Carnets sur sol

Peu à dire sur la mise en scène d'Olivier Py, dont on retrouve la fascination pour les armatures métalliques. C'est une mise en scène fonctionnelle et efficace, qui remplit agréablement l'espace : le début du premier tableau, avec sa lanterne magique qui se transforme, lever de rideau aidant, en tableau vivant, est particulièrement réussi. La machinerie est utilisée de façon spectaculaire et virtuose, nous faisant au sein d'un même tableau, par des changements à vue, passer d'un côté à l'autre d'une grand-place, changeant notre point de vue, nous faisant pénétrer dans les bâtiments, etc. (voir en particulier le deuxième tableau)

Elle reste assez littérale et lisible, bien que les manques du livret ne soient pas très efficacement complétés et que le mélange des époques ne facilite pas trop le repérage pour les primo-écoutants. Tout cela peut laisser des contradictions qui fleurent plus l'ébauche que la richesse.

Le gros reproche qu'on fera est celui qu'on a partout lu. Evidemment que Hindemith ne pouvait que penser aux nazis pendant qu'il écrivait Mathis. Mais résumer ainsi le propos politique de l'oeuvre à une opposition entre prolétaires communisants et autodaféistes fascisants, c'est réduire considérablement la portée possible de cette pièce. Ce sont plus des clichés bien figés que des symboles qui éclaireraient l'oeuvre. La paysannerie qui se révolte de façon désordonnée tandis que l'on brûle les livres dissidents en ville, ce peut évoquer bien des choses plus lointaines et profondes qu'une opposition entre les deux grandes idéologies du XXe siècle, qui sont désormais bien vétustes (à moins d'habiter au septentrion de la péninsule coréenne, mais là vous n'avez vraiment pas de chance - et vous ne pouvez de toute façon pas lire les lutins subversifs de toute espèce).
On l'a vu en traitant du livret, Hindemith laisse à dessein les interprétations ouvertes et ne se donne pas le beau rôle du démiurge. Pourquoi alors vouloir forcer le sens, surtout pour quelque chose d'aussi évident... et prosaïque ?

Pour le reste, sans être spécialement vertigineuse, celle mise en scène reste toujours opérante et agréable.

2.2. Exécution musicale

On peut d'ores et déjà souligner la surprise majeure d'entendre Christoph Eschenbach produire un travail d'une telle clarté, mettant en valeur les différents pupitres, ménageant toujours la lisibilité du spectre orchestral, sans la moindre lourdeur, sur une musique pourtant pas très digeste. Très loin de l'image qu'il a pu laisser de lui dans la majorité des orchestres qu'il a dirigés, de l'Orchestre de Paris à la NDR... Une excellente surprise qu'il faut saluer.

Tous les chanteurs interprétaient donc (à l'exception de Regina, invention de Hindemith) des personnages historiques, dont l'action est bien sûr révisée pour les besoins opératiques.

Il y aura peu à dire de Thorsten Grümbel (Lorenz von Pommersfelden) : voix suffisamment sonore pour être audible, mais peu de séduction vocale ou verbale. Opérant. Même chose pour Wolfgang Ablinger-Sperrhacke (Wolfgang Capito), étonnamment sage, lui qui est tant en verbe d'habitude, et la voix plus grise aussi. Le rôle est très mineur de toute façon. Autre rôle court, Nadine Weissmann (die Gräfin von Helfenstein) assume avec une voix aux allures agréablement vaillantes (typée dramatique allemand, mais sans lourdeur ni aigreur) un rôle bref mais intense.

Gregory Reinhart (Riedinger), le plus sonore de la soirée, surprend une fois encore. Lui qui est capable de chanter du baroque en style dans de petites salles, à près de soixante ans, emplit Bastille avec le plus grand naturel - sans jamais paraître se retenir dans les petites jauges, sans jamais forcer dans les grands espaces... Le rôle est assez peu riche psychologiquement, mais l'autorité et le relief vocaux et musicaux sont au moins présents.

Une des grosses surprises de la soirée provenait de la capacité de distribuer DEUX ténors dramatiques (ces fameuses voix qui n'existent plus, dit-on...) d'excellente tenue dans les rôles du Cardinal Albrecht von Brandenburg et du rebelle Hans Schwalb : Scott Mac Allister et Michael Weinius. Alors qu'il est théoriquement possible de confier le premier à un ténor de caractère et le second à un jugendlicher (autrement dit un grand lyrique), nous disposons ainsi de deux voix suffisamment chargées en harmoniques pour passer aisément l'orchestre. Non pas qu'il s'agisse des plus grands interprètes de leur génération, mais nous avons là deux ténors de format assez large, et qui ne manifestent pas la moindre difficulté technique dans leurs parties, ce qui constitue réellement un petit événement. Et Michael Weinius est de surcroît assez inspiré dans son rôle assez valorisant.

On retrouve Matthias Goerne sans surprise, tel qu'en lui-même. Emission un peu grosse (mais qui ne s'est pas trop durcie), diction empâtée mais très touchante, projection excellente mais harmoniques très douces qui se font couvrir par les nuances les plus fortes de l'orchestre. Et une capacité à la diction expressive qui, si elle ne s'épanouit réellement qu'à la fin du dernier tableau, distille ses séductions tout au long de l'oeuvre. Clairement une voix pour laquelle une oeuvre aussi ample est un enjeu, mais l'intensité de sa prestation est constamment prenante (la fin du quatrième tableau, après la défaite des paysans, est particulièrement spectaculaire de ce point de vue). Un très grand chanteur d'aujourd'hui, qui n'a nullement usurpé sa réputation, on a eu mainte fois l'occasion de clamer notre enthousiasme ici même pour ne pas avoir besoin d'insister.

Vient enfin le tour des deux dames.

Melanie Diener (Ursula) a déjoué tous les pronostics : une petite voix, au timbre pas très séduisant, à la diction floue, mais capable d'incarner remarquablement si bien dirigée. Et son Ursula, malgré toutes ses limites, joue admirablement des silences (l'orchestration est peu chargée à son endroit), des fragilités, des non-dits du livret. Quel gain par rapport au format dramatique tout moche qu'on aurait pu nous infliger ici !
Avec des moyens intrinsèquement bornés, l'interprète utilise toutes ses forces et astuces pour mettre en valeur son personnage... et y réussit. Au point qu'on suit ici de façon très intéressée ce personnage étrange, sans trouver forcément le livret abouti à son endroit ni l'interprète plaisante au départ. Une remarquable transfiguration.

Enfin, la révélation de la soirée, Martina Welschenbach (Regina, fille de Schwalb), une voix ample mais parée d'harmoniques hautes et lumineuses, pleine de ductilité et phrasant avec beaucoup de délicatesse. Quelque part entre Malin Hartelius et Soile Isokoski, une de ces voix à la fois glorieuses et limpides.

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3. Fallait-il Mathis ?

On disposait donc d'une équipe fantastique pour rendre justice à cette oeuvre. Tous les moyens ont été mis pour que Mathis puisse trouver sa place auprès du public, qui l'a accueilli très favorablement dans ces circonstances.

Une question est cependant venue à beaucoup d'esprit depuis l'annonce de cette programmation : pourquoi cette oeuvre ? Etait-ce nécessaire ?

Etant donné que Hindemith est profondément négligé, on ne peut qu'applaudir à ce retour en grâce. Néanmoins les limites de l'oeuvre peuvent faire interroger, sans du tout bouder son plaisir, sur le choix de celle-ci plus qu'une autre.

Pour le même prix (et la même durée : 19h-23h30 !), on aurait pu monter Der Ferne Klang de Schreker, Die Vögel de Braunfels, Flammen de Schulhoff (avec un livret un peu plus... difficile, mais quelle musique !). Des chefs-d'oeuvre au dernier degré, qui auraient eu de quoi déclencher, plus que le légitime enthousiasme qu'on a pu voir, un véritable délire, quasiment un choc collectif.

Voyons donc : Mac Allister ou Weinius auraient tout à fait pu faire Salvago, Diener Carlotta, Reinhart Nardi, Goerne Tamare ! Et nous avions des Gezeichneten inoubliables !

Et il est vrai que malgré notre contentement, il reste toujours cette question d'enfant gâté qui taraude. Pourquoi diable tous ces moyens pour une oeuvre fragile, alors que tant de bijoux dorment (et on ne parle même pas de l'Hernani d'Henri Hirchmann, n'est-ce pas...) ?