement, sur les plus de 500 à mentionner).

Récemment mis à jour : la plus incroyable prise de son de Bruckner du monde, le dernier Winterreise de Bostridge, Mendelssohn par Johannes Moser, grands motets de LULLY avec Mathias Vidal en vedette, Fauré et Berlioz par Fouchécourt avec accompagnement de quatuor à cordes, Wesendonck-Lieder par Ch. Prégardien…

Belles découvertes à vous !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Intendance a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 295 indiscrets

Les 10 meilleurs premiers concerts de la saison

La saison 2019-2020 a débuté dans les salles. Comme pour la saison passée, il ne m'est pas possible, logistiquement, de rendre compte des concerts systématiquement sur Carnets sur sol, sauf événement particulier (œuvre rare particulièrement stimulante).

Mais où sont passés les commentaires de concert ?

J'ai donc installé à nouveau mes quartiers sur Twitter (pour pouvoir écrire aisément dans les trains et métros, et aussi échanger avec la communauté des musicopathes qui non seulement vont à 100 concerts par an, mais en parlent…) : en cliquant sur ce lien, vous trouverez immédiatement la liste des concerts vus et quelques commentaires rapides sur les œuvres et les interprètes. Il faut ensuite cliquer sur le texte ou sur « afficher cette discussion » pour lire (sinon vous n'avez que les premières lignes qui s'affichent dans la liste !).
Ce lien est également accessible depuis toutes les pages de Carnets sur sol, en haut et en rouge, sous le titre « Agenda des concerts & comptes-rendus ».

Première salve

Du 1er au 10 septembre, 9 concerts dans 8 salles différentes, dont 5 pour la première fois. Philharmonique d'Israël piano contemporain, symphonique en plein air, songs américaines, théâtre, grégorien, jazz, orgue danois ou contemporain provençal… il y avait le choix.

Pour l'instant, les moments forts : Le Baiser de l'enfant Jésus de Messiaen par Vittoria Quartararo, Infant Eyes de Wayne Shorter par le Saussay Quartet, l'Ouverture de Der Fledermaus par le Philharmonique d'Israël & Zubin Mehta, les songs sur des poèmes de Wilde de Charles Griffes, et une interprétation hors du commun du grand duo Hollandais (« Wie aus der Ferne ») de Wagner par Frédéric Goncalves.

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Par ailleurs, pour vous y rendre vous-même, je rappelle l'existence de cet agenda amoureusement tenu à jour, de tous les concerts franciliens (plus quelques pièces de théâtre, Ibsen et Maeterlinck en tête) qui me paraissent particulièrement attirants (lui aussi accessible en rouge en haut de chaque page du site).

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

2 roulades :: sans ricochet :: 284 indiscrets

lundi 9 septembre 2019

Une décennie, un disque – 1800 – Beethoven et l'agonie du Christ

1800

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Début de l'oratorio : la prière de Jésus.

☼ Je n'étais pas satisfait du précédent épisode sur Cartellieri, trop ancré dans les années 1790. J'ai donc longuement cherché et hésité.

■ Sémiramis de Catel ? Assurément un des chefs-d'œuvre de la décennie, dans un style qui est au delà de Gluck, tout en en conservant le modèle, et le disque Niquet est supérieurement accompli. Mais l'opéra français est un des sujets les plus traités sur CSS, on en trouve déjà beaucoup de représentants dans ce parcours, je ne voudrais pas biaiser ma liste plus qu'il n'est nécessaire. [Vous remarquerez que son écriture chorale pour chœur d'hommes est très similaire à celle du Christ au Mont des Oliviers !]
■ Méhul ?

□ La Première Symphonie, sa plus intéressante, est certes tempêtueuse, mais quoique plus hardie, moins séduisante et atmosphérique que Cartellieri que je viens de louer – et aucune version, même Minkowski, ne me convainc pleinement. □ Joseph ? Cas très intéressant d'opéra comique subverti (fable religieuse tout à fait sérieuse), avec ses véritables fulgurances, mais il n'en existe que deux versions anciennes (Josef Traxel !) traduites en allemand et sans les dialogues ; ou bien une version française avec Lawrence Dale, réussie mais aux numéros totalement bouleversés en lien avec les représentations de Compiègne qui redéployaient le livret dans un sens différent.
□ Uthal ? Très bel opéra, dont la particularité, pour créer une atmosphère ossianique adéquate, est de n'utiliser aucun violon, dont il a abondamment été question sur CSS. Mais ce n'est pas forcément un chef-d'œuvre absolu en soi, quoique passionnant.
□ Quant à Adrien, bijou superlatif, sommet de la pensée dramatique française, il a été représenté en 1799 mais achevé dès 1791.

■ Le Quatuor clarinette-cordes de Hummel, les Quatuors à cordes de Krommer, les Quatuors à cordes et Trios piano-cordes du mémorialiste Gyrowetz ? Il existe de très belles choses dans ces corpus, encore très marquées par le style classique, et les enregistrements de Gyrowetz, toujours haydnien mais déjà un peu plus tourné vers une esthétique lyrique, disposent d'une finition extraordinaire (Pleyel Quartett Köln chez CPO, plus encore Fortepiano Trio chez NCA). Après avoir préparé une notule, j'y ai finalement renoncé : le projet de la série est de proposer des disques extraordinaires ; or la musique, quoique très bien écrite, n'en est pas forcément singulière au point de lui confier une décennie entière. (Oui, la charnière 1800 est assez mal documentée, il manque énormément de jalons majeurs au disque.)
■ Reste Beethoven, bien sûr. Je me suis interdit de mentionner les Quatuors ; je pourrais toujours recommander une des intégrales incroyables (Takács, Pražák, Leipziger, Italiano, New Orford, Belcea, Cremona, Lindsay…) ou des anthologies à couper le souffle (Jerusalem, Terpsycordes, Borodin-Virgin, Brentano), mais à quoi bon, vous les connaissez ou les connaîtrez sans moi. J'en suis donc venu au répertoire moins fréquenté chez lui, la formidable Messe en ut et… le Christ au Mont des Oliviers.

Édition antérieure, avec un visuel probablement plus proche de la douceur de ton de l'œuvre.

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Chœurs de soldats.

Alors Jésus s'en vint avec eux en un lieu appelé Gethsémané ; et il dit à ses Disciples : asseyez-vous ici, jusques à ce que j'aie prié dans le lieu où je vais.
Et il prit avec lui Pierre et les deux fils de Zébédée, et il commença à être attristé et fort angoissé.
Alors il leur dit : mon âme est de toutes parts saisie de tristesse jusques à la mort ; demeurez ici, et veillez avec moi.
Puis s'en allant un peu plus avant, il se prosterna le visage contre terre, priant, et disant : mon Père, s'il est possible, fais que cette coupe passe loin de moi ; toutefois non point comme je le veux, mais comme tu le veux.

(Matthieu 26;36-39. Traduction Martin 1744.)

Un peu de contexte : synopsis
    Le sujet est simple : l'agonie du Christ à Gethsémani. Il se recueille en proie à l'angoisse de la mort. L'ange compatit avec lui depuis les nuées (duo). Les soldats interviennent ; les disciples sont effrayés, Pierre fou de rage veut s'interposer mais Jésus le retient. Il accepte son sort, est emmené, et le chœur chante la louange de son courage et le sens de son sacrifice. Ceci occupe cinquante-cinq minutes.
    Trois solistes pour trois personnages seulement : un ténor (Jésus pas dans sa meilleure forme), une soprane (un séraphin – ange biblique à trois paires d'ailes) et un baryton (Pierre toujours vénèr). Le chœur incarne tour à tour les anges (déconnectés de la réalité), les soldats (méchants), les disciples (veules).

Compositeur : Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827)
Œuvre : Christus am Ölberge – « Le Christ au Mont des Oliviers » (oratorio, 1803)
Commentaire 1 : La partition se distingue par son ton inhabituellement méditatif pour du Beethoven, bien qu'évoquant en de nombreuses instances Fidelio. Sans insister sur l'angoisse de cette nuit, elle souligne cependant, de façon assez lumineuse, la part humaine (ou l'essence, je n'entre pas dans ces débats, je tiens encore un peu à la vie) de Jésus, et se limite, dialogue avec l'Ange excepté, à l'explicite de l'Évangile : appréhension, prière, soldats, Pierre. La grâce suspendue de ces moments (ou le caractère très motorique et entraînant, quoique hostile, des interventions des soldats – qui n'est pas sans ressemblance avec les opéras à venir de son admirateur Schubert) est assez particulière, d'un mélodisme pas toujours évident, mais toujours élancé et prégnant. Une sorte d'abstraction qui prend chair – tiens, tiens.
    Il s'agit d'une composition particulièrement atypique chez l'emporté et solennel Beethoven, pleine d'une tendresse qu'on lui connaît peu, sans doute parce qu'il reste un peu de Haydn çà et là, mais comme assoupli par le romantisme naissant. Pour autant, l'inspiration en est très réelle ; rien de neuf ou de fondateur ici, et cependant l'intensité qui lui est propre demeure – on peut en dire autant, dans une tout autre veine, des chants des Îles Britanniques.

Interprètes : Keith Lewis, Maria Venuti, Michel Brodard ; Stuttgart Gächinger Kantorei, Stuttgart Bach Collegium, Helmuth Rilling
Label : Hänssler (1993)
Commentaire 2 : Cet oratorio a finalement été peu enregistré pour du Beethoven (une douzaine d'enregistrements, et seulement trois dans les 25 dernières années : Spering, Nagano, Segerstam). Et Rilling est mieux qu'une valeur sûre : je ne vois pas d'oratorio ou de messe, de Bach à Britten en passant par Mendelssohn et Bruckner, où il n'ait touché juste : orchestre informé (net, mais pas sans moelleux au besoin), chanteurs superlatifs (sopranos toujours limpides et fruités, et ici en sus le moelleux infini et l'éloquence de Keith Lewis, réellement d'un autre monde), chœur sûr comme le sont les ensembles allemands, mais offrant une chaleur moins accoutumée… Ici, de surcroît, il réussit particulièrement l'atmosphère nocturne, avec cette impression que la musique émerge du silence.

Alors il était nuit et Jésus marchait seul,
Vêtu de blanc ainsi qu'un mort de son linceul ;
Les disciples dormaient au pied de la colline.
Parmi les oliviers qu'un vent sinistre incline
Jésus marche à grands pas en frissonnant comme eux ;
Triste jusqu'à la mort ; l'oeil sombre et ténébreux,
Le front baissé, croisant les deux bras sur sa robe
Comme un voleur de nuit cachant ce qu'il dérobe ;
Connaissant les rochers mieux qu'un sentier uni,
Il s'arrête en un lieu nommé Gethsémani :
Il se courbe, à genoux, le front contre la terre,
Puis regarde le ciel en appelant : Mon Père !

(Vigny, Le Mont des Oliviers)

Un peu de contexte : un livret
    L'œuvre illustre à la perfection le genre intermédiaire de l'oratorio : contrairement aux pièces de la liturgie, une œuvre qui ne s'insère pas dans un office, mais qui raconte un épisode sacré, avec une action dramatique. Dans le même temps, cette action reste embryonnaire et ne satisfait pas au besoin d'intrigue qu'on trouverait dans un opéra.
    Beethoven était tout à fait insatisfait du livret de Franz Xaver Huber (et son éditeur, Breitkopf, concordait), mais s'était trouvé face à la difficulté de retoucher à la marge le texte – cela ne réglait pas les problèmes. Il exprime dans une lettre, vingt ans plus tard, qu'il aurait préféré mettre en musique Homer, Schiller ou Klopstock : si ces poètes ont une syntaxe difficile, au moins ils valent les efforts pour les mettre en valeur.

Un peu de contexte : création
    En tant de fraîchement résident au Theater an der Wien – il habitait dans le théâtre – fondé par Schikaneder (lieu de création de la Flûte Enchantée), Beethoven a présenté plusieurs concerts de créations particulièrement importants dans ces murs, notamment la Troisième Symphonie (1805), la première version de Fidelio (1805), le Concerto pour violon (1806) et bien sûr le fameux concert du 22 décembre 1808 où étaient programmés le Quatrième Concerto pour piano, la Fantaisie Chorale, les Cinquième et Sixième symphonies !
    Cette soirée du 5 avril 1803 était au moins aussi importante, puisqu'il présentait, outre son Troisième Concerto pour piano, ses deux premières symphonies ! Les musiciens, épuisés comme on peut l'imaginer par ces musiques assez denses (les deux symphonies étant assez éloignées des standards de l'époque, en particulier la Seconde, exigeante et très originale), ont dû être amadoués par des boissons offertes par le prince Lichnowsky pour accepter d'opérer un nouveau filage, non prévu, de l'oratorio !
    La réception mitigée n'a pas empêchée l'œuvre d'être reprise plusieurs fois jusqu'à l'année suivante, avant sa publication seulement en 1811, avec quelques corrections.

Complément discographique :
    Il aurait aussi été possible de mentionner, pour cette décennie, la fougueuse (quoique plus suspendue que la déferlante Missa Solemnis en ré) Messe en ut. Il en existe en particulier un enregistrement de Richard Hickox avec son ensemble sur instruments anciens – contrairement à ce que pourrait laisser préjuger sa dilection pour le répertoire anglais du XXe siècle plein de vapeurs et de courbes, Hickox dirige Beethoven, comme en témoigne son intégrale des symphonies avec le Northern Sinfonia, avec la meilleure qualité d'articulation possible.

Ainsi le divin fils parlait au divin Père.
Il se prosterne encore, il attend, il espère,
Mais il renonce et dit : Que votre Volonté
Soit faite et non la mienne et pour l'Eternité.
Une terreur profonde, une angoisse infinie
Redoublent sa torture et sa lente agonie.
Il regarde longtemps, longtemps cherche sans voir.
Comme un marbre de deuil tout le ciel était noir.
La Terre sans clartés, sans astre et sans aurore,
Et sans clartés de l'âme ainsi qu'elle est encore,
Frémissait. — Dans le bois il entendit des pas,
Et puis il vit rôder la torche de Judas.

(Vigny, Le Mont des Oliviers)
Dans une perspective tout à fait opposée à celle de Huber, évidemment (on est à la fin des années 1830, aussi).

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Une décennie, un disque a suscité :

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jeudi 29 août 2019

Rentrée musicale : le grand agenda des concerts de septembre-octobre

Voici la rentrée ! Au terme de 214 spectacles la saison passée et cet été, l'occasion de reprendre la tradition de l'agenda des concerts classiques.

a) Une proposition d'agenda des concerts

J'ai désormais adopté la forme efficace, copiable, exportable du tableur, qui est en permanence disponible à cette adresse ou dans les liens en haut du site « agenda des concerts », en rouge.

Les pépites apparaissent plus tard dans la saison, avec les concerts des conservatoires ou des ensembles semi-pros, amateurs, qui travaillent plutôt pendant l'année scolaire (donc grosse concentration en décembre et au printemps). Les grandes institutions ayant été particulièrement timides en matière de programmation – Opéra de Paris et Philharmonie n'ont pas exagéré leurs efforts en direction de la découverte, du dépaysement, du chef-d'œuvre inconnu – ; il faut donc patienter un peu pour les réels immanquables de la saison. Décembre sera très riche : Isis, Il Pirata, Kniaz Igor, Fortunio, la Missa di Gloria de Puccini, Le Martyre de saint Sébastien, Yes !, le deuxième quatuor de Korngold, Rain Coming, The Ghosts of Versailles… il y aura de quoi s'émerveiller.

b) Lire le tableau

Petit rappel des codes couleur (qui sont seulement les miens personnels, pas de symbolique particulière) :

♦ violet pour les immanquables,
♦ bleu pour les remarquables,
♦ vert pour les tentants.

Avec pour paramètres décroissants la rareté, l'intérêt des œuvres, les interprètes, et bien sûr mon goût personnel (j'attends avec gourmandise Canellakis ou Honeck dans des œuvres pourtant rebattues, et je vais courir réentendre, sans me plaindre, Mahler 3 parce que j'aime particulièrement cette œuvre…).

En jaune, les concerts pour lesquels il faut réserver, ou bien vérifier le programme (pas annoncé, ou œuvres que je n'ai jamais entendues). En rouge, les concerts où j'ai des places à vendre (en générales bonnes et pas chères, ou du moins les meilleures des pas chères).

En principe, plus les concerts sont près du bord gauche, plus ils sont intéressants, sans que ce soit un classement non plus – c'est surtout que j'ai mis les concerts plus banals ou à date multiple davantage à droite, pour ne pas encombrer.

Avec mes excuses pour certaines abréviations (Mzt, Mendel, Bruck, Dvo, Rachma, Btk, Stra, Chosta, Proko sont courants) : malgré la place gagnée grâce au tableur, toutes les informations ne peuvent pas être entrées en toute slettres. Ce ne devrait pas être trop périlleux pour des mélomanes qui connaissent leurs noms des principaux compositeurs et des formes musicales (symph, SQ, QuatPia, etc.), mais je sais que ça complique la lecture. J'ai essayé de conjuguer au maximum concision et lisibilité, mais il s'agit d'une base d'abord à visée personnelle, je ne nie pas qu'il y ait un petit effort à faire pour la lire. Mais d'un autre côté, cela représente des heures de dépouillement de dizaines de salles franciliennes, pour certaines absentes de Cadences ou l'Offi (dont les formats sont à mon sens moins lisibles, notamment en ce qui concerne les œuvres jouées, pas toujours précisées), je me dis que ce peut tout à de même être utile.

c) Présélection

Je n'ai pas finalisé moi-même mes choix, mais j'attire déjà votre attention sur quelques événéments :

¶ Frédéric Goncalves dans un bouquet de mélodies avec clarinette et piano, en français, allemand, anglais, polonais… ;
¶ de la musique de chambre contemporaine accessible à la Cité Internationale des Arts (piano de Fedele…) et au Regard du Cygne (trio de Nigel Keay) ;
¶ chœurs patrimoniaux russes à la Cité de la Musique (c'est complet, il faut surveiller le site et la Bourse) par le chœur de la Chapelle d'État Russe ;
¶ visites de Champs-sur-Marne et du Panthéon chantées par Grégoire Ichou, avec leur lot de sourires et de raretés absolues ;
¶ Ossian vu par Gade et Chansons Écossaises de Beethoven par Insula Orchestra ;
¶ reprise à l'Athénée des États de la Lune de Cyrano par Lazar en prononciation restituée (avec accompagnement de gambe et théorbe) ;
¶ programme de trios élancés et exaltants (les 1 de Mendelssohn, Arenski et Chostakovitch !) à Louis-le-Grand ;
¶ Moby-Dick en musique à la Maison de la Radio (pas d'info sur la composition) ;
¶ gala Bru Zane avec plein de raretés et les artistes maison, au TCE ;
¶ Phèdre, un versant ambitieux et sombre de la production d'Auric, à la MR ;
¶ Richard Cœur de Lion de Grétry mis en scène à Versailles. Pas du tout un chef-d'œuvre musical ni dramatique qui tiendrait au corps, mais le témoignage d'une époque, et un tube qui marqua l'imaginaire, notamment pendant la Révolution (« Ô Richard, ô mon roi, l'univers t'abandonne » était devenu chant de ralliement) ;
¶ le retour de Savall, en feu pour les symphonies de Beethoven en fin de saison dernière, et celui de Bloch (Mahler 7) qui a transfiguré l'orchestre lillois ; Dohnányi dans ses répertoires (Haydn, Brahms, Ligeti).

Il suffit de cliquer ici. Je remets régulièrement à jour au fil des nouvelles informations.

En chasse !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

silenzio :: sans ricochet :: 300 indiscrets

mercredi 21 août 2019

Une décennie, un disque – 1800 – Cartellieri : symphonies au tournant d'un siècle

1800

antonio casimir cartellieri symphonies schmalfuss

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L'entrée en matière tempêtueuse de la Première Symphonie.

    ☼ Je m'aperçois, en complétant mes recherches pour cette notule, que la date de première édition, inscrite sur la publication des Première et Deuxième Symphonies, est de 1793. Les deux autres étant stylistiquement proches, il est probable qu'elle aient aussi été composées dans les années 1790 – les dates de composition exactes des quatres symphonies sont inconnues. Néanmoins, considérant que je souhaitais à la fois éviter de multiplier exagérément les œuvres vocales dans ce parcours (déjà abondantes sur CSS) et m'en tenir à des œuvres considérables, le choix discographique dans la décennie 1800 n'était pas considérable. Cartellieri est de la génération de Beethoven (voire Méhul), et ces symphonies partagent une forme d'ardeur assez étrangère au style classique, même le plus gluckisé. Cartellieri étant mort à 34 ans dans la décennie 1800, je me permets donc cette extrapolation – stylistiquement, il se situe à la confluence, à la fois baigné de ses maîtres et doté de quelques caractéristiques d'avant-garde pour les années 1790. Disque formidable par ailleurs, vous ne me blâmerez pas de ma hardiesse, je crois.

Un peu de contexte : génération 1770
    Antonio Casimir Cartellieri naît à Gdańsk (encore polonaise pour quelques années), d'une mère lettonne au patronyme germain (Mlle Böhm) et d'un père milanais. Il étudie à Berlin et Vienne, fréquente Beethoven d'assez près pour être dans l'orchestre lors de la création de l'Héroïque (au violon) et du Triple Concerto… Ses biographes estiment possible / probable qu'il ait étudié avec Salieri.
    Sa musique est encore de style classique – que ce soit dans ses concertos pour clarinette parents de Mozart et Krommer, mais aussi dans ses finals haydniens de symphonies, ou dans la forme de ses mouvements lents (mélodies accompagnées, variations, part des instruments solistes) comme rapides (développements brefs dans les formes-sonates, assez proche des canons).
    Pourtant il laisse aussi percevoir un sens du contraste et une agitation passionnée qui évoquent, en certains endroits, des propositions de Beethoven (qui n'arriveront, dans le domaine symphonique, que dix à quinze ans plus tard).

Compositeur : Antonio Casimir CARTELLIERI (1772-1807)
Œuvre : 4 Symphonies – à partir des années 1790
Commentaire 1 : La première symphonie, en ut mineur, est à mon sens la plus marquante – la plus enflammée, la moins classique, ou du moins la plus marquée par le classicisme fiévreux du théâtre postgluckiste. Son premier mouvement fait entendre, au sein d'une forme traditionnelle, des fusées descendantes de cordes & bassons comme part thématrique, des sforzando insistants, quelques transitions harmoniques un peu plus romantiques, ou cette incroyable montée & descente en notes répétées, pendant neuf mesures de la fin du premier Allegro.
    Beaucoup de débuts semblent très marqués par Mozart (ou ces unissons des menuets en mineur !), comme celui de la Quatrième, très parent des « Linz » et « Prague », de finals par Haydn, mais pas d'épigone ici, cette musique possède sa saveur propre – celle de la jeunesse ? –, et une qualité mélodique absolument remarquable. Si vous êtes lassés des meilleurs Haydn, Mozart et… Vranický, si vous aimez les symphonies de Méhul… vous devriez être enchantés.

Interprètes : Evergreen Symphony Orchestra, Gernot Schmalfuss
Label : CPO (2012)
Commentaire 2 : L'énergie, la verdeur, la conscience stylistique sont admirables, dans cet enregistrement une fois de plus remarquablement capté par CPO – a fortiori pour un orchestre aussi jeune (2001 !), recruté dans un aussi petit pays (et on peut se figurer qu'il est compliqué pour un orchestre taïwanais de recruter alentour avec l'influence chinoise à l'œuvre), et qui n'est pas du tout spécialisé dans ce répertoire. Le résultat est tout à fait remarquable, au niveau des orchestres européens les plus rompus aux symphonies de cette période.

La fin de la partie de violon I de l'Allegro de la Première Symphonie.

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La qualité mélodique et les solos délectables de l'Adagio de la Première Symphonie

Un peu de contexte : orchestres taïwanais
Le cas des orchestres taïwanais pourrait aisément rejoindre ceux de Berlin, Francfort ou des Pays-Bas, déjà traités dans la série consacrée aux noms & lieux (ambigus) des orchestres. En effet, il existe beaucoup de formations, et aux noms très similaires.

♦ National Taiwan Symphony Orchestra, le plus ancien (1945), sis à Wufeng (les autres, sauf mention contraire, résident à Taipei).
♦ National Symphony Orchestra (1986), celui qui est en résidence à l'Opéra et dans la grande salle de concert, connu par quelques enregistrements à l'étranger sous le nom de Taiwan Philharmonic (d'assez beaux disques du grand répertoire avec Herbig).
♦ National Chinese Orchestra Taiwan (1984), dépendant du Ministère de l'Éducation.
♦ Taipei Chinese Orchestra (1979), dépendant du Ministère de la Culture.
♦ Taipei Century Symphony Orchestra (1968).
♦ Taipei Symphony Orchestra (1969), le second orchestre le plus important, à en juger par ses chefs étrangers et plus prestigieux.
♦ Taipei Philharmonic Orchestra (1985).
♦ Chamber Philharmonic Taipei (2008).
♦ Kaoshiung City Symphony Orchestra (1981), privatisé depuis 2009.

Un peu de contexte : orchestres d'entreprises
L'Evergreen Symphony Orchestra, bien qu'il joue pour large part de la musique traditionnelle orchestrée en version symphonique, ne tire pas son nom de son répertoire mais de la société qui l'a créée, un consortium d'entreprises spécialisées dans la livraison (voire l'hôtellerie). Ce n'est pas un cas unique dans l'île, il existe aussi le Chimei Symphony Orchestra, créé en 2003 par le groupe Chimei, installé dans l'industrie du plastique !

Un peu de contexte : les chefs d'orchestre étrangers à Taïwan
Gernot Schmalfuss, ancien hautbois solo du Philharmonique de Munich, membre de l'excellent ensemble chambriste Consortium Classicum, chef de l'orchestre du Conservatoire R. Strauss de Munich, ancien directeur du Conservatoire de Detmold, fait partie des assez nombreux chefs centre-européens à avoir occupé des fonctions de directeur musical dans les orchestres de Taipei. Car, après les fondateurs locaux, on trouve beaucoup de noms qui ont aussi exercé à des postes assez importants à l'Ouest (on peut supposer qu'il s'agit d'une charge attractive, bien rémunérée et avec des musiciens très compétents) : András Ligeti, Eliahu Inbal (et Fischer-Dieskau Jr) pour le Taipei SO, Günther Herbig pour le Taiwan National SO (Taiwan Philharmonic)…

Complément discographique :
    Les concertos pour clarinette (au nombre de trois, et au moins un double concerto) méritent définitivement le détour, parmi les plus beaux de leur génération – leur élan et leur veine mélodique les placent largement, à mon sens, au niveau de Mozart, Krommer ou Weber (ils ont même ma préférence, je dois dire). C'est par là que Cartellieri a été restitué au public, avant la parution de ces symphonies (chez Gold MDG, que vous ne trouverez pas en dématérialisé).
    Il existe aussi de jolis divertimenti gravés, justement, par le Consortium Classicum (chez CPO) où officiait notre chef du jour, plaisants sans être majeurs, et un oratorio (en italien) consacré à la Nativité (chez Capriccio), qui ne m'a pas paru particulièrement singulier ni saillant. À l'heure actuelle, on attend toujours la remise au théâtre de ses opéras…
    À noter également : un ensemble de trio (piano-cordes) a pris le nom du compositeur, mais n'a pour l'heure rien gravé de lui ! (Pas sûr qu'il en ait composé d'ailleurs, ce n'est vraiment pas la formation reine de ces années-là.) Il existe au moins un disque d'eux, consacré à Turina, Takács et Piazzolla.

… oups :
Alors que cette notule est déjà bien avancée, à force de réécoute du corpus, de plongée dans la partition, je m'aperçois que l'on entend tout de même très bien la veine certes post-Mozart, mais vraiment pré-1800 de ces symphonies. Je suis un peu gêné de l'avoir proposée pour cette décennie. Je me ferai peut-être pardonner en publiant une véritable entrée pour 1800. Ce n'est pas un drame, voilà fort longtemps que je souhaitais distinguer Cartellieri – c'est notule faite.

À bientôt donc pour la suite du parcours !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Une décennie, un disque a suscité :

8 roulades :: sans ricochet :: 531 indiscrets

lundi 12 août 2019

Les plus belles ouvertures de symphonies – II : Sibelius n°5

Débuter une œuvre en étant captivé. C'est parfois à cela que tient l'adhésion ou le dégoût : une fois interpellé, on écoute vraiment.

Sibelius 5

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City of Birmingham Symphony Orchestra
Sakari Oramo (Erato-Warner)
L'une des toutes plus belles intégrales, et particulièrement intéressante pour notre démonstration en raison de ses timbres clairs (on entend parfaitement les entrées de basson, dont le timbre ne se confond pas avec les cors ; les bois translucides et assez acides reproduisent bien une idée de folklore) et de son déhanchement légèrement dansé.

Alors, pourquoi cette symphonie nous saisit d'emblée ?

a) Principaux procédés

¶ L'accord arpégé des quatre cors, très simple, pas tout à fait mélodique mais immédiatement marquant. Il sous-tend tout le passage, et glisse d'un accord à l'autre avec de petits frottements qui induisent de jolies tensions.

¶ L'effet de tuilage avec les bassons (pas phrasés exactement au même endroit que les autres vents), sur un rythme déhanché qui ajoute le mouvement à l'atmosphère enveloppante des cors.

¶ Les interventions des autres bois dans l'aigu, sortes de petits cris folklorisants, qui complètent le tableau.

¶ Le décalage permanent des appuis de la mélodie par rapport au temps métronomique – il serait impossible de battre la mesure à l'instinct, sans avoir lu la partition. À la fois bien pulsé et irrégulier, décalé.

¶ Le roulement de timbales, dont la hauteur conditionne la couleur.

b) Pas à pas

→ 0'00 à 0'11 (mesures 1-2) : Deux cors, puis les deux suivants, aplat de mi bémol majeur. Les deux bassons les rejoignent (dans l'aigu) sur le point d'orgue, apportant une couleur plus sombre, plus chaude. La timbale, qui était sur la dominante (la note de tension, qui appelle la résolution), arrive sur la tonique (la note principale de la gamme et ici de l'accord), mais vers l'aigu, ce qui relâche la tension tout en éclairant la teinte générale. On voit l'effet simultané : le timbre de l'accord se densifie, mais à la fois en s'assombrissant et s'éclairant.

→ 0'12 à 0'19 (mes. 3-4) : séparation des bassons ; premier frottement, puis descente ensemble en tierces, mais le temps tombe sur la note courte (flèches bleues), alors que le poids mélodique (cercles rouges) va sur la note longue. Effet dansant un peu dégingandé. Petits cris des flûtes et hautbois, là aussi décalés par rapport au temps – on pourrait avoir une première note qui lance sur la note tenue (une « levée »), mais ici, elle est précédée d'une autre note moitié plus courte. Effet ornemental, là aussi un peu décalé, boiteux, comme une musique qui cherche encore à se caler. Les cors, derrière, se séparent en laissant un peu frotter les notes intermédiaires. Tout est suspendu (tenues de cor) et tendu à la fois (rythmes, frottements).

→ 0'20 à 0'38 (mes. 5-8) : mêmes phrases aux bassons & cors. Hautbois (et clarinettes qui répondent un ton plus bas) développent un peu le « cri » initial, sur un rythme différent mais qui est lui aussi en décalage avec la mesure (le temps tombe sur une note de passage), ce qui crée un étrange effet de « lancer », de contretemps. Puis développement supplémentaire avec l'ajout de volutes.

→ 0'38 à 0'48 (mes. 9-10) : à nouveau une extension de la partie jouée par flûtes-hautbois (même procédé) puis flûtes seules (encore plus aigu), avec le même procédé – le temps ne tombe pas sur la note qu'on accentuerait, longue et dans l'aigu (et avec le frottement de seconde), mais sur celle qui précède (qui serait en général juste avant le temps), produisant une sorte de double départ, ou d'appui-surprise. Le temps tombe ensuite pendant la tenue de la note longue (syncope). Petite volute des cors et retour du roulement de timbales.

→ 0'48 à 0'59 (mes. 11) : dérivé du même motif, les hautbois en commencent un autre, à nouveau syncopé, mais plus sinueux, qui persiste en se modifiant pendant toute la page suivante, jusqu'à l'entrée réelle dans le mouvement rapide (quoique le tempo demeure identique).

■ Une sorte de grande émergence autour de contenus très simples, donc, progressivement complexifiés, procédé qui se poursuit durant le reste du mouvement. Typiquement du Sibelius… quelque chose d'une forme sonate (thèmes concurrents) dont il ne resterait plus que le développement (les motifs sont immédiatement altérés et transmutés).

Pour écouter librement l'intégralité de la musique sans enfreindre les droits d'auteur, voyez par exemple la version Lahti-Saraste, sur la chaîne officielle du chef ou celle de la Radio de Francfort avec Hugh Wolff, sur la chaîne officielle de l'orchestre.

c) L'envers du miroir

Il existe en réalité plusieurs états de la Cinquième Symphonie, assez différents. La version de 1919, donnée partout, enregistrée des dizaines de fois, est l'une des symphonies les plus souvent jouées de son auteur (la plus, après la Deuxième, il me semble). Mais il ne s'agit que de la seconde révision – écrite en 1914, créée en 1915, remaniée en 1916 puis en 1919.

Il n'existe, à ma connaissance, qu'une seule version discographique témoignant de ces états antérieurs, la version originale de 1914, telle que gravée par Osmo Vänskä (en plus de la Cinquième habituelle, de 1919) avec l'Orchestre Symphonique de Lahti, au sein de son archi-intégrale Sibelius, dont la valeur documentaire est inestimable (et la qualité d'exécution fort satisfaisante).

J'y avais consacré une notule entière (Aux origines : l'autre Cinquième de Sibelius), car il s'agit en réalité d'une tout autre symphonie, développée différemment à partir du même matériau (et en quatre mouvements au lieu de trois).

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Orchestre Symphonique de Lahti,
Osmo Vänskä (BIS)

Le début est particulièrement frappant dans son choix opposé de disposition des motifs : on retrouve bien les aplats de cor suspendus, sur les mêmes harmonies, mais en accords, bien simultanés et non perlés, et on débute d'emblée par les motifs pépiés aux bois (0'03 à 0'07). La figure d'ouverture aux cors apparaît, mais plus tard (1'21-1'30), dans une tonalité plus aiguë, pour faire la transition avec les trémolos de cordes qui lancent le mouvement rapide. Il est d'ailleurs ouvertement parent (réponse à 1'31-1'34) du motif qui ouvre cette partie plus agitée (1'37-1'44, aux cordes au lieu des bois).

Je trouve cet état de la partition tout aussi intéressant (voire davantage), à la vérité, que le définitif auquel nous sommes habitués : le premier mouvement est peut-être un peu moins subtil, le dernier un peu moins majestueux, mais on y gagne aussi des couleurs plus inquiétantes (soudaines « sorties de route » dans un mode mineur très tourmenté, au I et au IV), ainsi qu'un mouvement lent dont les variations sont sensiblement plus nourrissante – davantage de diminutions audibles et d'effets d'orchestration. J'aimerais vraiment pouvoir disposer de la possibilité de la réécouter dans diverses autres versions (Vänskä-Lahti étant dans les autres symphonies pas très mordant ni coloré, quoique tout à fait bien conduit et évocateur).

d) Un mot de discographie

Je profite de cette notule pour un petit mot discographique, dans l'immensité du choix de très grandes interprétations disponibles au disque.

Un peu comme pour Mahler, il est difficile de jouer cette musique aussi bien instrumentalement (vents très sollicités en particulier, dans toutes les tessitures) que solfégiquement – rythmiquement très délicate, tout est tout le temps décalé, et souvent davantage que dans ce début… si chacun ne tient pas parfaitement son couloir ou ne se rattrape pas très proprement, tout le mouvement est mort. Aussi, les orchestres qui peuvent le jouer et l'enregistrer sont en général très aguerris. Ce n'est pas du Haydn, que n'importe quel orchestre peut (mal) jouer – et dont peu parviennent à conserver l'intérêt.
Par ailleurs, il s'agit d'une musique très écrite, dont les effets ne dépendent pas de la juste réalisation musicologique. Ainsi on dispose de beaucoup de très grandes versions (davantage au goût de tel ou tel, bien sûr), et la principales différences qu'on puisse établir d'une version à l'autre résident dans la clarté de la structure, les couleurs propres à chaque orchestre (Sibelius les met toujours très en évidence), l'animation générale, et la lisibilité des plans (pour laquelle la prise de son joue un rôle considérable). Beaucoup de subjectivité et peu de contrastes spectaculaires par rapport à d'autres répertoires, sans doute.

Je recommande donc Rattle-Berlin (transparence incroyable, sens de la danse), Ashkenazy-Philharmonia (sens du discours ; la version avec le Royal de Stockholm est très bien aussi), Oramo-Birmingham (couleurs), Maazel-Pittsburgh (netteté d'articulation), Storgårds-BBCPO (couleurs, aération de la prise de son), Segerstam-Helsinki, P.Järvi-Paris… Je n'ai plus de souvenirs précis de Sanderling-Konzerthaus (Berliner Sinfonieorchester), Saraste-Radio Finlandaise, Elder-Hallé (prise de son incroyablement flatteuse), Bernstein-NYP (son un peu gris, tout est dans le grain et le discours, fabuleux), Maazel-Vienne (tranchant)… mais ce sont des intégrales très marquantes, je me figure que leur n°5 devait être très bien !

Beau parcours à vous dans cet univers… en attendant la prochaine livraison de la série – d'un compositeur né la même année, mais pas forcément l'œuvre à laquelle on s'attendrait.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Domaine symphonique a suscité :

2 roulades :: sans ricochet :: 506 indiscrets

vendredi 2 août 2019

2019-2020 : opéras à découvrir en France et en Europe

Sans reprendre l'ambitieux parcours (que j'avais cependant beaucoup aimé constituer) autour des opéras rares donnés dans le monde, et présentés un par un (saison 2017-2018), car il y a d'autres séries à achever (une décennie un disque, débuts de symphonie…), voici une petite sélection de titres qui donnent envie de se déplacer.

opéras à l'étranger et en province 2019 2020 illustration

Cliquer sur l'image permet d'ouvrir le tableau.

a) Organisation

Quelques remarques méthodologiques :

♦ Contrairement à la précédente instance, je n'ai pas cherché à donner un panorama de tout ce qui était donné hors de l'ordinaire ; j'ai effectué une sélection personnelle de ce qui me paraissait – à moi – tentant. On y retrouve tout de même l'essentiel des titres rarement donnés, mais je n'y ai pas inclus les titres pour lesquels le voyage me semblait moins justifié : œuvres courtes (je suis fan du Maestro di cappella de Cimarosa, mais 20 minutes de musique…), légères (beaucoup de petits Offenbach), contemporains inconnus de moi, Philip Glass. J'admets que ce soit moins intéressant que le vrai panorama, mais il existe une différence significative en temps : voyez-le comme un recueil de conseils pour aller voir quelque chose, plutôt qu'en tant que document encyclopédique sur l'état de la programmation mondiale.

♦ Il a fallu effectuer un classement : j'ai choisi celui qui fait le plus sens pour moi, par langue puis par ordre chronologique approximatif des compositeurs. En accédant au tableau, vous pourrez effectuer votre propre classement par compositeur, ville, pays… selon vos priorités.

♦ Je tiens à préciser qu'étant issu d'un recensement à but personnel, vous trouverez des incohérences : j'ai relevé des dates à Tel-Aviv et Montevideo alors qu'il ne s'agit supposément que d'Europe, ajouté quelques opéras (Clemenza di Tito, Pikovaya Dama) très régulièrement donnés mais que j'ai envie de revoir cette saison… Je ne les ai pas retirés du relevé, ça n'y retranche rien. Mais je suis conscient de ces distorsions, oui.

♦ À cela s'ajoute que beaucoup de saisons n'ont pas encore paru sur mes radars (notamment aux Pays-Bas, en Europe Centrale…), et que je n'ai évidemment pas pu tout surveiller et relever. Beaucoup de petites pièces (théâtres secondaires moscovites !), notamment pour enfants ou à destination locales, ont ainsi dû, hélas, m'échapper.

b) Quelques immanquables

Dans la vastitude de la proposition, quelques pistes (en gras, en rouge).

Nadia Boulanger, La Ville morte, Göteborg.
Très grande compositrice, éclipsée par le destin tragique de sa petite sœur Lili – et arrêtant la composition à sa mort –, elle a laissé un opéra. Non pas d'après Rodenbach mais d'après D'Annunzio (hé oui), elle achève en réalité l'œuvre de Raoul Pugno (qui nous est resté comme compositeur de plaisantes mélodies). On ne dispose pas d'enregistrement, ce sera une grande découverte.

… j'ai finalement fait le choix d'inclure, pour plus de clarté, de brefs commentaires directement en face des titres. En sélectionnant la case, le texte apparaît dans la barre du haut (et en double-cliquant, il apparaît en entier).

Évidemment, je suis très tenté par les opéras contemporains tchèques, lituaniens, lettons, grecs ou hongrois (toute une série en janvier-février à Budapest !) que je ne connais pas !

c) Tableau

L'original, qui comporte davantage de colonnes (dont les pays et commentaires !), qui peut être importé dans votre propre tableur et sera potentiellement complété, figure ici.

Suite de la notule.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2019-2020 a suscité :

14 roulades :: sans ricochet :: 1354 indiscrets

mardi 30 juillet 2019

Les plus beaux débuts de symphonies – I : van Gilse n°2

Débuter une œuvre en étant captivé. C'est parfois à cela que tient l'adhésion ou le dégoût : une fois interpellé, on écoute vraiment.

Très jolie idée du chef (et carnettiste) Kenneth Woods, que je reprends à mon compte (grâce à la veille de Frédérique Reibell, merci !). J'approuve au demeurant certains de ses choix – Mozart 29 et Elgar 1, quoique pas les plus grandes symphonies jamais écrites, restent, assurément, tout à fait saisissantes dès leur premier instant ! –, que je réinvestirai peut-être à mon tour.

Contrairement à lui en revanche, j'envisage plutôt de le proposer les extraits un à un, sous forme de série… Comme je n'ai pas encore décidé le temps qu'elle durera, autant commencer plutôt par celles que j'aime le plus, sans prétendre, bien sûr, établir un classement.

(J'avais songé à proposer les plus belles fins de symphonie, mais ce qui me vient spontanément est finalement très conventionnel : Mozart 41, Beethoven 2-3-5-7, Schumann 2-4, Mendelssohn 4-5, Tchaïkovski 3-5, Brahms 1-4, Mahler 1-2-3-7-8-9, van Gilse 3, Chtcherbatchov 2, Chostakovitch 5… Peu de découvertes en perspective. Par ailleurs les ressorts sont souvent les mêmes : tension, volume, progression, grandiose… les débuts sont plus variés.)

Van Gilse 2

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Premier mouvement.
Orchestre Symphonique des Pays-Bas
(contre toute logique sis à Enschede),
David Porcelijn

a) Pas à pas

Quelle est la recette de ce début merveilleux ?

→ 0'00 à 0'09 : basson seul, sur un thème assez simple, ascendant, suspendu, interrogatif. Petit fond de timbales avec baguettes douces, très discret, pour un peu de tension et d'intimité.
→ 0'10 à 0'18 : même thème, mais par les deux bassons et les deux clarinettes, avec du contrechant, plus d'épaisseur, et la clarté des clarinettes. On s'habitude au thème, qui a déjà changé d'aspect rien que par l'instrumentation.
→ 0'19-0'28 : le hautbois apparaît, comme un rai de lumière (on retrouve cet effet dans la variation pour les vents du final de l'Héroïque, ou pour l'entrée d'Arabella), en prolongeant le thème, en deux parties comme dans les symphonies classiques (question-réponse). Mais sa fin n'est pas résolue, remonte en question, et on enchaîne.
→ 0'29-0'35 : entrée de la trompette piano, qui repose la fin de la question.
→ 0'35-0'49 : récapitulation du thème des 18 premières secondes, au cor, soutenu par un trémolo de cordes (l'archet bouge très vite sur une même note répétée). La trompette pendant ce temps continue de jouer et glisse sur des notes conjointes, en mouvement contraire (descendant), comme dans les tuilages des symphonies de Mahler.
→ 0'49-0'57 : petite transition descendante du hautbois + clarinettes-bassons, tandis que le cor reproduit un morceau du mouvement ascendant du thème.
→ 0'57-1'04 : appoggiature (petit retard harmonique, léger frottement qui fait attendre l'accord qui « sonne bien ») des cors, clarinette solo qui reste dans l'esprit du thème, entrée des cordes en soutien en accord.
→ 1'04-1'36 : sur trémolos de cordes, le basson reprend la première partie du thème, puis un écho d'attente (pas vraiment la suite du thème, mais dans le même esprit) lorsqu'il est progressivement rejoint par le second basson, les deux clarinettes, l'ensemble du pupitre de bois (avec timbales) dans un halo.
→ 1'37 : début du mouvement rapide, lancé par la clarinette agile et volubile, avec des cordes en contrepoint, qui évolue dans une atmosphère sonore plus martiale, sorte de marche lyrique plus proche de R. Strauss (et Borgstrøm).

L'entrée lumineuse du hautbois (sur une équivoque harmonique) qui précède Arabella dans l'opéra homonyme.

b) Pourquoi ?

Pourquoi ce début est-il saisissant / émouvant ?

Je vois plusieurs raisons :

∆ Il est d'abord fondé sur un motif très simple, facilement identifiable. Une mélodie diatonique (sans altérations de la gamme traditionnelle), familière, qui entre immédiatement dans l'oreille.

∆ La structure de cette minute et demie est très simple, et tourne autour du même matériau unique, de plus très court. Elle empile progressivement tout l'orchestre à partir de solos de plus en plus étoffés, de changements de pupitres pour énoncer le thème : on est ainsi immédiatement baigné dans la matière mélodique de l'œuvre, sans avoir besoin de chercher à repérer le thème dissimulé quelque part au bout de la cinquième minute et énoncé par une voix intermédiaire.

∆ La forme très brève, en question (la mélodie remonte, sans se poser), et la façon de réutiliser la matière de départ sans toujours la reformuler de façon identique (plein de bouts parents ou altérés du motif circulent dans cette introduction), en ajoutant des contrechants, en changeant les alliages, évitent la lassitude du thème qu'on martèle.

Immédiatement saisi, facilement intéressé, lisible mais jamais identique, sophistiqué sans ostentation : pour moi l'un des plus beaux débuts de toute la littérature symphonique.

Sachez qu'il existe une notule entièrement consacrée à l'œuvre de Jan van Gilse.

Sentez-vous très libres de nommer vos propres chouchous !

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Domaine symphonique a suscité :

13 roulades :: sans ricochet :: 806 indiscrets

lundi 29 juillet 2019

Survivre en août à Paris

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La feuille de suggestions restait assez vide, on m'en a un peu fait grief… Aussi, après avoir gratté à peu près tout ce qui existe en concerts classiques (et quelques suggestion jazz – beaucoup de gratuites), vous obtiendrez tout de même de quoi sortir tous les jours à Paris. Ce n'est pas le luxe habituel des plus grands interprètes internationaux dans des programmes (parfois) originaux, et il ne faut pas espérer trop de symphonique ou d'opéra, mais pour les amateurs de musique, voici l'agenda mis à jour, également accessible en permanence par le lien en haut du site.

Je rappelle le principe : les dates vers la gauche sont en principes les plus intéressantes, ou celles qui ne passent qu'une fois. En violet les immanquables, en bleu les choses très tentantes (interprètes, œuvres, concept, c'est selon), en vert ce qui mérite peut-être un détour.

On trouve principalement :
♦ Classique au Vert au Parc Floral de Vincennes (chambre, orchestre, cross over un peu exigeant, beau programme très varié) ;
♦ des concerts choraux à la Madeleine (ensembles anglais ou américains, souvent de jeunes gens en tournée estivale, de bon niveau en général mais c'est en semaine à 16h, il faut être en vacances ou prendre son après-midi…) ;
♦ les chœurs russes, corses, bulgares à Saint-Louis-en-l'Île (j'ai testé le chœur de filles du Conservatoire de Saint-Petersbourg, c'est suffocant de beauté), ainsi que d'autres formats que je n'ai pas tous inclus dans le fichier (duos baroques italiens, Requiem de Mozart, trompette & orgue…) ;
♦ de la musique de chambre à Saint-Merry ;
♦ des auditions d'orgue à Saint-Eustache (toujours très haut niveau, et programmes plutôt originaux), la Madeleine (acoustique difficile si l'organiste ne registre pas finement), Saint-Germain-en-Laye, Mantes-la-Jolie (mais l'orgue n'est vraiment pas beau) ;
♦ du piano (programmes essentiellement Beethoven-Chopin) à Sainte-Croix-des-Arméniens, Saint-Ephrem, Saint-Julien-le-Pauvre (en raison des programmes très tradis, je n'ai pas relevé les dates des deux derniers, mais il y en a beaucoup) ;
♦ des concerts des Quatre Saisons et du Canon de Pachelbel (bien joués du reste) à la Sainte-Chapelle et à Saint-Germain-des-Prés, que je n'ai pas relevés ;
♦ du jazz de la meilleure farine au Sunside (concerts gratuits les dimanches et lundis !) et au Duc des Lombards (j'ai relevé toutes les dates d'ouverture d'août pour ce dernier) ;
♦ et quelques événements épars à la Cité Internationale des Arts, l'Église Américaine de Paris, la Maison Heinrich Heine…

La plupart de ces concerts sont au chapeau, quelquefois gratuits. Ce sont les concerts plus touristiques que je n'ai pas relevés (Quatre Saison, piano mainstream) qui sont payants en général (dans les 20-25€), ainsi que ceux de la Toison d'Art à Saint-Louis.

Après cela, il ne reste plus rien sur mon radar. Et impossible de trouver quoi que ce soit extra muros, hors l'orgue à Mantes ou en Laye – même le Parc Floral de Vincennes dépend en réalité du XIIe arrondissement de Paris !
Il reste alors à finir les expositions, profiter des bibliothèques vides, partir à la chasse aux églises ouvertes, courir dans les bois jusqu'à la nuit tombée au milieu des sangliers, selon les goûts de chacun – je n'impose rien.

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2018-2019 a suscité :

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dimanche 21 juillet 2019

Une décennie, un disque – 1790 – Gossec : Valmy ou Le Triomphe de la République

1790

gossec le triomphe de la république diego fasolis

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Laurette et Thomas entraînent toute l'assistance dans leur chanson patriotique (et quand même surtout à boire).

☼ Déjà souvent mentionné dans ces pages, mais jamais commenté en détail, ce bijou irrésistible m'accompagne à chaque élection – quel que soit le résultat, je fais sonner Le Triomphe de la République. Parce qu'il est toujours bon de se rappeler ses privilèges de citoyen libre, dans un monde où ils ne sont pas majoritaires ; mais aussi (d'abord ?), il faut bien l'avouer, parce que toutes les occasions sont bonnes pour se blottir les oreilles dans ce petit concentré de jubilations diverses.

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Étonnant hymne au soleil pour trois voix a cappella (avec quelques ponctuations de basson).
(On rencontre le même procédé plus loin pour la grâce faite aux ennemis vaincus.)

Compositeur : François-Joseph GOSSEC (1734-1826)
Œuvre : Le Triomphe de la République ou le Camp de Grand-Pré (1792)
Commentaire 1 : Cet oratorio profane célèbre la victoire de Valmy (titres provisoires : Le Triomphe de la Liberté, La Trêve interrompue). Des militaires y racontent le combat, des villageois viennent faire des danses de fraternité avec les ennemis vaincus (les adversaires sont des hommes victimes des tyrans) ; domine surtout une couleur locale folklorique, des airs à danser et des chansons à boire, des hymnes (au soleil !)… entrecoupé de quelques récitatifs issus du grand genre tragique (l'annonce de la victoire par le Maire, le récit figuratif du Général, la bénédiction de la Déesse de la Liberté), et épousant de très près les images convoquées dans le discours (nombreux coups de canon – l'Ouverture figure même, par des fusées descendantes, la fuite des ennemis !).
Ce qui devrait être une grande foire se trouve sublimé par la plume de Gossec, qui fait de chaque récit un moment de bravoure, de chaque danse un tube irrésistible. Il pousse particulièrement loin l'inclusion de la veine folklorique à la veine épique – ce qui est quasiment la seule caractéristique musicale propre à la Révolution Française. La joie incantatoire qui se dégage de cette œuvre pourtant très didactique (jusque dans la dramaturgie : Laurent et Thomas passent cinq minutes à expliquer pourquoi ils sont là, comment ils ont écrit les couplets, par quel artifice ils connaissent par cœur une chanson alors que la bataille est à peine finie… la vraisemblance à son degré ultime et fastidieux) surprend par sa force immédiate de persuasion : chaque section est à la fois très individualisée (avec sa couleur propre au sujet de chaque danse, hymne, récit) et façonnée d'un soin mélodique, baignée d'une lumière… intense.
Une des œuvres les plus densément gaies que je connaisse. Et l'on pourrait s'arrêter sur la quadrature du cercle de chaque numéro, tous sont à la fois immédiatement séduisants et très finement écrits. Cet assemblage hétéroclite (certaines portions sont d'ailleurs tirées de compositions antérieures) ne ressemble à rien d'autre, ni aux tragédies, ni aux opéras comiques, ni aux cantates peu dramatiques, ni aux oratorios, ni même aux opéras de la période révolutionnaires, plus souples. Ce serait le Tarare de la musique de circonstance, en quelque sorte – mais dans un style plus champêtre-sautillant que dramatique-explosif.

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Divertissement final d'un opéra mythologique ou air de guerre ?
Interprètes : Salomé Haller (Laurette), Antonella Balducci (Déesse de la Liberté), Guillemette Laurens (Aide-de-Camp), Makato Sakurada (Thomas), Claudio Danuser (Général), Philippe Huttenlocher (Vieillard), Arnaud Marzorati (Maire) ; Chœur de la Radio Suisse Italienne de Lugano, Coro Calicantus, I Barocchisti, Diego FASOLIS
Label : Chaconne, la déclinaison baroque de Chandos (2006, enregistrement 2002-2005)
Commentaire 2 : Il n'existe qu'une seule version de l'œuvre ; les Arts Florissants l'ont donnée à l'occasion du Bicentenaire de la Révolution, avec beaucoup d'autres pièces de circonstance de Gossec ou Méhul, mais cela n'a jamais été publié.
Ce qu'en font I Barocchisti tire le meilleur parti de l'œuvre : l'orchestre est d'une grande vivacité (sans ce sens vigoureux de la danse, tout s'effondrerait probablement), les chanteurs tous pénétrés de la circonstance et très engagés. La saveur étrange de Guillemette Laurens et l'éloquence limpide de Salomé Haller sont tout particulièrement délectables, mais même ceux qui ont davantage de difficulté avec l'accent français le disent avec beaucoup de conviction et sans grimacer.
Une aussi belle exécution pour une œuvre aussi singulière et roborative, voilà qui concourt à un disque de l'île déserte – ou en tout cas, compatible avec chaque célébration, chaque élection. Ce que je ne me prive pas de faire, et puis vous inviter, si vous aimez la danse, à accourir tous, boire du vin de France et danser avec nous.

gossec le triomphe de la république brunswick

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La bénédiction de la Déesse de la Liberté.

Un peu de contexte 1 : le style révolutionnaire
    Une notule entière tente d'expliciter pourquoi – pour des raisons liées à la fois à la nature de cet art, et à l'Histoire elle-même – il n'a pas existé à proprement parler de style révolutionnaire en musique. J'aurais tendance à nuancer mon propos désormais, dans la mesure où les chansons populaires y occupent tout de même une place telle que la hiérarchie des genres s'y trouve profondément brouillée, et où la veine mélodique et rythmique s'ajustent grandement au fil des années 1790.
    Mais il est vrai que cette musique ne diffère en rien fondamentalement de celles des 1780, et que la documentation discographique dont nous disposons ne permet pas réellement de juger finement de ces changements sur un vaste corpus. (Les partitions, du fait de leur courte durée de vie – œuvres de circonstance, et de toute façon changements rapides de régime –, sont difficilement accessibles pour la plupart, à moins d'être chercheur.)
    Toutefois, s'il existe une œuvre parangon d'un hypothétique style révolutionnaire, c'est bien ce Triomphe de la République : langage postgluckiste mais libéré de sa gangue hiératique, quantité de chansons et danses populaires… Et bien sûr ce livret pompeux de Marie-Joseph Chénier, un délice d'outrances matamores servies au fil de farandoles guillerettes – et de protestations d'amitié entre les peuples.

Un peu de contexte 2 : Gossec
    Contemporain de Haydn, Gossec est déjà un homme mûr lorsque sa carrière s'épanouit dans les années 1770 – Sabinus, sa première tragédie en musique, date de 1773, et manifeste déjà le style dit « gluckiste » avant même la présentation du premier ouvrage de Gluck à Paris ! (ce qui soulève beaucoup de questions) Directeur général de l'Opéra à partir de 1782, Gossec dont le Te Deum de 1779 avait été très remarqué… est adopté par la Révolution comme le grand musicien des cérémonies officielles – il écrit même un autre Te Deum pour la Fête de la Fédération (!) du 14 juillet 1790, puis la première orchestration de la Marseillaise en 1792 (sous une forme dramatisée appelée Offrande à la Liberté, une cantate incluant d'autres numéros). Son grand âge lui permet de connaître également la Restauration, sous laquelle il achève sa carrière… avec un Te Deum (1817).
    Ses symphonies, inhabituellement fouillées et polyphoniques (telle la célèbre « Symphonie à 17 parties » de 1809), marquent aussi un tournant du genre vers une substance musicale supérieure (et ton plus sérieux / romantisant) – comme pour sa Messe des morts de 1760, beaucoup plus sombre et « subjective » que ses équivalents contemporains (qui n'hésitaient pas à écrire de jolis Requiem en majeur avec des sections sautillantes comme du seria). En somme un très grand représentant de tous les genres, même si ses Quatuors ne marquent pas une rupture aussi nette que dans les autres domaines.

Un peu de contexte 3 : une commande
    C'est ainsi tout naturellement qu'à l'occasion de la victoire de Valmy, le choix du compositeur de la célébration se porte sur Gossec, pour un divertissement lyrique destiné à être joué sur la scène de l'Opéra. Côté livret, c'est Chénier cadet (Marie-Joseph) qui est mandaté ; il est passé de mode aujourd'hui – il faut dire qu'il survit, le vilain, à la période –, mais il était alors une figure proéminente. Politique d'abord : membre du Club des Cordeliers (celui de Marat, Danton, Desmoulin, Fabre d'Églantine, Laclos… farouchement contre la royauté), député votant la mort du roi. Littéraire ensuite : outre des épîtres en vers et autres textes engagés, on lui doit beaucoup de pièces historiques à visée émancipatrice / édifiante, souvent en délicatesse avec la censure : sous l'Ancien Régime avec Charles IX ou la Saint-Barthélémy (autorisé seulement à l'automne 1789), Caïus Gracchus (1792, interdite – « Des lois, et non du sang ! » fut lu comme une critique envers le nouveau pouvoir), et toutes sortes de sujets très connotés « Lumières » — Brutus et Cassius, Jean Calas, Fénelon… Ainsi que diverses tentatives d'adaptation de la tragédie grecque (Œdipe-Roi, Œdipe à Colone) ou de Shakespeare (Brutus & Cassius, précisément) au patron de la tragédie (néo)classique.
    Ce parcours, malgré les controverses qui l'entourent, laisse figurer la facilité avec laquelle le poète a pu se couleur dans l'exercice d'un divertissement idéologique de commande, en faveur des vainqueurs de Valmy.
    Seulement dix représentations, l'accueil critique fut un peu dépité eu égard aux noms engagés et aux promesses faites, mais le public (à cause de l'œuvre, de l'exaltation de la victoire ou de la pression sociale, je n'en sais rien, il existe sans doute de la documentation plus approfondie sur ce sujet) très chaleureux.

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Le très-primesautier « Mort, frappez les rois d'épouvante ! ».

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Une décennie, un disque a suscité :

2 roulades :: sans ricochet :: 383 indiscrets

samedi 13 juillet 2019

Saison 2018-2019 : remise des prix symphoniques, chambristes, solistes

La notule a été complétée : vous pouvez désormais retrouver la rétrospective de ces autres grands moments (en attendant l'oratorio, le lied, et bien sûr les salutations de productions, d'artistes…).

e) Musique symphonique

♥♥ Sibelius 2 par l'orchestre Ut Cinquième, direction William Le Sage. Dans une église insupportablement glaciale (10°C, pas plus), la plus grande interprétation que j'aie entendue de cette symphonies. Bien qu'ensemble amateur, on est saisi par l'aisance et l'aplomb incroyable de cette formation, le plaisir évident de jouer aussi. William Le Sage (alors encore étudiant en direction au CNSM, il vient d'obtenir son prix il y a deux semaines !) parvient avec eux à sculpter la structure élusive des symphonies sibéliennes : l'impression de comprendre, comme jamais, les transmutations de la matière thématique, et avec quel relief et quelle gourmandise. Une expérience d'orchestre où les musiciens vous donnent l'impression de connaître si bien la composition que vous auriez pu l'écrire, un de ces voyages qui peuvent marquer une vie de mélomane.

♥♥ Star Wars IV,V,VI,VII par l'ONDIF : musique géniale, du niveau des grands Wagner (en tout cas les IV & V), une forêt de leitmotive incroyables, habituellement couverts par les dialogues et bruitages, qui peuvent enfin, en condition de concert, s'épanouir (on entend mal sur les disques, qui ne sont d'ailleurs pas complets, et qui souffrent de manquer de l'ancrage de l'image évidemment, comme du Wagner écouté en fond…). A fortiori avec l'investissement toujours exceptionnel de l'ONDIF, qui n'a d'ailleurs rien mis à côté dans ces courses très intenses (où il faut absolument tenir le tempo) et malgré des traits d'orchestre absolument redoutables (et très exposés). Incroyablement jubilatoire en termes de musique pure, même indépendamment de l'intérêt des films.

♥ Mendelssohn 3 par l'OCP et Boyd : À la fois charnue et acérée, la lecture la plus complète que je n'aurais pu rêver de cette symphonie… je découvre au moment de son départ que, tout en sobriété et finesse, Boyd est un très grand chef. Et l'engagement de l'OCP, comme d'habitude, combiné à leur hallucinant niveau individuel, a battu à plates coutures toutes mes références discographiques (Vienne-Dohnányi, HerasCasado-FreiburgerBO, Fey-Heidelberg…), émotionsubmergeante.

♥ Bruckner 6 par l'OPRF et Chung (que j'entendais diriger pour la première fois, étrangement !). Je tenais la symphonie pour la plus faible de Bruckner – la seule que je n'aime pas vraiment, avec la 8 –, et j'ai au contraire été absolument passionné de bout en bout par cette lecture peut-être facialement traditionnelle, mais qui empoigne le matériau avec une telle intensité, une telle qualité d'articulation, que tout paraît, pour une musique aussi formelle et abstraite, incroyablement présent.

♥ Polaris de Thomas Adès (Orchestre de Paris, Harding), pièce contemporaine au sujet astral, qui exploite l'espace d'une salle de concert de la façon la plus persuasive et agréable. Ce ne doit pas être très opérant au disque, mais c'est un ravissement en contexte.

♥ Chostakovitch 5 par Toulouse et Sokhiev : Après avoir vénéré Chostakovitch et puis (très rare cas en ce qui me concerne) avoir réévalué mon intérêt sensiblement à la baisse ; après une mauvaise expérience en salle de cette symphonie (OPRF / Kuokman, vraiment pas un bon soir), l'une des rares que j'aime vraiment chez lui (avec la 10)… une révélation. Lecture ronde mais dense et intense, portée par l'engagement toujours sans faille de l'orchestre. La lumière douce et aveuglante à la fois du Largo m'a terrassé.

Quelques autres grandes expériences, comme le Beethoven (1,2,4) totalement ravivé et jubilatoire du Concert des Nations, ou Mendelssohn 4 & Schumann 2 par Leipzig (quel orchestre somptueux, charpenté à l'allemande mais d'une rare chaleur).

f) Musique de chambre

♥♥ Le Cuarteto Quiroga, mon chouchou de tous les quatuors en activité, dans un incroyable programme Turina (Oración del Torero), Ginastera 1, Helffter (Ocho Tientos), Chostakovitch 8 ! La fine acidité fruité du son, le feu, la lisibilité sont poussés à des degrés inégalés dans des pièces dont la rareté n'a d'égale que la richesse (les modulations de Turina, les danses folles de Ginastera…).

♥ Quintette piano-cordes de Jean Cras (Sine Nomine, Ferey). Farci de folklore breton et de chants de marins, mais d'une sophistication digne de son goût postdebussyste, une œuvre considérable, rarissime au concert (il s'agissait de célébrer la parution d'un second enregistrement de ce quintette).

♥ Trios piano-cordes de Mmes Mendelssohn-Hensel, Wieck-Schumannk, Reverdy et K.M. Murphy par le Trio Sōra (là aussi, dans le tout petit groupe des meilleurs trios du monde, avec avec les Zadig, les Grieg et les ATOS…). Œuvres de grand intérêt, de véritables bijoux structurés avec sérieux et mélodiques avec générosité, servies avec l'évidence de ces artistes de haute volée (qui font sonner, sans exagérer, Kagel comme s'il était aussi accessible et génial que Mozart).

♥ Réentendre, à deux ans d'intervalle (!) l'immense Quintette piano-cordes de Koechlin, cette fois par Léo Marillier et ses spectaculaires amis. Un des sommets de toute la musique de chambre.

♥ Mouvements tirés de Haydn 72-2, Schubert 14, Grieg, Fauré, et deux quatuors de Brahms (3, par les Voce) Leilei (figuralismes d'arbre) par les étudiants du Quatuor Voce dans le 93 (CRR Aubervilliers, CRD Courneuve, CRM Fontaine-sous-Bois…). Niveau quasiment professionnel, même pour les quatuors issus de conservatoires municipaux, une homogénéité de son, une aisance, et même une réelle maturité musicale… Les présents (très peu nombreux dans la Mairie du IVe) furent très impressionnés. Un vrai moment intime et très intense de musique de chambre.

♥ Sonates anglaises violon-clavecin (rien que des opus 1 !) du premier XVIIIe, d'Eccles, Stanley, Shield, Gibbs, Festing… par Martin Davids & Davitt Moroney. Outre les talents exceptionnels de conteur (et en français !) de Moroney, très surpris par l'intérêt de ce répertoire (étant peu friand de musique de chambre baroque, en général surtout décorative), et découverte de Martin Davids, un violoniste qui joue avec la même facilité que s'il traçait négligemment un trait de crayon dans le spectre sonore…

♥ Pièces avec flûte, notamment de Rolande Falcinelli. Découverte de la compositrice, encore une figure, comme Henriette Puig-Roget par exemple, qui représente avec beaucoup de valeur la succession de la grande tradition française du début du XXe, et que le disque, les concerts ont totalement occultée.

Et quantité d'autres grandes aventures… les Quatuors de Gasmann et Pleyel sur instruments d'époque (Quatuor Pleyel), l'arrangement de la Symphonie 104 de Haydn pour Quintette flûte-cordes, un après-midi consacré à Louis Aubert par Stéphanie Moraly, la Première Symphonie de Mendelssohn pour violon, violoncelle (Quatuor Akilone) et piano quatre mains, le même Turina pour quatre guitares, l'intégrale des Trios de Brahms par Capuçon-Moreau-Angelich, le beau quatuor de Jean-Paul Dessy (Quatuor Tana), du clavecin à quatre mains (avec même au menu Saint-Saëns et Dvořák !)… bombance !

g) Musique solo

♥♥ Franck, Saint-Saëns, Samuel Rousseau, Tournemire, Demessieux à la Madeleine par Matthew Searles. Quel programme de raretés ! Et exécutées avec une grande générosité, malgré l'instrument et l'acoustique vraiment difficiles. Les improvisations transcrites de Tournemire vous foudroient par l'ampleur des possibles qui s'ouvraient instantément sous les doigts de l'auteur des Préludes-Poèmes (on est plutôt dans cet esprit très complet, virtuose et nourrissant que dans les contemplations poétiques grégoriennes de l'Orgue Mystique).
Pas vu beaucoup de récitals d'orgue de cet intérêt et aussi bien soutenus !

♥♥ Boyvin, Marchand & Bach sur le tout jeune orgue de Saint-Gilles d'Étampes (2018 !). Les deux Français splendides… en particulier Boyvin, lyrisme d'opéra si prégnant transposé (mais sans creux, répétitions ni longueurs, contrairement aux transcriptions d'opéras réels) dans le langage organistique. Si peu documenté au disque, et si persuasif.

♥ Bach, Intégrale des Sonates & Partitas pour violon, Isabelle Faust. Comme le disque en témoigne, l'équilibre absolu entre les traditions, ni épaisseur du trait ni acidité du timbre, le meilleur de tous les mondes à la fois, tout en sobriété.

♥ Beethoven, Sonates 6-14-16-31 par Daniel Barenboim. Autant j'ai de très grandes réserves sur le chef, autant le pianiste m'intéresse toujours. On pourrait trouver des petits jeunes encore plus fiables, mais il demeure bien préparé et très bien articulé comme toujours. Si ce concert m'a marqué (et davantage que celui avec les 7,13,21), c'est que j'ai redécouvert à l'occasion les sonates 6 et 16, de formidables bijoux d'invention qui ne m'avaient jamais autant frappé au disque.

Moi qui n'avais vu qu'un seul récital de piano solo en dix ans de concerts parisiens (et encore, un concert uniquement constitué de transcriptions d'opéras, d'oratorios et de symphonies par les élèves en direction de chant d'Erika Guiomar !), je les ai multipliés cette saison, avec la confirmation de l'évidence que les plus célèbres, même les artistes sérieux décantés par la carrière, ne sont pas nécessairement les plus intéressants.
Barenboim a tenu son rang, mais Pollini dépassé par des programmes que son âge ne lui permettent plus d'assumer, ou Zimerman excellent (mais pas virtuose ou singulier au point d'accéder aux demandes invraisemblables qu'il adresse à la Philharmonie pour accepter de venir) n'ont pas été mes plus grands moments d'éblouissement. Très agréable néanmoins, et belle expérience d'entendre tout ce monde en vrai, de se faire une représentation de la réalité de leur son (pareil pour Martha Argerich, que j'entendais pour la seconde fois – elle ne m'a pas déçu, absolument splendide et habitée dans le Concerto de Schumann, en revanche sa supériorité absolue me paraît une vue de l'esprit).

Ce billet, écrit à par DavidLeMarrec dans la catégorie Saison 2018-2019 a suscité :

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David Le Marrec

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