Carnets sur sol

Un peu de contexte : le prodige Arriaga
        Cette symphonie est l'œuvre d'un compositeur de 18 ans. Remarqué à Bilbao pour ses dons (de son seul opéra, donné sur place, Los esclavos felices, admiré pour sa grâce et son originalité par Fétis, seule nous est parvenue l'Ouverture, très belle), il est envoyé à Paris où il se lie, au cœur de la querelle qui les oppose sur l'enseignement du contrepoint, à la fois avec Fétis et Reicha.
        Sa maîtrise du contrepoint dans la musique sacrée impressionne tant Cherubini que celui-ci l'appointe professeur assistant au Conservatoire de Paris, à l'âge de dix-sept ans. Ses trois quatuors, encore enregistrés et donnés en concert (en particulier le troisième), sont regardés comme d'excellents témoins de l'influence du style beethovenien (de l'opus 18) à Paris.
        À l'exception des motets qui l'ont fait remarquer de Cherubini et de son recueil d'Ensayos líricos-dramáticos, fragments de livrets d'opéras préexistants (notamment la Médée de Cherubini-F.B.Hoffmann) qu'il met en musique sous forme de scènes autonomes (Ma tante Aurore, Œdipe, Médée, Herminie, Agar dans le désert), très peu de chose nous est parvenu, puisqu'il meurt, vraisemblablement de tuberculose, à 19 ans.
        Sa Symphonie à grand orchestre, son chef-d'œuvre avec Herminie (sa dernière œuvre achevée, Agar laissant percevoir les compléments d'une main étrangère), n'est exécutée pour la première fois qu'en 1888, sous l'impulsion de ses héritiers, très actifs jusqu'au XXe siècle – où le nationalisme basque va aussi nourrir l'intérêt pour les artistes locaux.


Compositeur : Juan Crisóstomo de ARRIAGA (1806-1826)
Œuvre : Symphonie à grand orchestre, en ré  (1824)
Commentaire 1 :
        ♣  Bien que couramment désignée comme « Symphonie en ré » et achevée en majeur sur ses dernières mesures, elle se trouve clairement écrite en ré mineur dans ses mouvements extrêmes (et non ré majeur comme son nom pourrait le laisser supposer) ; dans ce cadre, Arriaga tire des possibilités du mode mineur beaucoup d'effets dramatiques et d'événements harmoniques.
       ♣ Première particularité : cette seule symphonie qu'il ait eu le temps de composer manifeste une grande ambition formelle. À part le Menuet, tous les mouvements consistent en des formes sonates (l'organisation musicale la plus sophistiquée en dehors de la fugue, qui n'est jamais rigoureusement employée dans les symphonies). Pas de juxtapositions, de variations, de rondeaux… Arriaga vise d'emblée le plus difficile. Plus encore, les thèmes sont très parents d'un mouvement à l'autre (ceux du premier et du dernier mouvement en particulier) comme dans les meilleurs Haydn ; et, chose plus étonnante, peuvent circuler d'un mouvement à l'autre – ainsi, dans le développement de l'Andante se trouve cité incidemment le premier thème du premier Allegro !
     ♣ Côté influences, l'armature générale reste assez haydnienne (il demeure même un Menuet), avec un sens post-gluckiste du drame (battues de cordes, ponctuations de cuivres), mais aussi une veine mélodique immédiate et un sens de la modulation colorante qui évoquent beaucoup Schubert (dont il n'a pu, d'après Stig Jacobsson, connaître la musique). Bien sûr, l'ambition générale et les ruptures soudaines attestent son étude admirative de Beethoven. Ainsi, une véritable symphonie du début du romantisme, mais qui combine à un assez haut degré les qualités des grands représentants d'alors de l'art symphonique.
     ♣ Pourquoi l'avoir choisie ?  Outre la beauté de son geste général et sa qualité de finition (vraiment remarquable, la partition fourmille de trouvailles, de petites attentions…), plus intimement, je suis séduit par son sens du geste dramatique, son goût pour les tuilages favorisant un contrepoint expressif, et surtout pour sa veine mélodique extraordinaire – le thème B de l'Andante s'impose à vous d'une façon incroyable, vous l'entendez pour la première fois et vous croyez entendre une mélodie qui vous accompagne depuis l'enfance, le tout sur une carrure pas du tout évidente rythmiquement, qui ménage une sorte d'instabilité, évite la lassiture de la rengaine.

Interprètes : Le Concert des Nations, Jordi SAVALL
Label : Astrée / Auvidis (1994), réédition numérique sous Alia Vox (2009)
Commentaire 2 :
        ♣ Cette version Savall, sur instruments anciens, combine le meilleur de tous les mondes : les couleurs sont très chaleureuses, l'individualité des pupitres très audible (assurant un relief impressionnant du spectre sonore), sans pour autant rien céder (malgré l'impression d'aération) sur la qualité de legato ni de fondu. Tout à fait idéal. Les fulgurances d'Arriaga y apparaissent avec plus de netteté encore que dans les versions plus conservatrices.



Un peu de détail : guide d'écoute
À quoi faut-il prêter attention dans la symphonie ?  Quelques beautés.


Discographie :
        ♣ Arriaga, malgré sa notoriété limitée chez le grand public et sa très rare exécution en concert (hors quatuors, çà et là donnés par des ensembles en général espagnols et/ou basques), se révèle très bien servi au disque, depuis la musique de chambre jusqu'aux cantates profanes, airs isolés et motets. Sa Symphonie est particulièrement fêtée. Tout particulièrement convaincu, pour ma part, outre Savall, par Zollmann, qui traite avec beaucoup de soin les articulations des phrasés et d'équilibre l'étagement du son. Vous remarquez que Savall est, d'assez loin, le premier à avoir mis cette symphonie à l'honneur.
        ♣ (Le reste d'Arriaga mérite complètement le détour aussi, même si la Symphonie reste à mon sens son œuvre la plus frappante. Essayez par exemple la cantate Herminie chez Mena et les autres pièces vocales chez Dombrecht.)

Un peu de contexte : pourquoi cet opéra ?
        Bien sûr, comme représentant du belcanto de l'ottocento, il était loisible de puiser parmi les grands aboutissements de Bellini (Norma, I Puritani) ou Donizetti (Il Diluvio universale plutôt que ses reines et autres folles à escalier), voire dans le bouffe avec les bijoux absolus que constituent Il Turco in Italia ou L'Elisir d'amore ; cependant, outre la prime à la découverte qu'essaie de proposer cette série, on y gagne aussi la fréquentation d'un carrefour d'esthétiques fondamentales à la compréhension de l'opéra italien du début du XIXe siècle. En effet, en tant que professeur de chant, Vaccaj s'incrit comme dernier représentant de l'école de chant napolitaine qui marque la fin du XVIIIe siècle européen ; tandis que stylistiquement, son opéra marque au contraire par la modernité de sa continuité et de son souci du texte et du drame (certes en cela précédé de Zingarelli, auteur également d'un Roméo antérieur), dans un goût mélodique qui annonce Bellini.

Compositeur : Nicola VACCAJ (1790-1848)
Œuvre : Giulietta e Romeo – Dramma serio per musica (1825)
Commentaire 1 :
        ♣ Écrit entre le dernier opéra italien de Rossini (Semiramide, 1823) et la conquête du Nord de l'Italie par Bellini (Il Pirata, 1827), l'opéra de Vaccaj conserve les recitativi secchi de l'esthétique rossinienne (récitatifs de liaison accompagnés du clavier, sans orchestre, comme dans l'opera seria). L'époque des castrats s'est achevée il y a peu, mais il confie tout de même Roméo à une mezzo-soprane travestie, et le père Capulet, très développé (réellement le troisième personnage de l'opéra, devant Frère Laurent et Tybalt), à un ténor assez héroïque et agile – pas du tout un rôle de caractère à confier à un interprète déclinant et confiné à un médium prudent.
        ♣ Pour l'auditeur du XXe siècle, on est frappé par son intensité dramatique en tant qu'opéra de style belcantiste : il s'y consomme une grande quantité de texte, assez peu souvent répété ; les ensembles y sont nombreux, les airs et duos jamais longs, en général interrompus par la suite de l'intrigue plutôt que conclus proprement par une cadence close (ce qui, pour ce qu'en documente maigrement le disque, est très rare dans cette esthétique belcantiste). Tout y est très mobile, et quoique la veine mélodique soit belle, assez bellinienne, elle est le plus souvent éclipsée par le geste théâtral, la continuité de l'action, la tension vers l'avant, l'enchaînement des situations.
        ♣ Le livret, du plus grand librettiste italien de son époque, Felice Romani – accumulant les chefs-d'œuvre sérieux comme bouffes (Il Turco in Italia, Norma, L'Elisir d'amore) et en signant d'autres moins aboutis littérairement mais qui ont traversé les époques (Aureliano in Palmira, Il finto Stanislao, Bianca e Falliero, Il Pirata, Anna Bolena, Parisina, Lucrezia Borgia…) –, concourt aussi à cette impression d'urgence, saisissant d'emblée le spectateur par le col. Le fils de Capulet vient de mourir, Roméo entre sous une fausse identité pour obtenir la main de Juliette tout en menaçant ses ennemis, tandis que le mariage de celle-ci s'empresse… et les retrouvailles amoureuses se font entre deux préparatifs autour de Tybalt et du père Capulet.
         ♣ L'ensemble texte et musique était tellement abouti que les théâtres ont pendant un temps remplacé la fin de l'opéra de Bellini adapté du même livret (I Capuletti ed i Montecchi), moins intense, par celle de Vaccaj (que je préfère très nettement). Il faut dire qu'en termes de rythme théâtral, Vaccaj ne s'attarde pas du tout comme Bellini dans les tendresses amoureuses, mais privilégie l'avancée du drame – en ce qui me concerne, j'en trouve la veine supérieure, même musicalement, au Catanais. Toutes bonnes raisons pour distinguer cet opéra qui échappe aux faiblesses du genre, notamment en matière d'avancée dramatique et de renouvellement des situations.

Interprètes : Paula Almerares, Maria José Trullu, Dano Raffanti, Armando Ariostini, Enrico Turco ; Orchestra Filarmonica Marcheggiana (Opéra de Jesi), Tiziano SEVERINI
Label : Bongiovanni (1996)
Commentaire 2 :
        ♣ Contrairement à la plupart du legs Bongiovanni, cette représentation est non seulement très clairement captée, bien accompagnée par un orchestre tout à fait correct (juste, en rythme, timbres non dépareillés, entrain raisonnable)… et superbement chantée. On peut trouver l'articulation (verbale et musicale) un peu évanescente chez Almerares (Giulietta), mais pour le reste, le brillant de Raffanti (Capellio), la majesté charnue de Turco (Lorenzo) et le fruité extraordinaire des médiums de Trullu, toujours électrisante (Romeo), nous emportent vers ce que la Péninsule a produit de plus varié et enthousiasmant durant ces dernières décennies. Nettement préférable à la seule autre version (Dynamic, parue l'année dernière en CD et DVD), qui n'est pas horrible par ailleurs, mais n'atteint pas du tout ces mêmes frissons. [Si votre coffret Bongiovanni ne contient pas le livret, n'hésitez pas à me le demander, il est évidemment libre de droits…]

Un peu de contexte : l'œuvre méconnue d'un théoricien superstar
        Si Vaccai (dans sa variante orthographique courante, non dialectale) demeure un nom familier, c'est que son Metodo Pratico di Canto (1832) demeure toujours prisé des professeurs de chant, et donc familier à bien de jeunes apprentis chanteurs. Suite de vocalises progressives pour assouplir l'émission dans les phrases vocales les plus courantes, puis des airs courts écrits sur des poèmes de Métastase (et même des récitatifs !) dans le but de servir de support à la formation. Il s'agit donc bien de la même personne qui composa ce Giulietta e Romeo, avec un talent de créateur que ne laisse pas nécessairement supposer (comme pour Czerny !) sa réputation limitée à la pédagogie.